En el Universo Cinematográfico de Marvel (UCM), si bien los eventos de cada película parecen influir en las otras, hay una desconexión más marcada entre el cine y las series de streaming, pues a pesar de compartir continuidad, las historias de la pantalla grande y la pantalla chica no parecen incidir tanto una en la otra. Sin embargo, hay indicios de que esto estaría por cambiar con Spider-Man: Un nuevo día, que ya sugiere conexiones con Daredevil: Un nuevo día.

De hecho, la cabeza de Marvel Television, Brad Winderbaum, ha confirmado que los equipos creativos de ambas producciones han mantenido comunicación para mantener coherencia entre los eventos de estas historias, y también es un hecho que la nueva aventura de Spidey sucederá, cronológicamente, después de la segunda temporada del “Hombre sin miedo”. ¿Cómo influirán una en la otra? Aquí te contamos cinco posibles conexiones entre Daredevil: Born Again y Spider-Man: Un nuevo día. Posibles spoilers a continuación:

1. La ilegalidad de los justicieros

Está confirmado que Un nuevo día comenzará cuatro años después del final de Spider-Man: Sin camino a casa, que concluyó con Peter Parker (Tom Holland) regresando al anonimato total luego de que su identidad como Spider-Man es revelada—lo cual significa que tampoco es recordado por Matt Murdock/Daredevil (Charlie Cox), quien fue su abogado durante esta película—.

Si, en efecto, Un nuevo día sucederá después de la segunda temporada de Born Again, esto significa que Spidey ha estado operando en Nueva York por el tiempo suficiente para ver a Wilson Fisk (Vincent D’Onofrio) ascender del jefe mafioso “Kingpin” al alcalde de la ciudad, lo que culmina con la creación de la Fuerza Especial Anti-Vigilante (o AVTF, por sus siglas en inglés), que criminaliza, persigue y encarcela a los justicieros enmascarados—aunque en realidad es una táctica de Fisk para poder expandir su corrupción a sus anchas—.

En los cómics, ese tipo de persecución es cosa de cualquier lunes para Spidey, lo cuál explicaría por qué, a pesar de ayudar a combatir villanos como Tarántula o Boomerang, no parece gozar del favor de la policía.

2. El vacío de poder de Fisk

Una de las principales subtramas en la primera temporada de Daredevil: Born Again tiene que ver precisamente con Fisk y las repercusiones de su ascenso a alcalde. El vacío de poder que deja en el mundo de la mafia genera otras tensiones entre los criminales que buscan ocupar su lugar.

Y en el mundo de Marvel, candidatos siempre sobran, pero una teoría es que ese lugar será ocupado por Lonnie Lincoln “Tombstone”, un mafioso con albinismo, fuerza sobrehumana e impenetrabilidad que es interpretado por Marvin Jones III (quien ya le dio voz en la animación Spider-Man: Un nuevo universo). Precisamente, Tombstone es uno de los personajes de Un nuevo día sobre los que menos se ha revelado—excluyendo a la gran interrogante, el personaje de Sadie Sink—, por lo que apostamos a que su rol no será menor.

3. ¿Nuevo alcalde de Nueva York?

Hay, sin embargo, una teoría que podría desmentir que tanto Fisk como su AVTF seguirán en el poder cuando concluya la segunda temporada de Daredevil: Born Again. La clave está en una escena fugaz del primer tráiler, donde Spidey recibe la llave de la ciudad.

Tal distinción es, por lo general, otorgada por el propio alcalde, pero en la escena no es Fisk quien realiza el acto, aunque sí vemos a un rostro conocido. Se trata de Sheila Rivera (Zabryna Guevara), quien en la serie del Hombre sin miedo funge como asistente y consejera política de Fisk, como una de las integrantes más cercanas de su gabinete, aunque está en constante desacuerdo con sus actos. El hecho de que Rivera le esté entregando la llave de la ciudad a Spider-Man podría sugerir no sólo que ella será la nueva alcaldesa de Nueva York, sino que los justicieros enmascarados han dejado de ser criminalizados.

4. Spider-Man, Daredevil y Punisher: métodos diferentes

La primera temporada de Born Again tiene una implicación directa en Spider-Man: Un nuevo día, pues en la persecución de los justicieros, Punisher/Frank Castle (Jon Bernthal) fue encarcelado por Fisk—sólo para escapar en la escena postcréditos—. Esto no sólo establece el antagonismo entre Punisher y Spider-Man que ya vemos en el tráiler, sino también el especial televisivo The Punisher: One Last Kill.

El cruce entre la película y la serie pondría en las calles de Nueva York a tres justicieros con métodos y actitudes muy diferentes entre sí. Spidey es, después de todo, el “amigable vecino”, que busca reducir al mínimo el daño colateral, mientras que Daredevil no está por encima de incapacitar a sus oponentes con violencia directa, a veces letal. Ninguno, sin embargo, con la desconsideración de Frank, quien no teme desatar una ráfaga de balas con tal de aniquilar a sus rivales.

5. ¿Qué hace La Mano en Nueva York?

El momento climático del tráiler muestra a Peter no sólo atravesando una inquietante transformación, sino también combatiendo a un grupo de ninjas con uniformes rojos, lo cual podría parecer totalmente aleatorio para el fan casual del trepamuros que no esté muy enterado del tejemaneje del Hombre sin miedo.

Sin embargo, los iniciados sabrán muy bien que estos ninjas de rojo pertenecen a una organización criminal antigua conocida como La Mano, y que fue una de las principales rivales de Matt durante la segunda temporada de la serie original de Daredevil—que, retroactivamente, ya forma parte del UCM—.

Aunque también han tenido sus encontronazos con Spidey en los cómics, muchas teorías aseguran que su presencia conllevará el involucramiento inevitable de Daredevil en la lucha. Algunos fans incluso apuntan a que la composición visual del último plano del tráiler sugiere la presencia de más personajes, que han sido borrados digitalmente. No sería la primera vez: el tráiler de Spider-Man: Sin camino a casa ocultaba la presencia de Tobey Maguire y Andrew Garfield como sus respectivas variantes del trepamuros, así que no es una teoría descabellada en absoluto.

Matt Murdock (Charlie Cox) está de regreso como el “Hombre sin miedo” en la segunda temporada de la serie Daredevil: Born Again. Ahora con los justicieros enmascarados de Nueva York bajo asedio por el alcalde Wilson Fisk (Vincent D’Onofrio) y su brutal Fuerza Especial Anti-Vigilante (AVTF, por su sigla en inglés), nuestro héroe está en un sitio donde tiene que abandonar más a Matt y abrazar la oscuridad de Daredevil para resistir y exponer la corrupción de Fisk.

En esta situación para los ciudadanos y héroes de la ciudad, tanto nosotros en el público como el propio Matt nos hemos encontrado con diversas sorpresas desde el primer capítulo de la segunda temporada. Estas son las más importantes (spoilers a continuación, obviamente):

Un nuevo look para Daredevil

Ir de negro no es algo exactamente nuevo para esta encarnación de Matt Murdock: el look oscuro de héroe taciturno ya era la esencia de su atuendo original en sus días como “Demonio de Hell’s Kitchen” (en la serie original de Daredevil), antes de saltar a la armadura roja que ha usado en la mayoría de sus apariciones subsecuentes (con una versión amarilla y más alegre vista más adelante en She-Hulk).

El episodio 1 de la temporada 2 abre con Daredevil en una misión a bordo de un barco de carga, y aunque primero parece que nuestro héroe está cubierto por la sombra, en realidad es algo más: ahora su armadura está pintada con aerosol negro, dejando algunos detalles en rojo, incluyendo una doble “D” en el pecho. Esto último es un aspecto de los cómics que esta iteración del personaje no había recuperado hasta ahora, y que se inspira en la versión de su traje presentada para el arco “Shadowland” de 2010 en las historietas.

¿Quién es Mr. Charles?

Luego de su icónica actuación como Shaggy en los live actions originales de Scooby-Doo, Matthew Lillard se ha convertido en uno de los actores bonachones preferidos del público (en serio, ¿cuál es el problema de Tarantino?). Aunque proyectos como Scream también demuestran su versatilidad para interpretar villanos perturbadores.

En el primer episodio de la segunda temporada de Daredevil: Born Again, hace algo todavía mejor: ser arrogante y misterioso. Aquí interpreta a “Mr. Charles”, un agente de la CIA que irrumpe en una reunión de Fisk y despliega una cantidad impresionante de poder político en segundos, estableciendo una alianza un tanto antagónica con el alcalde. A qué intereses sirve y hasta dónde llega su poder serán, sin duda, de las grandes incógnitas de la temporada.

El regreso de Karen Page

La periodista Karen Page (Deborah Ann Woll) es un personaje central de la serie original de Daredevil, y fue uno de los elementos que más extrañamos en la primera temporada de Born Again tras la muerte de Foggy (Elden Henson), incluso si sus pocas apariciones y el último episodio prometían una mayor participación suya en la resistencia contra Fisk.

La promesa parece cumplida en el primer episodio de la segunda temporada, pues Karen tendrá un rol más activo no sólo en la lucha, sino en la vida de Matt. Además de reavivar su romance con el héroe, la vemos practicando artes marciales bajo su tutela, lo que podría indicar que verá algo de acción en las calles.

El descenso de Heather Glenn

En la primera temporada de la serie, Matt tenía un romance con la terapeuta Heather Glenn (Margarita Levieva), que comenzó a complicarse por la vida secreta de Matt y por la creciente alianza que ella comenzó a formar con uno de sus pacientes, ni más ni menos que Fisk. Glenn comenzó a oponerse todavía más a los justicieros enmascarados al casi perder la vida contra el asesino serial Muse (Hunter Doohan). Para el final de la temporada, el par había terminado su relación.

Para el comienzo de la segunda temporada, Heather se ha volcado de cabeza en el puesto ofrecido por Fisk como Comisionada de Salud Mental, que el alcalde está esgrimiendo indiscriminadamente para encarcelar a justicieros como Jacques "Jack" Duquesne, el Espadachín (Tony Dalton). Sin embargo, Heather sigue siendo acechada por visiones de Muse, lo que podría indicar un descenso en su salud mental… y una vulnerabilidad a la manipulación.

¿Una alianza con Pointdexter?

En el clímax del episodio 1 de la segunda temporada de Born Again, Matt acude en auxilio de Cherry (Clark Johnson), su amigo investigador privado que se ha vuelto un objetivo de la AVTF. Durante la lucha de Daredevil con los agentes de Fisk, Cherry comienza a tener un infarto. Consumido por la posibilidad de perder a otro amigo, Matt pierde la concentración en el combato, es sometido y desenmascarado por los operativos de AVTF, quienes lo identifican como Matt Murdock.

Eso habría sido el final definitivo para la carrera de Matt como abogado y justiciero, de no ser porque los agentes caen fulminados repentinamente. Un cuchillo, con las palabras “De nada” escritas en la hoja, aterriza frente a Matt… ¿Y quién más podría hacer tiros tan perfectos sino Benjamin Pointdexter (Wilson Bethel), alias “Bullseye”? Todo indica que Daredevil ha sido salvado por su archienemigo, el asesino de su mejor amigo… y con quien quizá tenga que formar una incómoda alianza para derrotar a Fisk y la AVTF.

La saga de Scary Movie está de regreso luego de más de una década con una sexta entrega que no sólo traerá de vuelta a gran parte del elenco de la película original, sino también ese humor tan característico para parodiar el cine de terror contemporáneo. Y con casi 15 años desde la última entrega, habrá bastante tela de dónde cortar.

Lo cierto es que las películas de esta franquicia funcionan mejor para los aficionados al terror, que siguen el género de forma asidua y logran entender las referencias paródicas. Por ello, a continuación te presentamos algunas películas (y series) que debes ver antes del estreno de Scary Movie 6.

Scream (2022)

Scream fue un slasher autoconsciente de sí mismo desde sus inicios, y Scary Movie ha sido la parodia de esa misma autorreferencialidad. No por nada, el regreso de esta saga con la sexta entrega ya trae un chiste desde el título.

Así como la “recuela” (secuela con tintes de reboot) de la primera no se tituló Scream 5, sino meramente Scream, el regreso de la segunda franquicia tampoco adopta oficialmente el “6”, sino que simplemente se titula Scary Movie. Aunque el regreso de tantos personajes antiguos no sugiere que vaya a ser del todo una recuela también, sí que tomará prestadas varias referencias a las más recientes entregas de Scream, como esta a continuación…

Merlina (2022-actualidad)

Una de las escenas del tráiler presenta  una referencia doble que se pierde en la traducción, pero todo comienza con la actriz Jenna Ortega, quien interpretó a Tara Carpenter (hermana del personaje de Melissa Barrera, Sam Carpenter) en la quinta Scream. Ortega es más famosa todavía por interpretar a la protagonista en la serie Merlina, cuyo título original en inglés es Wednesday, que se traduce literalmente como “Miércoles”. ¿Vamos bien hasta aquí?

En la citada escena del tráiler, vemos al Asesino atacar al personaje de Savannah Lee Nassif en una recreación de la misma escena de Scream, con la actriz caracterizada con las icónicas trenzas negras de Merlina. Él le dice “Hola, Tuesday” (o “Martes”), en uno de los característicos juegos de palabras que esta saga utiliza para parodiar a otros personajes de la otra franquicia, como el hecho de que el personaje de Anna Faris se llama Cindy Campbell (como Neve Campbell), o que hay otro personaje llamado Gail Hailstorm (como Gale Weathers, interpretada por Courteney Cox).

Scream 6 (2023)

Hablando del tráiler de Scary Movie 6, vale la pena mencionar que la escena con la que abre es una referencia directa a la secuencia más emblemática de Scream 6, en la que los personajes se ven perseguidos por Ghostface en el metro de Nueva York.

La escena parodia exactamente eso, pero ofreciendo guiños a toda clase de personajes de terror—clásicos y nuevos—por medio de máscaras. Y uno de los nuevos es…

M3GAN (2022)

M3GAN, la compañera robótica con inteligencia artificial fuera de control es una de las villanas del cine de terror recientes más emblemáticas que hay, incluso si ha sido un poco a costa de promover su primera película desde la viralidad, un tanto trivial, de una sola escena en la que aparece bailando.

Y ese es precisamente su modo de ataque en la escena del metro, revelándose como otro de los disfraces del Asesino. Aunque la de M3GAN no será la única cara perturbadora que veremos por aquí.

Pecadores (2025)

Una de las películas de terror más exitosas del año previo es la ganadora del Oscar dirigida por Ryan Coogler, Pecadores (Sinners), así que claro que era evidente que los Wayans no la iban a dejar fuera del guión.

Todo indica que varios de los personajes—nuevos y originales—se verán reunidos en una casa. En una escena, vemos a un grupo de visitantes—blancos—que intentan entrar a la casa, tal como sucede en la película de Coogler, donde los vampiros supremacistas blancos intentan invadir el negocio de los hermanos interpretados por Michael B. Jordan.

Halloween (2018) y Ma (2019)

Ha pasado mucho tiempo desde la quinta Scary Movie, y la sexta entrega extrae humor de ello a partir de un recurso ya bastante gastado en el cine de terror reciente: el de la heroína veterana que reaparece años más tarde.

En la mencionada casa, Cindy Campbell (Anna Faris) es visitada por sus hijos y, al abrir la puerta, muestra el mismo look desaliñado de Jamie Lee Curtis en la secuela Halloween de 2018. Para acentuar la broma, es aquí donde se reúne con Brenda Meeks (Regina Hall), quien está caracterizada como Octavia Spencer en el thriller de terror Ma.

John Wick (2014)

Claro que Scary Movie también se ha distinguido por burlarse de otros rincones de la cultura pop, fuera del cine de terror. Y al expandir tan sólo un poco el espectro hacia el cine de acción, los Wayans iban a encontrarse, necesariamente, con la saga de Jonh Wick.

Cuando las cosas alcancen inevitablemente su cumbre absurda en Scary Movie 6, veremos a Anna Faris combatiendo al Asesino ataviada en traje y peluca negra, exactamente como Keanu Reeves en John Wick. Y si John puede hacer un arma letal de un libro o un lápiz, claro que Cindy puede hacer lo mismo con esos consoladores. La imaginación es el límite.

Otras referencias: La sustancia (2024), Longlegs (2024), Terrifier 3 (2024), ¡Huye! (2017) y La hora de la desaparición (2025)

Otro de los grandes hitos de terror de la última década, y específicamente del body horror, fue La sustancia (The Substance), alucinante película de Coralie Fargeat protagonizada por Demi Moore y Margaret Qualley como una presentadora de televisión que se somete a un tratamiento experimental que crea una versión más joven de sí misma, con la que debe coexistir por turnos.

En viñetas más breves del avance de Scary Movie 6, vemos otras referencias a películas de terror icónicas por medio de parodias a sus escenas o personajes más emblemáticos. Tenemos, por ejemplo, a quien parece ser Chris Elliott (Hanson a partir de Scary Movie 2) caracterizado como el personaje de Nicolas Cage en Longlegs. En otra escena, vemos a niños corriendo por una calle de noche con los brazos extendidos, tal como hacen en La hora de la desaparición (Weapons).

Una parodia del perturbador Art el Payaso también aparece, equipado con motosierra, disfraz de Santa Claus y dando objetos navideños cuestionables a niños, una referencia directa a Terrifier 3. Y finalmente, también tenemos una escena en la que Shorty Meeks (Marlon Wayans) comienza a hundirse en un sofá, lo que corresponde a la escena de la hipnosis de ¡Huye! (Get Out), otro de los grandes éxitos de terror en la década de ausencia de Scary Movie.

Basada en la novela de Andy Weir (quien también escribió Misión rescate, dirigida por Ridley Scott), Proyecto Fin del Mundo (Project Hail Mary) sigue a Ryan Gosling como un renuente astronauta en una misión de vida o muerte para la Tierra. Pasa buena parte del metraje solo hasta que, en su viaje, tiene contacto con otra forma de vida inteligente: un ser alienígena amigable cuyo cuerpo está hecho de minerales, al que bautiza Rocky.

El personaje, construido como marioneta y operado mecánicamente por su actor de voz (James Ortiz) en el set, ha encantado al público y se ha unido al selecto canon de alienígenas amigables en películas de ciencia ficción (todo lo contrario al Xenomorfo de la saga de Alien, pues). Y no es tan raro como crees, a continuación te presentamos otros ejemplos.

Rocky en Proyecto Fin del Mundo (2026)

Como Ryland Grace, Ryan Gosling hace un gran trabajo en Proyecto Fin del Mundo, pero Rocky—con la voz de Ortiz y su equipo de marionetistas—es quien roba escena en cada aparición. A pesar de parecer un cúmulo de piedras andantes, este ser proveniente del sistema Eridani está diseñado con una corporalidad que maximiza su expresividad.

Una vez que Ryland logra desarrollar un traductor para su idioma—que parecen sonidos cavernosos como el cetáceo de Buscando a Nemo—Rocky se convierte en algo comparable a la computadora TARS de Interestelar, que a pesar de carecer forma humana, utiliza su voz computarizada y limitadas extremidades para comunicarse y convertirse en la roca que más te hará llorar en una película desde Todo en todas partes al mismo tiempo.

E.T. el extraterrestre (1982)

Los alienígenas del cine han sido llevados a la vida por métodos muy distintos a lo largo de las décadas, y principalmente como complejas marionetas—llamadas animatrónicos—que dan la completa ilusión. Uno de los ejemplos más notables de la historia es, claro, el alienígena titular de E.T. el extraterrestre.

Creado por Carlo Rambaldi (artista de efectos especiales que también construyó al Xenomorfo de Alien), este complejo animatrónico contaba con 85 puntos de articulación sólo en el rostro para conseguir su enorme expresividad: un auténtico logro de los efectos especiales del cine ochentero.

El día que paralizaron la Tierra (1951)

A veces, la humanidad no puede dejar de ponerse el pie a sí misma, por lo que encontramos a uno de los alienígenas más amigables del cine de ciencia ficción en El día que paralizaron la Tierra (The Day the Earth Stood Still).

En la trama de este clásico de ciencia ficción, Klaatu (Michael Rennie) es un alienígena de aspecto humanoide que, junto con el robot Gort, visita la Tierra para advertir a la humanidad que la escalada nuclear ha puesto nerviosa a la comunidad interplanetaria. Entregar el mensaje le cuesta la vida, pero nadie negará que tenía los mejores intereses de los seres humanos en mente.

La llegada (2016)

Inspirada en la novela corta La historia de tu vida de Ted Chiang, La llegada (Arrival) sigue una línea muy similar a El día que paralizaron la Tierra, con la humanidad atrapada en un tenso conflicto ante la misteriosa aparición de misteriosas naves alienígenas en puntos clave del planeta.

Estas misteriosas naves son habitadas y pilotadas por seres que la humanidad bautiza como heptápodos, grandes alienígenas de siete patas que se comunican por un lenguaje visual de “logogramas” circulares, que hablan incluso de una concepción totalmente distinta del tiempo que, poco a poco, transforma la conciencia humana. Los heptápodos, creados digitalmente, son por lo general misteriosos a lo largo de toda la película, así que realmente es la actuación de Amy Adams, como interlocutora y sustituto de la audiencia (y por lo que debería haberse llevado un Oscar), la que vuelve creíbles a estos benevolentes alienígenas.

Encuentros cercanos del tercer tipo (1977)

Años antes de que E.T. apareciera en el canon cinematográfico, Steven Spielberg siguió su fenomenal éxito de Tiburón con la ambiciosa ciencia ficción de Encuentros cercanos del tercer tipo (Close Encounters of the Third Kind).

La trama sigue a dos personajes que se obsesionan con la vida extraterrestre luego de un avistamiento cercano, dando inicio a sus respectivas aventuras para descubrir la verdad. Spoiler (para una película de hace 40 años): los alienígenas no sólo son reales, sino que vienen en paz a intercambiar conocimiento.

Contacto (1977)

Adaptada de una novela de Carl Sagan, Contacto (Contact) también ofrece una mirada más intelectual a la idea de formas de vida alienígenas, más en la línea de La llegada. La historia comienza cuando una científica, la Dra. Ellie Arroway (Jodie Foster), intercepta una señal misteriosa proveniente del espacio.

Las señales resultan ser instrucciones detalladas para que una persona pueda viajar a través del cosmos, y la propia Ellie es elegida para la misión de presentar a la humanidad con la vida extraterrestre. Sólo que el representante de estos, responsables de enviar las transmisiones, argumenta poseer una forma tan incomprensible para la psique humana que decide presentarse ante Ellie en la forma de su difunto padre. Conclusión problemática cuando la máquina es detenida y resulta que Ellie no sólo nunca dejó la Tierra, sino que no tiene evidencia del encuentro. Las intenciones eran buenas, al menos…

Lilo & Stitch (2002)

Hablar de Stitch en términos de alienígenas amigables podría parecer un error, al menos en un principio, pero lo cierto es que en Lilo & Stitch tiene uno de los mejores actos de personaje en cualquier película de Disney: a pesar de ser concebido como un organismo artificial indestructible y con potencial infinito para la destrucción masiva, elige convertirse en miembro querido de una familia.

Stitch no es una marioneta, claramente, sino que es un personaje animado, otra forma de llevar sus posibilidades expresivas hacia territorios más caricaturescos que otros medios no pueden ofrecer. Por ello, preferimos esta versión al remake en live action, que intenta mantenerse en el mismo terreno pero con un aspecto realista que no funciona tan bien.

Superman (2025)

¿Un poco de trampa? Quizá, pero a pesar de su apariencia humana que le permite camuflarse en la Tierra, Clark Kent/ Kal-El es un alienígena del planeta Krypton. Lo cual, de hecho, suele ser un hecho importante de su identidad en sus múltiples iteraciones.

En la más reciente versión, Superman de 2025 con David Corenswet, vemos a Clark en una constante búsqueda de pertenencia mientras balancea su rol, divisivo, como protector de la humanidad. Nadie podrá decir que no es uno de los alienígenas más amigables del cine, por lo general. Sólo no le acerquen kryptonita roja. Ni se les ocurra amenazar a Martha.

Desde sus comienzos, el cine ha tomado inspiración—y material—de otras artes, y la literatura no es la excepción. Podríamos escribir toda una enciclopedia dedicada únicamente a películas basadas en libros. Y en muchos de esos casos, no faltarán los bibliófilos que afirmarán categóricamente que “el libro es mejor”.

Pero la realidad es que no siempre sucede así: muchas adaptaciones cinematográficas no sólo complementan al texto para crear algo más poderoso, sino que incluso los trascienden en la memoria colectiva. A continuación seleccionamos ocho películas mejores que los libros que adaptan.

1. La virgen de la tosquera (2025)

Dirigida por Laura Casabé, la película argentina La virgen de la tosquera es una inusual propuesta de terror latinoamericano, con un pie en el coming-of-age para contar la historia de un grupo de adolescentes durante un verano en la Argentina de los dosmiles. La trama sigue la creciente rabia de una chica (Dolores Oliveiro) al ver usurpado el cariño de su amigo y amado (Agustín Sosa) por una nueva mujer (Fernanda Echevarría).

La película está basada en dos cuentos de la escritora argentina Mariana Enríquez contenidos en el libro Los peligros de fumar en la cama, concretamente, “La virgen de la tosquera” y “El carrito”. Nada en contra de los textos de Enríquez, que son maravillosos, pero la película los trasciende precisamente gracias a su entrelazamiento, construyendo una narrativa que explora el terror de crecer y ser mujer en medio de una vida precaria, donde el único refugio está en la rabia y en el pensamiento mágico.

2. El increíble castillo vagabundo (2004)

A pesar de que la producción de Studio Ghibli tiene un estilo consistente y distintivo como animación japonesa, podría sorprender a más de uno enterarse que toma mucha inspiración de literatura occidental. Kiki: Entregas a domicilio y Cuentos de Terramar son sólo dos ejemplos de ello.

El increíble castillo vagabundo es otro caso, basado en la novela de fantasía de 1986 escrita por Diana Wynne Jones. Y claro, la autora amplió esta historia en otros relatos, y su obra llegó a influenciar a creaciones posteriores—incluyendo a la saga de Harry Potter—. Pero sólo decir este título nos remite directamente al director Hayao Miyazaki, cuya preciosa animación resultó en una obra que ha trascendido al material original.

3. Dr. Insólito o cómo aprendí a no preocuparme y amar la bomba (1964)

Buena parte de la filmografía de Stanley Kubrick se basó en trabajos literarios preexistentes o desarrollados en conjunto con sus películas, y dado el maestro cineasta que fue, podríamos llenar este listado con puras películas suyas—y de hecho, no será la única vez que lo veremos en este conteo—.

El autor Peter George publicó primero, en 1958, la novela de suspenso Teléfono rojo (Red Alert), que relata las primeras horas de una hipotética Tercera Guerra Mundial, y un ataque de Estados Unidos a la Unión Soviética que amenaza con desencadenar la destrucción mutua asegurada. Es una historia angustiante por sí sola, pero Kubrick—con la colaboración del propio George y Terry Southern en el guión—lleva las cosas más lejos con Dr. Insólito (Dr. Strangelove), que va hacia los territorios de la comedia negra que exalta—y satiriza—lo fácil y absurdo que sería provocar el fin de la humanidad, con diálogos tan emblemáticos como “caballeros, no pueden pelear aquí, ¡es la sala de guerra!”. Una vez más, en el imaginario colectivo, es la película de Kubrick y no la novela de George la que se mantiene vigente.

4. Cómo entrenar a tu dragón (2010)

Otro de esos casos que, si no fuera por los créditos, probablemente ni nos enteraríamos que se trata de una adaptación cinematográfica de un libro. Cómo entrenar a tu dragón (How to Train Your Dragon) se basa en la primera de una serie de novelas infantiles escritas por Cressida Cowell, que en realidad sólo provee un esqueleto para lo que sería la adaptación. Las novelas, en realidad, toman un curso muy distinto a las películas.

Si somos justos, que la película fuera mejor que el libro tampoco era tan difícil, dado que son historias infantiles que se prestan menos a la espectacularidad que ofrece la versión fílmica. El hecho de que ésta y sus dos secuelas sean consideradas como las mejores películas de DreamWorks—antes de Robot salvaje, al menos—ya dice bastante. ¿Quién necesitaba ese feo remake en live action?

5. Blade Runner (1982)

Aunque no fue muy exitosa en su tiempo—considerada, por muchos años, un clásico de culto que hoy ya forma parte del mainstream—, Blade Runner es otra película mejor que el libro que adapta. De nuevo, no porque haya algo necesariamente malo con el material de origen, sino porque es una de esas historias que funcionan mejor por vía del lenguaje cinematográfico.

La película está basada en la novela ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? de Philip K. Dick, que se sitúa en un mundo postapocalíptico, donde casi ya no existen animales—aunque sí réplicas “eléctricas”— y en el que las personas de mayores recursos se han mudado a colonias espaciales, con esclavos androides. La adaptación sintetiza mucho de esto para centrarse en la historia de Rick Deckard (Harrison Ford), un blade runner a cargo de cazar y ejecutar a seis androides rebeldes. La narrativa de la película, sin embargo, propone mayores simbolismos visuales para reflexionar sobre lo que significa ser humano. Cabe señalar que la versión cinematográfica también trascendió a la novela de Dick, con la secuela Blade Runner 2049, un anime y una serie, Blade Runner 2099.

6. El resplandor (1980)

Muy a pesar de Stephen King, la adaptación cinematográfica de El resplandor (The Shining), dirigida por Stanley Kubrick, supera a su original literaria. O, por lo menos, logra ser una propuesta distintiva, única, que no depende del material de origen para justificarse.

Resulta que, por diferencias fundamentales en su forma de ver la vida y la experiencia humana, Kubrick opta por enfocarse en el terror psicológico presente de los personajes, en vez de ahondar en todos los detalles que King desarrolla sobre sus personajes en el texto. Quizá no cabe decir que una cosa es mejor que la otra, sino que son experiencias diferentes que parten de una misma base. Sin embargo, no hay duda de que la versión de Kubrick dejó una marca indeleble en el imaginario colectivo, y para muestra, sólo hace falta ver lo mucho que Doctor sueño (Doctor Sleep), también basada en la secuela literaria, toma prestado de la iconografía de la película.

7. El padrino (1972)

A menudo considerada una de las mejores películas de la historia, El padrino (The Godfather) es un inusual caso de literatura adaptada al cine. La novela épica de mafiosos homónima de 1969, escrita por Mario Puzo, fue una base relativamente cruda para lo que eventualmente sería el guión de la película—coescrito por Puzo con el director, Francis Ford Coppola—, que presentó una versión más pulida de la historia.

El resultado alcanzó la calidad de leyenda con las actuaciones del elenco liderado por Marlon Brando y Al Pacino. Con las secuelas será otra cosa, pues hay quienes argumentan que la segunda y tercera partes no profundizan tanto en los personajes como lo hace Puzo en las páginas (y puede que, en conjunto, no sean “mejores” que la novela). Pero nadie discute que la primera entrega (por lo menos) sea una de las grandes obras del cine, al grado de seguir siendo desmenuzada en producciones como La oferta (The Offer) décadas más tarde.

8. Ciudad de Dios (2002)

La producción brasileña Ciudad de Dios es un ejemplo de lo que el cine puede hacer muy diferente a la literatura. Y de nuevo, no porque el libro original—semi-autobiográfico, de Paulo Lins—sea deficiente, sino porque la película hace palpable una violencia y una rabia que no se sienten igual en las letras.

La película narra el ascenso del crimen organizado en las favelas de Río de Janeiro entre la década de 1960 y 1980, a través de la mirada de Buscapé (Alexandre Rodrigues) y de la rivalidad criminal entre Zé Pequeno (Leandro Firmino) y Mané Galinha (Seu Jorge). Una película heredera del Scorsese de Calles peligrosas (Mean Streets), pero con una rabia violenta que recuerda también al cine de Glauber Rocha.

Mickey Mouse no es sólo un personaje de Disney: es, para todo efecto y propósito, su icónica mascota y su estrella polar, un personaje que redefinió la animación y que, incluso si ya no aparece tanto en pantalla como antes, mantiene su legado vivo por medio de tantas otras producciones de animación de la compañía.

Pero si lo que extrañas es verlo en una aventura propia, la gran ventaja de Disney+ es que su enorme catálogo es una bóveda que aloja décadas de producciones protagonizadas por el ratón y sus amigos. Aquí seleccionamos 10 de las mejores películas, series y cortos en la enorme trayectoria de Mickey Mouse y que puedes ver en la plataforma.

1. Mickey Mouse: Barco de vapor Willie (1928)

Comencemos por el principio (o casi). El debut de Mickey Mouse fue en un cortometraje titulado Loco por los aviones (Plane Crazy), pero su siguiente corto, Barco de vapor Willie (Steamboat Willie), es una mejor demostración de lo que sería el personaje, además de la más icónica de sus apariciones—muchas producciones animadas de Disney Animation Studio muestran un clip de este corto como cortinilla—.

Aquí seguimos a Mickey como un marinero de cubierta en un barco de vapor, metiéndose en líos con pasajeros y animales. Este corto fue un parteaguas—y por ello es que ha trascendido más que el debut real de Mickey—al ser la primera producción animada con sonido sincronizado. Además, mostró el primer despliegue de la personalidad traviesa del ratón.

2. Mickey Mouse: El príncipe y el mendigo (1990)

Las adaptaciones de cuentos o novelas clásicas en forma animada no son una rareza para Disney—son su pan de cada día, en realidad—, pero el propio Mickey fue protagonista de algunas de estas historias, muchas de ellas no estrenadas en cines sino directamente en video. Una de ellas fue esta adaptación de la clásica novela de Mark Twain, que ha sido llevada al cine infinidad de veces.

En Mickey Mouse: El príncipe y el mendigo, nuestro ratón es protagonista por partida doble, pues el relato trata sobre un joven príncipe heredero que anhela libertad y un mendigo que luce exactamente como él y que sueña con una vida de lujos. Luego de conocerse por casualidad, deben trabajar juntos para salvar al reino de un capitán que quiere apoderarse de la corona. Este cortometraje, si bien aborda la historia original de forma somera para poder contarla en 25 minutos, se distingue por ser la primera producción de Disney Animation que acompañó el estreno de otro largometraje original, Bernardo y Bianca en Cangurolandia.

3. Los tres mosqueteros (2004)

Otro relato popular que ha sido adaptado incontables veces al cine y del que el ratón ha sido partícipe, es Los tres mosqueteros, de Alejandro Dumas. Y en este caso, no sólo él: también el Pato Donald y Goofy.

La película, con una animación colorida y duración completa de largometraje, presenta una versión libre del relato original, con el trío de personajes reclutados como guardaespaldas de la reina Minnie, a pesar de no ser idóneos para el trabajo. Aunque no tan fiel al texto de Dumas (¿quién es D’Artagnan aquí?), la película celebra la amistad del icónico trío de Mickey, Donald y Goofy.

4. Mickey Mouse: El árbol de Navidad de Pluto (1952)

Mickey y compañía han sido protagonistas de varios relatos navideños (incluyendo Una Navidad con Mickey, que lamentablemente no está en Disney+). Sin embargo, uno de los más breves, tiernos y divertidos es éste, donde comparte créditos con su mejor amigo y dos personajes sorpresa.

El árbol de Navidad sigue al ratón y su leal perro en busca de su decoración para las fiestas, pero sin saberlo, talan y llevan a casa un pino en el que viven las ardillas Chip y Dale, quienes aprovechan la ocasión para hacer algunos estragos con los adornos.

5. Mickey y las habichuelas mágicas (1947)

Otra de las mejores adaptaciones de Disney de un relato clásico con Mickey Mouse, se basa en Jack y las habichuelas mágicas, tradicional cuento de hadas inglés. En Mickey y las habichuelas mágicas, el ratón ocupa el lugar de Jack, y emprende una aventura con Donald y Goofy para subir una enredadera gigante hacia el cielo para recuperar un harpa dorada robada por un gigante.

Este corto, que ha persistido en la cultura de internet por las escenas de Mickey, Donald y Goofy como granjeros pobres, fue lanzado como parte de una compilación con otro corto, Bongo. En Disney+, la encuentras como Bongo, diversión y fantasía.

6. Mickey Mouse: Es hora de viajar (2013)

Si eres fan de Mickey Mouse, Es hora de viajar (Get a Horse) será un deleite para ti, pues homenajea la evolución del ratón y sus amigos a lo largo de décadas de historia de la animación, y de un modo que haría sentir orgulloso a Buster Keaton (la influencia de Sherlock Jr. es clarísima).

En esta aventura, Mickey debe salvar a Minnie en una aventura que mezcla realidades y estilos de animación. La historia comienza como si fuera uno de los cortos antiguos de Disney, pero cuando Mickey es arrojado fuera de la pantalla, se convierte en un ser tridimensional que deberá interactuar con la película para lograr su cometido.

7. Fantasía (1940)

No podemos hablar de Mickey Mouse—ni de los grandes hitos en la historia de Disney, en realidad—sin mencionar la antología musical Fantasía, que fue una de las exploraciones más ambiciosas de las posibilidades de la animación por parte del estudio (no han hecho algo similar desde entonces).

Y la imagen de Mickey, ataviado en túnica roja con un gorro azul, es una de las más icónicas en su larga trayectoria. El ratón protagoniza el segmento “El aprendiz de brujo”, que originalmente fue concebido como un cortometraje para recuperar la popularidad de Mickey, que había decaído en los años previos. Adaptado del poema de Goethe y con la composición sinfónica de Dukas, el segmento sigue a Mickey intentando controlar los poderes de su maestro, el brujo Yen Sid.

8. Mickey Mouse (2013-2019)

Muchas de las producciones mencionadas hasta este punto son del pasado distante de Mickey, ¿pero qué ha sido de él en años recientes? Mickey Mouse es una serie de cortometrajes con cinco temporadas para conocer su nuevo rostro.

Con un estilo de animación fresco y actual, pero con influencias de sus orígenes, estos cortos son una actualización de Mickey y sus amigos para nuestros tiempos, en aventuras divertidas con elementos contemporáneos. Esta nueva visión para Mickey ha continuado con producciones subsecuentes bajo el título de El maravilloso mundo de Mickey Mouse como, por ejemplo, este cortometraje que homenajea sus orígenes en Barco de vapor Willie.

9. Mickey Mouse: Construyendo un edificio (1933)

Si no te gusta lo nuevo de Mickey y quieres volver a sus raíces, puedes checar los siguientes dos cortometrajes, de su era clásica.

En Construyendo un edificio, Mickey tiene una cita con Minnie en una zona de construcción, pero Pete constantemente intenta raptarla. Salvarla implicará toda clase de travesuras con comedia física en la tradición chaplinesca, facilitadas por vigas, grúas y cuerdas en la construcción.

10. Mickey Mouse: El travieso Pluto (1934)

El travieso Pluto es otro corto clásico de Mickey que exhibe la dinámica con su mejor amigo, el perro Pluto. Y si bien no se trata del debut del canino (ese honor corresponde a La banda encadenada), este otro no sólo es uno de sus más emblemáticos, sino que lo es por ser perfectamente identificable para todo el que tenga o haya tenido un perro en casa.

Lo es porque la premisa se resume, esencialmente, a Mickley intentando hacer la limpieza del jardín y de su casa, tarea imposibilitada por las constantes chistosadas del perro, quien termina tragándose una lámpara y pegándose en papel adhesivo para moscas. La escena de dicho papel fue un hito para la animación de personajes, pues se considera una de las primeras en las que un personaje parecía tener su propio criterio.

Como una de las sagas de ciencia ficción fundamentales de la literatura, Duna (Dune) de Frank Herbert ha tenido una influencia monumental en el cine y la televisión—en franquicias como Star Wars, por ejemplo—. Es sólo recientemente que, bajo la dirección de Denis Villeneuve, el primer libro ha logrado ser adaptado con éxito a la pantalla grande.

Sin embargo, dicha adaptación está lejos de ser el primer intento de llevar la épica visión de Herbert al audiovisual. Con varios títulos en cine y televisión, puede ser confuso aproximarse a la franquicia por primera vez, pero si es tu caso, has llegado al lugar correcto. A continuación te explicamos cómo se conectan todas las películas y series de Duna, y cuál es el mejor orden para verlas.

¿Cuál es el mejor orden para ver la saga Duna?

Antes de comenzar, vale la pena comprender lo siguiente: durante décadas, han existido varios intentos por adaptar la novela Duna y sus secuelas al cine y la televisión, y no todas comparten una continuidad. Sin embargo, su iteración más reciente sí lo hace, y es conformada por Duna de Denis Villeneuve, sus dos secuelas directas cinematográficas, y una precuela de televisión titulada Duna: La profecía (Dune: Prophecy).

Si quieres ver la actual saga en orden cronológico, tendrías que comenzar con Duna: La profecía, que se sitúa unos 10 mil años antes de las películas. Después tendrías que ver las películas de Denis Villeneuve, que formarán una trilogía a ser concluida en 2026 con Duna: Parte tres, que adapta la novela El mesías de Dune.

Sin embargo, por varios motivos, consideramos que el orden más satisfactorio es comenzar con las películas y, posteriormente, ver la serie. A continuación te explicamos por qué:

1. Duna (2021)

Al igual que la novela original, la primera parte de Duna de Denis Villeneuve es la mejor introducción posible a este mundo por su focalización narrativa, que nos sitúa en los zapatos del joven protagonista, Paul Atreides (Timothée Chalamet). A través de él, la película nos presenta todos los conceptos necesarios: la organización del Imperium, el rol de las Bene Gesserit, la rivalidad entre las casas Atreides y Harkonnen, el planeta Arrakis, sus pobladores (los Fremen), su codiciada especia y las relaciones de poder político, económico, religioso y militar que inclinan la balanza de un lado al otro.

Su único “pero” es que, al ser la primera de una adaptación en dos partes, puede sentirse incompleta por sí sola, así como un tanto desequilibrada en la proporción de drama e intriga política contra la espectacular acción. Sin embargo, es esencial para todo fan de la ciencia ficción, pues desde aquí se ve su lugar en la genealogía del género, como abuela de propuestas tan variadas como Star Wars o Avatar, por citar sólo un par.

2. Duna: Parte dos (2024)

Si su predecesora se enfoca en colocar las piezas en el tablero de ajedrez, Duna: Parte dos es la explosión del conflicto galáctico que ve a Paul Atreides ascender desde la posición de exiliado político a profeta de los Fremen y, eventualmente, su caída de gracia como emperador tiránico.

De las dos entregas es la más espectacular, con batallas de una escala tan espectacular como emotiva en proporciones que no se veían desde El señor de los anillos: El retorno del rey, y que consolidan a Villeneuve como autor de las épicas sci-fi cinematográficas más exquisitas luego de lo logrado con Blade Runner 2049. Dicho lo anterior, no se te ocurra comenzar por aquí, pues esta segunda parte da por descontado que has visto la primera, y no reintroduce las complejas dinámicas de poder y política vistas en su predecesora.

3. Duna: La profecía (2024-actualidad)

Con una segunda temporada ya confirmada, Duna: La profecía es una precuela situada 10 mil años antes de los eventos en las películas, más enfocada en las Bene Gesserit, una orden exclusivamente femenina cuyas integrantes poseen poderosas habilidades físicas y mentales que las hacen una de las más formidables fuerzas políticas, religiosas y sociales del Imperium.

Aunque cronológicamente se sitúa mucho antes que las películas, no es necesario que veas esta serie antes para entenderlas. Puedes entrar a ella como complemento de las mismas, aunque su narrativa se sostiene por sí sola. Lo que sí es que, si llegas a la serie esperando la misma espectacularidad de las películas de Villeneuve, podrías salir decepcionado. Se trata de una historia más enfocada en personajes y sus intrigas, en un tenor más cercano a producciones como Game of Thrones o, si buscas algo también en el terreno de la ciencia ficción, la serie Fundación (Foundation).

Otras adaptaciones de Dune

Como mencionamos anteriormente, ha habido varios intentos de adaptar la novela de Frank Herbert al cine o la televisión, algunos más exitosos que otros. Uno que nunca llegó a concretarse, por ejemplo, fue en los años 70 cuando Alejandro Jodorowsky (El topo) intentó echar a volar una producción que duraría unas 10 horas. El documental Jodorowsky’s Dune recoge la historia de este singular intento que nunca pasó de la preproducción.

La primera adaptación que se concretó fue la de David Lynch, Dunas, de 1984. Sin embargo, limitaciones técnicas, así como la insistencia del productor Dino De Laurentiis por mantener el metraje cerca de las dos horas, resultaron en una adaptación poco satisfactoria, y a la que el propio Lynch se refirió como uno de sus momentos más tristes. Sin embargo, esta sería su primera colaboración con el actor Kyle MacLachlan, que tendría muchos frutos en producciones como Terciopelo azul o la icónica serie Twin Peaks.

Años más tarde vendrían dos adaptaciones televisivas, que no comparten continuidad con la película de Lynch, pero sí lo hacen entre sí:

1. Dune, la leyenda (2000)

Dune, la leyenda (Frank Herbert’s Dune) fue la primera adaptación televisiva, una miniserie que constó de tres episodios para llevar a la pantalla la primera novela. Hubo algunas libertades creativas, por ejemplo, que esta versión de Paul Atreides (Alec Newman) es un joven adulto. También se expandió considerablemente el rol de la princesa Irulan (Julie Cox), tomando en cuenta su papel tan importante en historias posteriores.

Eso sí, hay que tomar en cuenta que fue una producción para el canal SyFy y estrenada en el año 2000. Es decir: a pesar de que en su tiempo fue nominada a los Emmy (e incluso ganó dos, por fotografía y por efectos visuales), ya se le notan los años. Pero si puedes hacer caso omiso de eso, encontrarás una de las adaptaciones más interesantes que hay del trabajo de Herbert.

2. Hijos de Dune (2003)

La miniserie Hijos de Dune (Children of Dune) es continuación directa de la otra miniserie, con el regreso de varios de los actores de la primera para retomar, en tres episodios, la historia de las dos novelas siguientes: El mesías de Dune e Hijos de Dune. Actores muy reconocidos como Susan Sarandon y un joven James McAvoy participaron, respectivamente, como la princesa Wensicia y Leto II Atreides.

La serie fue igual de bien recibida, con varias nominaciones al Emmy y una estatuilla por efectos visuales. Sin embargo, ante el desafío de adaptar dos novelas en tres episodios, la trama tuvo que sintetizar mucho de la compleja narrativa de Herbert. Aunque visualmente espectacular, si eres un ávido seguidor de las novelas podría parecerte una serie un tanto escueta.

Durante meses, el actor Nathan Fillion estuvo anticipando un regreso de la serie de culto Firefly. Pero en un panel durante Awesome Con, lo han hecho oficial: luego de más de 20 años de espera, la saga tendrá un revival en forma animada, con una producción del estudio ShadowMachine (Un planeta extraño).

Este western espacial es una de esas series que, a pesar de su corta vida, atrajeron una fiel base de seguidores que ahora celebran su próximo regreso. Sin embargo, el historial de su transmisión televisiva original puede hacer confuso aproximarse a ella. Por ello, a continuación te explicaremos todo lo que necesitas saber sobre Firefly (y su secuela, la película Serenity), así como el orden correcto para verla, y que así estés al corriente en tan solo cinco días.

Primero, ¿qué es Firefly y por qué fue cancelada?

Firefly es una serie de western espacial, creada por Joss Whedon, que se sitúa en el año 2157, luego de que la humanidad ha llegado a un nuevo sistema solar. La trama sigue las aventuras de la tripulación de una nave de carga, la Serenity, muchos de los cuales pelearon en el lado perdedor de una guerra civil, y que ahora viven en los márgenes de la cultura pionera en el nuevo sistema planetario.

La serie sólo tuvo una temporada para la cual se produjeron 14 episodios, pero sólo 11 fueron transmitidos por la cadena Fox a finales de 2002, antes de su cancelación. Buena parte de su fracaso se debe al caos detrás de cámaras: Whedon produjo un piloto de dos horas, titulado “Serenity”, para introducir a la mayoría de los personajes y sus líneas argumentales.

Sin embargo, ejecutivos de la cadena no lo consideraron apto como piloto, por lo que apresuraron el desarrollo de un nuevo episodio inicial, “Asalto al tren” (y “Serenity” pasaría a ser transmitido como el 11ª episodio de la serie). Para complicar más las cosas, Fox transmitió tres de los episodios fuera de orden cronológico. Al hacer la trama tan difícil de seguir, la cadena había condenado a la serie al fracaso, y fue cancelada antes de poder transmitir los últimos tres episodios.

No obstante, en este corto periodo de tiempo, la serie desarrolló una sólida base de fans que la convirtieron en un fenómeno de ventas en DVD. Este éxito postergado condujo a Universal Pictures y a Joss Whedon a desarrollar la película secuela, Serenity, para dar un cierre digno a la historia.

El orden correcto para ver (y leer) Firefly

A pesar del caos que fue su transmisión original, la edición de la serie DVD fue supervisada por el propio Joss Whedon. Por lo tanto, si sigues el orden del DVD, podrás seguir la historia en el orden correcto.

Ten en cuenta que, después de la cancelación de la serie, la franquicia se expandió hacia los cómics, así que también te explicaremos en qué momento debes leer cada uno.

El orden correcto para ver los episodios de Firefly y la película, Serenity, es el siguiente:

• “Serenity” (el piloto)

• “Asalto al tren” (“The Train Job”)

• “Acorralados” (“Bushwhacked”)

• “El baile” (“Shindig”)

• “A salvo” (“Safe”)

• “La señora Reynolds” (“Our Mrs. Reynolds”)

• “La ciudad de Jayne” (“Jaynestown”)

• “Sin combustible” (“Out of Gas”)

• “Ariel”

• “Historias de guerra” (“War Stories”)

• “Basura” (“Trash”)

• “El mensaje” (“The Message”)

• “Corazón de oro” (“Heart of Gold”)

• “Objetos en el espacio” (“Objects in Space”)

• Serenity (película)

Respecto a los cómics, debes saber que no son esenciales para entender y disfrutar la historia de Firefly en su totalidad, sino que funcionan como un complemento para expandirla.

Las miniseries de cómics Serenity: Those Left Behind y Serenity: Better Days, así como las novelas gráficas Serenity: The Shepherd's Tale, Serenity: Downtime and The Other Half y Serenity: Float Out; se sitúan entre el final de la serie y el comienzo de la película.

Por otro lado, hay dos series de cómics más, que se sitúan después de la película. Se trata de Serenity: Leaves on the Wind y de Serenity: No Power in the 'Verse, en dicho orden.

La mejor forma de ver todo Firefly en cinco días

Cualquier maratón de series es demandante, incluso si es una serie “corta” de 14 episodios como Firefly.

Si quieres entrar a este mundo sin agotarse—o simplemente ya no estás en edad de un atracón televisivo—, aquí te mostramos una forma de hacerlo a lo largo de cinco días, con una distribución que mantiene un ritmo emocionante y el máximo nivel de intriga.

Día 1

• “Serenity” (el piloto)

• “Asalto al tren” (“The Train Job”)

• “Acorralados” (“Bushwhacked”)

Como el piloto dura el doble de lo normal (dos horas), esta es una de las sesiones que más tiempo te va a requerir, puesto que se trata de la introducción de toda la tripulación de Malcolm "Mal" Reynolds (Nathan Fillion). También conocerás todo el trasfondo de este universo futurista: la guerra civil de Unificación, la Alianza, los Reavers, el Valle de Serenity, y las historias personales de cada uno de los miembros del elenco.

También podrás entender un poco por qué Fox decidió transmitir los episodios en el orden que lo hizo. “Asalto al tren” es un episodio espectacular, aunque sin duda funciona mejor después de tomarse el tiempo de conocer a todos en el piloto.

Día 2

• “El baile” (“Shindig”)

• “A salvo” (“Safe”)

• “La señora Reynolds” (“Our Mrs. Reynolds”)

• “La ciudad de Jayne” (“Jaynestown”)

Es en este bloque que la serie comienza a tomar un ritmo más uniforme, al tiempo que demostró su singular mezcla de géneros de manera funcional, sin desentonar entre uno y otro. Además, es aquí donde encontramos uno de los episodios más divertidos de la serie, lo que sirve como un respiro para lo que viene después.

Día 3

• “Sin combustible” (“Out of Gas”)

• “Ariel”

• “Historias de guerra” (“War Stories”)

A medio camino te encontrarás con el que los fans consideran uno de los mejores episodios de toda la serie, y que cuenta con varios flashbacks, por lo que algunos incluso eligen verlo al principio—aunque nosotros no lo recomendamos—.

Día 4

• “Basura” (“Trash”)

• “El mensaje” (“The Message”)

• “Corazón de oro” (“Heart of Gold”)

• “Objetos en el espacio” (“Objects in Space”)

En la recta final de la serie encontramos los episodios que Fox no transmitió durante la emisión original de Firefly en 2002, por lo que para quienes no la siguieron con el DVD, se trata de un bloque desconocido de la historia.

Día 5

• Serenity (película)

Antes de saltar al desenlace, te recomendamos dejar pasar un día o dos para darte un respiro, pues al ser una película, Serenity tiene un ritmo muy diferente. Además, dado que algo había que hacer para poder estrenarla como una película con una narrativa contenida por derecho propio—y no un episodio final de serie lanzado en cines—, vuelve a introducir muchos elementos de la narrativa, pensando en espectadores nuevos.

Sin embargo, la trama de la película condensa mucho en un par de horas, por lo que sentirás que suceden bastantes cosas en poco tiempo. En general, es un desenlace digno para la trama, aunque la razón por la que tantos fans clamaron por una continuación durante dos décadas, es porque quedan algunos hilos narrativos abiertos. Lamentablemente, no parece que el revival vaya a hacer mucho al respecto.

¿Qué sabemos sobre el revival de Firefly?

Hasta el momento, no mucho. Sin embargo, está confirmado que será una serie de animación, producida por el estudio ShadowMachine en colaboración con la productora de Nathan Fillion, Collission33, y 20th Television Animation. Aunque Joss Whedon no participará activamente en el proyecto, Fillion confirmó que le ha dado su bendición.

Lo que sí sabemos es que no será una continuación propiamente dicha, sino una “intercuela”. La serie animada de Firefly se situará entre la serie original y la película Serenity. Está por verse si la historia será totalmente nueva o si expandirá lo ya visto en los cómics y novelas gráficas.

Una de las cuestiones con los Premios de la Academia es que ya existe toda una narrativa de especulaciones sobre las películas ganadoras que, cada año, se extiende más y más. Es decir: apenas pasó la edición de 2026—con todo y sus sorpresas y omisiones—pero ya estamos especulando sobre lo que podría venir para el Oscar 2027.

Claro que una predicción total a estas alturas es un despropósito, pues mucho puede cambiar en un año. Sin embargo hay algunas cosas que podemos anticipar si miramos a las ediciones pasadas del premio, pues se asoman varias tendencias. Estas son nuestras predicciones de las películas que podrían competir por el Oscar 2027.

Duna: Parte tres (2026)

La adaptación del primer libro en la saga de Duna de Frank Herbert fue realizada en dos partes, ambas dirigidas por Denis Villeneuve y ambas nominadas al Oscar, en diversos rubros. La primera fue nominada a 10 premios y cosechó 6, mientras que la segunda ganó dos estatuillas sobre cinco nominaciones.

No sólo Villeneuve es uno de los grandes nombres de la actualidad en Hollywood, sino que se Duna: Parte tres (que adapta El mesías de Dune) es uno de los blockbusters más anticipados de Hollywood, se estrenará en medio de la carrera hacia el Oscar, y cuenta con uno de los elencos más prestigiosos de cualquier producción este año—si tan solo Timothée Chalamet pudiera dejar de ponerse el pie por un segundo—. Como una de las magnas producciones de 2026, no dudamos verla en el camino al Oscar 2027.

La odisea (2026)

A La odisea, los argumentos le sobran para ser uno de los pesos pesados rumbo al Oscar 2027. Las épicas de capa y espada son, en sí mismas, el tipo de películas que ya llaman la atención de la Academia y sus votantes. Pero más importante aún, es que se trata de la película con la que Christopher Nolan seguirá a la joya de su corona, Oppenheimer.

No sólo eso, hasta podríamos verla nominada en categorías actorales. El elenco, liderado por Matt Damon, cuenta con nombres pesados como Anne Hathaway, Charlize Theron, Lupita Nyong’o y Zendaya (quien también está en Duna: Parte tres). Lo que es casi garantía es que dominará en las categorías técnicas, por lo menos.

El día de la revelación (2026)

Hay que tomar esta predicción con un poco de reservas, pues el cine de género—terror y ciencia ficción, sobre todo—no es exactamente lo que más reconoce y premia la Academia. Pero estamos hablando del consagrado Steven Spielberg, a final de cuentas. Dudamos que por mucho que el factor sci-fi le juegue en contra, El día de la revelación (Disclosure Day) pase desapercibida como candidata al Oscar 2027.

Además, habrá argumentos fuertes en el plano actoral, también. Dos de sus protagonistas, Josh O’Connor y Emily Blunt, han desplegado carreras extraordinarias en el último puñado de años y ambos, sobre todo Blunt, merecen ya reconocimiento en los Oscar. No nos extrañaría verlos en las carreras de Mejor actor y Mejor actriz.

Toy Story 5 (2026)

La saga de Toy Story de Pixar está de regreso con una quinta entrega que quizá no muchos pidieron, pero igual está garantizado que llamará la atención tanto en la taquilla como en las votaciones por el Oscar el próximo año.

Y vamos, su calidad cinematográfica está por verse, pero incluso con sus exponentes menos poderosos, Pixar siempre ha logrado colarse en la carrera por el premio. No dudamos que Toy Story 5 sea una de las candidatas al Oscar 2027 como Mejor largometraje de animación. Eso si Hoppers no tiene nada que decir al respecto.

Amarga Navidad (2026)

Incluso si no tuvo suerte con su última película, La habitación de al lado, el español Pedro Almodóvar ha sido uno de los favoritos para el Premio de la Academia casi cada vez que asoma su cabeza, generalmente en la categoría que hoy llamamos Mejor película internacional.

El cineasta manchego ya prepara el estreno de un nuevo drama, Amarga Navidad, sobre una mujer abandonada por su pareja en plena Navidad, que además le hará regresar de sus últimas colaboraciones hollywoodenses a un elenco totalmente español, encabezado por Belén Riquelme, Aitana Sánchez-Gijón y Bárbara Lennie. Pinta bien como una apuesta temprana al Oscar 2027, si los próximos festivales internacionales no tienen nada más que opinar al respecto.

Digger (2026)

Si vamos a hablar de otros favoritos del Oscar en la última década, no podemos dejar fuera al cineasta mexicano Alejandro González Iñárritu. No es particularmente un favorito de quien escribe, pero su porcentaje de éxito en la premiación es indiscutible: cuatro premios al hilo (dos de Mejor película y dos de Mejor dirección), por Birdman y El renacido, no son poca cosa.

Aún no está muy claro de qué tratará Digger, pero su as bajo la manga, sin duda, será Tom Cruise en lo que parece uno de sus papeles más fascinantes post-Misión: Imposible, quizá el más interesante que haya hecho desde Magnolia. Y ese tipo de reinvenciones siempre llaman la atención, así que no dudamos algún tipo de nominación al Oscar 2027 para esta película.

The Social Reckoning (2026)

En su año, Red social (The Social Network), dirigida por David Fincher y coescrita por Aaron Sorkin, fue uno de los grandes éxitos del Oscar—precisamente Sorkin obtuvo el premio al Mejor guión—. Y en los años siguientes, con los sucesos alrededor de Meta (antes Facebook), su popularidad no ha hecho más que crecer. Aunque el historial de Sorkin como director ha sido más irregular, no dudamos que pueda colarse en la carrera del Oscar 2027 The Social Reckoning, una suerte de secuela coescrita por Sorkin que aborda los escándalos más recientes de la tecnológica.

Además, el elenco tiene poder: Mikey Madison, ganadora del Oscar a Mejor actriz por Anora (Mejor película en 2025), interpretará a Frances Haugen, la denunciante que expuso varios trapos sucios de Meta al periodista Jeff Horwitz (Jeremy Allen White, de El oso). El elenco lo completan Jeremy Strong (Succession) como Mark Zuckerberg, además de Wunmi Mosaku, reciente nominada como Mejor actriz de reparto por Pecadores.

Godzilla Minus Zero (2026)

La de Godzilla Minus One es una de las grandes historias de éxito y disrupción más impactantes y recientes del Oscar. Es la “pequeña película que lo logró”, una producción cuyo presupuesto se estimaba en 15 millones de dólares y que se impuso con el Oscar a Mejores efectos visuales, por encima de producciones exponencialmente más costosas.

Aún no se determina cuál será el costo final de la secuela, Godzilla Minus Zero, pero se sabe que será superior. Si la primera parte logró tal impacto con sus reducidos medios, no podemos esperar a ver lo que hará esta segunda.

Michael (2026)

Ya la sola mención de Michael Jackson es suficiente para generar expectación. No por nada, la biopic Michael, dirigida por Antoine Fuqua y protagonizada por el propio sobrino de la estrella, Jaafar Jackson, es una de las producciones más esperadas del año.

Y vamos, el proyecto tiene toda la pinta de ser otra de esas biografías que idealizan o hasta blanquean la vida, obra y legado de sus sujetos, en una vena muy similar a Bohemian Rhapsody. Pero si algo demostró esta última, a pesar de su cuestionable calidad, es que eso es lo de menos. No nos extrañaría ver a Jaafar Jackson en la carrera e incluso a la producción entre las 10 nominadas a Mejor película, aunque todavía falta mucho año para ver si será viable.

1949 (2026)

Una apuesta arriesgada en nuestras predicciones para el Oscar 2027 a estas alturas del año, en especial si consideramos lo poco que se sabe del proyecto. Sin embargo, es el director polaco Paweł Pawlikowski de quien estamos hablando. Con Ida, hizo historia al conseguir el primer Oscar a Mejor película internacional de Polonia. Con Guerra Fría, aspiró al mismo premio en 2019.

Con 1949, de hecho, regresará a ese mismo período, con una historia centrada en el escritor alemán exiliado, Thomas Mann (Hanns Zischler, Munich), narrando también la lucha de su familia contra los nazis. El elenco cuenta, además, con Sandra Hüller (Anatomía de una caída) y August Diehl (Una vida oculta), así que trae el respaldo suficiente para destacar, por lo menos, en la temporada de premios.

Aunque la agresividad predominante de los tiburones es un rasgo de su personalidad ue ha sido desmentido por varias fuentes (incluyendo documentales como Jugando con tiburones, Valerie Taylor), lo cierto es que, para bien y para mal, estos animales se han convertido en una representación efectiva del miedo humano a lo desconocido, sobre todo en uno de los entornos más misteriosos—y peligrosos—de nuestro planeta: el mar y sus profundidades.

A tal grado que este tipo de historias han sido explotadas, a veces, hasta el cansancio y el hastío: no todas las películas de tiburones asesinos han sido cortadas con la misma tijera, pero sí que las hay muy buenas, originales y hasta divertidas. Aquí seleccionamos 10 para ti y te decimos cómo verlas.

1. Tiburón (1975)

No estaríamos hablando sobre películas de tiburones asesinos si no fuera por la más importante de todas, la que ha sido determinante tanto para la historia de los blockbusters cinematográficos como para la percepción popular de los escualos a partir del cine, para bien y para mal.

Puesto que Tiburón (Jaws) es, sencillamente, una gran película de terror y aventuras, que ha capturado tanto la sensación de asombro del temprano cine spielbergiano (similar a lo que Encuentros cercanos del tercer tipo llevó al terreno de la ciencia ficción). Y además, aunque si bien fue una necesidad de la producción, sentó la máxima que tantas otras de sus herederas fallan en hacer: mantener el misterio y la tensión al sugerir la presencia y violencia del animal, más que mostrarla frontalmente.

2. Megalodón (2018)

Algunos podrían afirmar que Megalodón (The Meg) es solo “Tiburón, pero más grande” (tanto en sentido literal como figurado), y no estarían equivocados. En una época donde las cosas tienen que ser siempre “más” (más grandes, más espectaculares, más violentas) para sorprender al público de los blockbusters, esta película apuesta precisamente a eso y a ser un escaparate para Jason Statham… y con tanto gusto como ironía.

Lo bueno es que el resultado es absurdamente divertido, encontrando humor en la exagerada seriedad de nuestro héroe ante un maratón de estupidez humana a su alrededor, con el escualo titular provocando sensacionales estragos a su alrededor. Es más vistosa que virtuosa, pero brinda casi dos horas de pura diversión. Mucho más de lo que puede presumir su tibia secuela.

3. Sharknado (2013)

“Buena” no siempre quiere decir solemne o realista. Para este caso, quiere decir abrazar de lleno su propuesta, por estúpida y ridícula que sea, y ejecutarla con tanto interés para el público como coherencia con su premisa. Así que sí: vamos a incluir la película de tornados con tiburones voladores en este listado.

Sharknado es una genialidad del cine B que abraza al tiburón como cliché del cine de terror y lo lleva hasta su extremo más absurdo, con maravillosos resultados sólo aptos para quienes quieren su entretenimiento “realista”. La película engendró una franquicia, donde cada entrega subsecuente crecientemente delirante (en sentido contrario de sus dividendos), incluyendo elementos como viajes en el tiempo y una alocada mitología, pero siempre con tormentas de escualos alrededor.

4. Animales peligrosos (2025)

Un thriller de terror en el que los tiburones no son exactamente antagonistas, sino tanto instrumento preferido del verdadero villano (un asesino serial interpretado por Jai Courtney) como alegoría de sus motivaciones y actitudes hacia las jóvenes mujeres, sus víctimas predilectas.

Animales peligrosos (Dangerous Animals) sigue a una joven surfista (Hassie Harrison) secuestrada para ser arrojada al mar como alimento de los escualos, hecho que ha de ser grabado para videos snuff. Es un tenso thriller con más en común con El juego del miedo (Saw) de lo que podría pensarse, aunque nunca lleva su violencia a tales extremos, optando por la reflexión sobre la misoginia internalizada.

5. En las profundidades del Sena (2024)

Un giro europeo y tonalmente mucho más serio que la mayoría de las propuestas en esta lista. En las profundidades del Sena (Sous la Seine) es un thriller francés sobre una bióloga marina (Bérénice Bejo) que, años después de un encuentro traumático con un tiburón, debe superar sus miedos cuando el animal reaparece en el Sena, horas antes del comienzo de un triatlón en París que verá a los atletas meterse al agua sin conocer la amenaza.

Es una película de tiburones asesinos muy diferente, que tiene tanto que ver con la tensión por cazar al escualo y poner a los atletas a salvo, que con el drama interno de los personajes, que lidian con la pérdida y el estrés postraumático (a lo Río místico).

6. Miedo profundo (2016)

Hablando de traumas y pérdidas, otra gran película sobre tiburones asesinos que aborda el tema, es Miedo profundo (The Shallows), protagonizada por Blake Lively. La trama sigue a una joven que busca consuelo en las olas luego de perder a su madre, pero al lastimarse, queda varada en una roca a varios metros de la orilla, con un tiburón rondando en la cercanía.

Es una alegoría un tanto obvia sobre superar el luto, pero está bien ejecutada gracias a una actuación convincente de Lively y a la dirección de Jaume Collet-Serra, eficiente cineasta responsable por tensas propuestas de terror como La huérfana y de suspenso como Non-Stop: Sin escalas.

7. Terror en el río (2024)

Una película de tiburones asesinos australiana que resulta interesante por situar la acción en un contexto novedoso: los años 40. En Terror en el río (Fear Below), es 1946 y un grupo de buzos desesperados por trabajo son contratados para una tarea peculiar: localizar un auto hundido y extraer sus contenidos. En el proceso, son asediados por un agresivo tiburón, al tiempo que se dan cuenta de que lo que deben extraer es oro robado, y que sus empleadores en la superficie son un grupo de despiadados criminales.

Aunque menos conocida que otras películas en esta lista, esta es tensa e interesante porque, al final, su premisa se construye sobre protagonistas con los que podemos simpatizar, que buscan escapar de una situación donde ninguna decisión es buena.

8. Carnada (2024)

Una de las películas más recientes en esta lista que, si bien no aporta mucho de nuevo, sí es una de las mejor ejecutadas. Carnada (Something in the Water) sigue a un grupo de amigas durante un viaje de despedida de soltera en un idílico destino costero, pero que se convierte en una pesadilla cuando (¡sorpresa¡) un tiburón las acecha cuando están incomunicadas en el agua.

Es, en cierto sentido, una versión para la generación centennial de Mar abierto (Open Water), otro clásico un tanto inverosímil del cine de tiburones asesinos. Sin embargo, el subtexto sobre relaciones sentimentales disfuncionales le da un giro que no vemos en otras propuestas similares.

9. Terror a 47 metros (2017)

Aunque no es una película que brille por sus diálogos—o por la lógica de sus personajes—, es innegable que la premisa de Terror a 47 metros (47 Meters Down) le otorga algo que pocas películas de tiburones asesinos: una tensión claustrofóbica asfixiante, casi en sentido literal.

La trama sigue a dos hermanas que, de vacaciones en México, deciden nadar en una jaula de avistamiento de tiburones, pero las cosas salen previsiblemente mal: están solas, no pueden volver a la superficie y se les acaba el oxígeno. Deben ingeniárselas para volver al bote antes de que se acabe el oxígeno… sin ser devoradas. Tiene una secuela que tampoco logra alcanzar grandes alturas, pero si te gustan las películas sobre seres humanos en situaciones precarias contra animales más fuertes (como Infierno en la tormenta), esta será la historia de tiburones para ti.

10. Un deseo mortal (2018)

De nuevo, nuestro criterio para lo que es “bueno” se estira para incluir la ejecución coherente y comprometida hasta de las premisas más absurdas, y si creías que Sharknado era una locura, es porque no has visto Un deseo mortal (con el delicioso título original de Santa Jaws).

Mitad película navideña cutre (para darle un giro terrorífico a las festividades), mitad película de tiburones asesinos, 100% ridiculez, la película trata sobre un joven dibujante que, hastiado de las fiestas con sus familiares, dibuja un tiburón con gorro de Santa Claus, sin saber que el bolígrafo que le regalaron cambia la realidad. El dibujo se manifiesta en el mundo real y comienza una maravillosa racha asesina (para nosotros en este lado de la pantalla, queremos decir).

Aunque sus orígenes están en Japón, la más reciente exportación de Godzilla a los Estados Unidos ha dado lugar a una de las franquicias más exitosas del cine hollywoodense reciente: el Monsterverse. Esta saga, que también ha integrado a una nueva versión de King Kong, narra los esfuerzos de la humanidad por lidiar con la aparición de monstruos gigantes (o kaijū) conocidos dentro de la narrativa como Titanes, que luchan en devastadores conflictos.

La franquicia se ha expandido con secuelas, crossovers e incluso una serie de televisión en Apple TV+, con lo que la narrativa se ha vuelto más compleja, con diversos saltos en el tiempo que abarcan varias épocas. Para que no te pierdas, aquí te explicamos por dónde comenzar y cuál es el mejor orden para ver el Monsterverse. Que ojo, dados los numerosos flashbacks, lo mejor no necesariamente es el orden cronológico exacto.

Lo que debes saber antes de empezar

Por lo general, y siguiendo la tradición de la encarnación japonesa y tradicional de Godzilla, las películas del Monsterverse no siempre siguen a los mismos personajes humanos, con elencos que cambian entre una y otra. En muchos casos, las historias ni siquiera son realmente sobre ellos, con los humanos funcionando más como un sustituto de la audiencia para la catástrofe que vemos en pantalla.

Verás, sin embargo, a un puñado de actores aparecer en diversas capacidades en más de una entrega, como Ken Watanabe, Millie Bobby Brown (de Stranger Things) o Rebecca Hall. No obstante, hay algunos otros personajes que son interpretados a través de diversas épocas por diferentes actores, y cuyas influencias en la trama son notables.

Particularmente, verás que Leland “Lee” Shaw es interpretado en el pasado por Wyatt Russell (Thunderbolts*) y en el futuro por su padre, Kurt Russell (La cosa del otro mundo). Mientras tanto, William Randa es interpretado en su versión más joven por Anders Holm (Champions) y por John Goodman (El gran Lebowski) como veterano. Otros personajes, como Keiko Miura (Mari Yamamoto de Familia en renta) interpretan al mismo personaje en épocas muy distintas por cuestiones de relatividad temporal (decir más sería un spoiler, pero lo entenderás cuando lo veas).

1. Kong: La Isla Calavera (2017)

La primera entrega cronológica del Monsterverse es esta reinvención de King Kong, para situar al monstruo dentro de la narrativa con una historia enmarcada por la Guerra de Vietnam. Kong: La Isla Calavera (Kong: Skull Island) comienza en 1973, cuando William Randa (John Goodman) convence al gobierno de financiar una expedición a la Isla Calavera, reclutando a un grupo de veteranos soldados (Samuel L. Jackson y Tom Hiddleston) y a una fotoperiodista (Brie Larson) a su causa.

Esta película brinda un giro más bélico—y caótico—al tradicional relato de King Kong, con una versión considerablemente más grande del monstruo y un mayor enfoque en vincular esta historia con lo que ya se había construido del Monsterverse hasta este punto—particularmente, con Monarch como nexo—. Dada su ubicación en la cronología y las revelaciones que suceden tanto en ésta como en otras entregas de la saga, comenzamos comenzar por aquí.

2. La Isla Calavera (2023)

La serie de animación La Isla Calavera (Skull Island) se sitúa en 1993, y sigue a un grupo de náufragos que terminan varados en el hogar de Kong, durante una expedición para rescatar a una chica que se ha perdido en la misma.

Esta serie tiene un tono más de aventuras, y es la que comparte menos personajes o hilos narrativos con el resto de la saga, fuera de la aparición del propio Kong y de otra fauna común de la isla. Sin embargo, la serie presenta la idea—recurrente en la franquicia—de que algunos Titanes pueden socializar con los humanos, por lo que funciona como un divertido paréntesis, si bien no es estrictamente necesario ver esta serie.

3. Godzilla (2014)

Godzilla es la película inaugural del Monsterverse, concebida como una adaptación más fiel a la encarnación japonesa del monstruo (luego de la polarizante y nada fidedigna versión de 1998).

La trama desarrolla el misterio alrededor de lo que parecen monstruos gigantes a lo largo de varias décadas, con flashbacks a 1954—un guiño al debut del propio Godzilla—y 1999, para situar la trama principal en 2014. Aquí seguimos a un marine (Aaron Taylor-Johnson) cuya familia ha sido marcada por una devastadora tragedia. Cuando se revela la verdad de los desastres, intenta volver con su esposa (Elizabeth Olsen) a San Francisco, ciudad atrapada en el fuego cruzado entre Godzilla y dos criaturas bautizadas como MUTOs—un evento que, dentro de la narrativa, será conocido como el “Día G”—.

4. Monarch: Legado de monstruos (2023-actualidad)

La segunda serie del Monsterverse es la más importante de las dos, y no sólo es la que más expande la mitología de la franquicia, sino que brinda los personajes humanos más interesantes que verás en ella. Es importante señalar, sin embargo, que Monarch: Legado de monstruos (Monarch: Legacy of Monsters) sigue dos líneas temporales: una que comienza en el pasado, en la década de 1950, y otra que comienza inmediatamente después del Día G, en 2014. Por ello, aunque podría pensarse que es mejor verla primero, lo mejor es hacerlo después de ambas Kong: La Isla Calavera y Godzilla, para tener el contexto necesario de las dos narrativas sin caer en spoilers antes de tiempo.

En 2014, la historia comienza con Cate Randa (Anna Sawai, de Shōgun), quien se reúne en San Francisco con su distanciado padre, Hiroshi Randa (Takehiro Hira) luego del Día G, sólo para verlo partir sin explicación y más tarde descubrir no sólo sus vínculos con la organización Monarch y los Titanes, sino que también tenía otra familia en Japón—de lo que también se desprende una exploración de las identidades japonesas y estadounidenses, algo muy apto para Godzilla—. En 1952, vemos el comienzo de Monarch cuando Lee Shaw (Wyatt Russell) es asignado como escolta de la científica Keiko Miura (Mari Yamamoto) en Filipinas, donde conocen a Bill Randa (Anders Holm), quien anda tras la pista de una criatura misteriosa.

5. Godzilla II: El rey de los monstruos (2019)

Ya con todos los antecedentes del Día G y de la organización Monarch, podemos entrar de lleno al festín de monstruos gigantes, pues esta secuela toma a los personajes humanos como pretexto para enfocarse en los Titanes y sentar las bases para el esperado encuentro entre Godzilla y Kong.

Godzilla II: El rey de los monstruos (Godzilla: King of the Monsters) sucede cinco años después del Dia G y sigue los esfuerzos de los criptozoólogos de Monarch para lidiar no sólo con el poder de Godzilla, sino con las apariciones cada vez más frecuentes de Titanes cuya existencia podría amenazar la continuidad de la civilización humana. La película marca el debut hollywoodense de varios monstruos clásicos de Toho, como Mothra, Rodan y King Ghidorah, ofreciendo la versión más espectacular en existencia de los enfrentamientos entre estos seres, ya muy lejos de los días en que eran interpretados por hombres en botargas pisoteando miniaturas.

6. Godzilla vs. Kong (2021)

Este no es, técnicamente, el primer encuentro entre los dos monstruos gigantes más famosos del cine (esa distinción corresponde a la película japonesa King Kong contra Godzilla de 1963). Sin embargo, en la continuidad del Monsterverse, se trata de un enfrentamiento en apariencia inevitable, pero motivado por un siniestro complot cinco años después de la lucha entre Godzilla y King Ghidorah.

Con sus dos protagonistas, la película sigue dos tramas diferentes, pero la más interesante es la de Kong, quien ha formado un vínculo con una joven huérfana (Kaylee Hottle) y la científica a cargo de estudiarlo (Rebecca Hall). Ellas y otros personajes unen fuerzas para rastrear el verdadero origen de Kong en un sitio conocido como la Tierra Hueca, en preparación a su enfrentamiento con el Rey de los Monstruos en la superficie.

7. Godzilla y Kong: El nuevo imperio (2024)

Godzilla y Kong: El nuevo imperio (Godzilla x Kong) es el punto en el que la saga del Monsterverse abraza sus aspectos más absurdos y los multiplica por 10, con los personajes humanos alrededor para ofrecer diálogo expositivo y poco más.

Tres años después, Godzilla es la criatura más poderosa en coexistencia con la humanidad, mientras la Tierra Hueca parece ofrecer respuestas sobre el origen de Kong. Sin embargo, la humanidad debe ingeniárselas para que el par unan fuerzas contra dos nuevas amenazas, una arriba y otra abajo. Haz caso omiso de los personajes humanos: todo el punto son las luchas entre Titanes, que ahora han implementado hasta gravedad cero. Es la Rápidos y furiosos de esta franquicia.

8. Godzilla x Kong: Supernova (2027)

Esperada para inicios de 2027, Godzilla x Kong: Supernova continuará la alianza incómoda entre los dos titanes para combatir a una amenaza cataclísmica.

El único actor que volverá de la película anterior será Dan Stevens, con un elenco de caras prácticamente nuevas a la franquicia. Tampoco existe una sinopsis, pero los créditos de adaptación del guión revelan que, al menos en parte, la película se basará en Godzilla vs. SpaceGodzilla, un poderoso kaijū del espacio exterior.

Con su primer tráiler, Spider-Man: Un nuevo día (Spider-Man: Brand New Day) ha despertado toda clase de teorías sobre lo que será el nuevo inicio de Peter Parker (Tom Holland) dentro del Universo Cinematográfico de Marvel (UCM).

Sin embargo, una de las preguntas más punzantes tiene que ver con la mutación que Peter parece estar atravesando durante la película. Hay quienes ya tienen sus especulaciones al respecto, pero… ¿y si no fuera lo que creemos? ¿Y si, en realidad, tuviera que ver con el simbionte Venom? Esta teoría puede sonar descabellada, pero a continuación te explicaremos varios motivos por los que no lo es tanto.

El hilo narrativo quedó pendiente desde Spider-Man: Sin camino a casa

La trama multiversal de Spider-Man: Sin camino a casa no sólo fue un pretexto para que se cruzaran los caminos de todos los Hombres Araña del cine (Holland, Tobey Maguire y Andrew Garfield), sino que también marcó la irrupción de otros rincones del multiverso en la continuidad principal del UCM (conocida como Tierra 616). Por ejemplo, el hoy difunto Universo Spider-Man de Sony, en el que se sitúan títulos como la saga de Venom, con Tom Hardy.

De hecho, ya en la escena post-créditos de la segunda entrega, podíamos ver que Eddie Brock (Hardy) y su simbionte eran arrancados de su realidad y arrojados a la Tierra 616. La escena prometía algún encuentro entre el trepamuros y su némesis, pero esos sueños fueron truncados cuando, en la escena post-créditos de Sin camino a casa, el hechizo de Doctor Strange (Benedict Cumberbatch) mandó a Brock de regreso a su mundo… pero no sin antes dejar un fragmento del simbionte en esta realidad.

Ese hilo narrativo, sin embargo, quedó irresuelto. En realidad, era un intento frustrado por parte de Sony Pictures para enfrentar a Spidey con los villanos de su creciente franquicia. Recordemos que Adrian Toomes/El Buitre (Michael Keaton), de Spider-Man: De regreso a casa, también tenía un cameo en la infame Morbius para anticipar el enfrentamiento del arácnido con su galería de villanos. Esto nunca llegó a suceder, y el fragmento del simbionte Venom quedó abandonado en la Tierra 616 sin propósito alguno. Sonaría lógico que se retomara esta subtrama para explicar la mutación de Peter.

Un nuevo día trae a Peter en su “dark era”

En varias ocasiones a lo largo de su extensa historia con él en los cómics, Spider-Man ha recurrido al simbionte alienígena en momentos de vulnerabilidad o de extrema necesidad—algo que ya hemos visto también en el cine con El hombre araña 3, conclusión de la trilogía de Sam Raimi—.

Precisamente al inicio de Un nuevo día, Peter está atravesando una etapa difícil: luego de ser olvidado por todas y cada una de las personas que lo conocían al final de Sin camino a casa, está completamente solo. Han pasado cuatro años desde que tuvo que sacrificar sus relaciones más importantes para salvar el multiverso, incluida su novia, MJ (Zendaya), y su mejor amigo, Ned (Jacob Batalon).

No sólo eso, sino que ha tenido que hacer carrera de justiciero callejero por su cuenta, sin ayuda de mentores o de tecnología avanzada. Es uno de los momentos más bajos y solitarios para el Spidey de Holland, por lo que estaría especialmente vulnerable a la influencia del simbionte Venom.

Los cambios físicos de Peter

El primer tráiler de Un nuevo día brinda varios vistazos a las transformaciones físicas que está atravesando Peter Parker.

Luego de verlo pálido, sudoroso y luego desmayarse por lo que parece un caso serio de intoxicación, vemos a Peter despertar dentro de un capullo de telarañas que, luego aprendemos, parecen haber sido segregadas por su propio cuerpo, y no por sus disparadores, una habilidad que, en los cómics, desarrolló al unirse con el simbionte. En un breve momento de la escena, su mano incluso parece ser negra—aunque podría ser la iluminación—.

Poco después, Peter se salva de caer lanzando una de sus telarañas orgánicas y, aunque no vemos su mano, parece estar en la misma posición con la que Venom dispara las suyas: con el puño cerrado, desde la parte anterior de la muñeca.

Antes de acudir con Banner, vemos lo que parece una resonancia magnética de Peter, con su cuerpo invadido por lo que luce como una materia negra. Y segundos más tarde, Spidey parece estar más sensible de lo normal a sonidos tan sutiles como el goteo de un grifo de agua. ¿Un indicador de que sus sentidos se están agudizando y refinando aún más por la influencia del simbionte alienígena?

¿Y esos ojos?

El clímax del tráiler muestra uno de sus momentos más impactantes, y uno que podría acentuar la teoría de Venom. Enfrentándose a un grupo de ninjas de La Mano en una prisión, los ojos de Peter se vuelven repentinamente negros. Si eso no dice “simbionte”, no sabemos qué más lo haga.

Sin embargo, incluso la disposición de nuestro héroe parece cambiar, al volverse un poco más agresivo, como también sucede en El hombre araña 3.

¿Algo de esto confirma la presencia de Venom en Un nuevo día? Para nada. No obstante, dada la poca evidencia con la que contamos y contrastada con el historial de Spidey y el simbionte en los cómics, no suena del todo descabellado, ¿no te parece?

Puede que el primer tráiler de Spider-Man: Un nuevo día (Spider-Man: Brand New Day) no haya dado muchas respuestas sobre qué, exactamente, estará enfrentando Peter Parker (Tom Holland) en su nueva aventura dentro del Universo Cinematográfico de Marvel (UCM). Sin embargo, sí ha levantado toda clase de teorías y preguntas, y una en particular ha llamado la atención: ¿qué es la mutación que está atravesando Peter, por la que pide ayuda a Bruce Banner (Mark Ruffalo)?

Los fans más conocedores de los cómics ya se han hecho una idea, y declaran que podríamos estar a punto de ver el debut de Man-Spider en el UCM. Y no, no es sólo un juego de palabras. A continuación, te explicamos de qué va la transformación de Peter en Un nuevo día, y su origen en los cómics.

Cuatro años después, Peter empieza de nuevo

Es importante recordar que Peter comienza Un nuevo día en un momento personal muy vulnerable y distinto al de las películas anteriores. La trama de la nueva película se sitúa cuatro años después de Spider-Man: Sin camino a casa, cuya batalla multiversal concluyó con nuestro héroe sacrificándose por el bien común. Para evitar el colapso del multiverso, pide al Doctor Strange (Benedict Cumberbatch) que haga un hechizo para que todos—incluidos su novia MJ (Zendaya) y mejor amigo, Ned (Jacob Batalon)—olviden su identidad.

Es un cambio radical para Peter, que además ya había perdido a su principal mentor, Tony Stark (Robert Downey Jr.) al final de Avengers: Endgame. Ahora vemos al trepamuros en su punto más vulnerable: sin la asistencia de la tecnología Stark, sin mentores, sin amigos ni familia, pero dedicado a proteger Nueva York como justiciero anónimo. Y lo ha hecho durante cuatro años, sin atreverse a revelar su identidad a MJ y Ned, que parecen llevar vidas felices sin él (han pasado cuatro años, amigo, quizá sea hora de superarlo…).

Aunque el tráiler no establece una relación causal, esta enorme presión psicológica parece estar vinculada a algo más perturbador: una inestabilidad en su ADN que está provocando una mutación.

¿Qué nos dice el tráiler de Spider-Man: Un nuevo día sobre la mutación de Peter?

Aunque el tráiler, obviamente, no revela todos los detalles sobre la transformación de Peter Parker, sí arroja varias pistas. Para comenzar, vemos al trepamuros despertar un día dentro de un capullo de sus propias telarañas. Y no nos referimos a las que fabrica él mismo para sus disparadores, sino a telarañas orgánicas, segregadas desde sus muñecas. Tal cual como el primer Spider-Man del cine, el de Tobey Maguire y Sam Raimi.

Esto sugiere que nuestro Hombre Araña se está convirtiendo en más Araña que Hombre, algo que parece sugerir su breve interacción con Bruce Banner. Éste, un experto en mutaciones por experiencia propia, le dice que esta inestabilidad en su ADN podría resultar peligrosa.

El asunto se complica por una narración en off hacia el desenlace del tráiler, cuya voz no se esclarece a quién pertenece, pero se cree que podría ser Keith David, quien está en el elenco en un rol por confirmar; o Marvin Jones III, quien ya está confirmado como Tombstone. La voz habla sobre el proceso evolutivo de las arañas, y sugiere que Peter, siendo un mutante con ADN de arácnido, estaría por alcanzar la madurez y la etapa final de su mutación. Narrativamente, dado el proceso que atraviesa Peter, pasando de adolescente a la joven adultez, se trata de un paralelo interesante.

Finalmente, en una de las escenas climáticas del avance, Peter se enfrenta a ninjas de La Mano dentro de una prisión. Por un breve momento, vemos sus ojos tornarse totalmente negros, lo que sugiere una transformación más radical que sólo un mal caso de acné.

Con estos guiños, muchos fans han llegado a la conclusión de que Man-Spider hará su debut en el UCM.

¿Qué o quién es Man-Spider?

El juego de palabras en el nombre del personaje no es de a gratis: habla de que la identidad del personaje es más como una araña con rasgos humanoides, que un humano con habilidades de araña, como es Spider-Man convencionalmente.

A través de incontables cómics, series de animación y videojuegos, el nombre de Man-Spider ha pertenecido a diversos personajes híbridos de humano y araña, e incluso a diferentes grados de transformación del propio Peter Parker. Sin embargo, en su encarnación más popular, Man-Spider es, esencialmente, Peter Parker mutado en un monstruo más araña feral que un ser humano racional. Comúnmente, Peter desarrolla más ojos y colmillos, dos pares extra de brazos (para completar ocho extremidades), telarañas orgánicas e incluso la habilidad de escupir ácido.

La primera aparición de Man-Spider en los cómics fue en un evento crossover, Marvel Fanfare #2 de 1982, donde es mutado forzosamente por Brainchild a una forma más “primitiva”. Sin embargo, el personaje se popularizó a raíz de un episodio de la serie animada Spider-Man de 1994, donde incluso tiene un enfrentamiento con Frank Castle/ Punisher, quien en Un nuevo día será interpretado por Jon Bernthal.

¿Esto significa que Peter se convertirá en Man-Spider durante Un nuevo día? No necesariamente, pero las pistas están ahí. Sabremos la respuesta con el estreno el 30 de julio de 2026.

El primer tráiler de Spider-Man: Un nuevo día (Spider-Man: Brand New Day) ha sido un deleite para los fans de Marvel: se trata de un festín de cameos y referencias a cómics clásicos. Por lo mismo, sería normal que te encuentres algo perdido si no eres un conocedor de las historietas o del Universo Cinematográfico de Marvel (UCM).

El tráiler nos dejó con varias preguntas, pero si la tuya es quiénes son todos estos tipos, aquí te tenemos cubierto. A continuación, te explicamos quiénes son los personajes nuevos y conocidos que regresan a Un nuevo día (y qué han estado haciendo).

Peter Parker/Spider-Man

No sería una película de Spider-Man sin el personaje titular, ¿no? Por más que Sony Pictures insista. Nuestro protagonista, Peter Parker (Tom Holland) se encuentra en un punto de borrón y cuenta nueva al comienzo de Un nuevo día, situado cuatro años después de la última vez que lo vimos.

Spider-Man: Sin camino a casa concluyó con Peter sometiéndose a un triste destino para poder evitar el colapso del multiverso: hacer que todos, incluyendo sus seres queridos, olviden por completo quién es él con un hechizo de Stephen Strange (Benedict Cumberbatch). Al comienzo de esta nueva historia, Peter está completamente solo, protegiendo a Nueva York desde el total anonimato como Spider-Man. Un rol cuya presión parece detonar en él una profunda transformación.

MJ y Ned Leeds

Desde su primera aventura en solitario dentro del UCM, Spider-Man: De regreso a casa ha tenido dos compañeros inseparables: su mejor amigo, Ned Leeds (Jacob Batalon) y Michelle Jones “MJ” (Zendaya), primero su rival en la escuela y luego su novia a partir de la secuela, Spider-Man: Lejos de casa.

Cuando se revela la identidad de Peter como Spider-Man en la última parte de la trilogía, el par también ve afectadas sus chances de entrar al MIT. El sacrificio de Peter les permite un borrón y cuenta nueva, aunque el costo es que viven sus vidas como si nunca se hubieran conocido. Los amigos logran entrar al MIT y, cuatro años más tarde, MJ incluso parece tener una nueva pareja. Está por verse si jugarán un rol mayor en la trama, o si sólo estarán ahí para ser la plataforma desde la que Peter saltará a su nueva etapa de vida.

Frank Castle/Punisher

Durante sus primeras aventuras en el UCM, Peter Parker se codeó con héroes al nivel de Los Vengadores, quienes enfrentan amenazas de escala global o incluso galáctica. Para su nueva etapa en Un nuevo día, lo veremos volver a sus raíces callejeras, por lo que cruzará caminos con justicieros como Frank Castle/Punisher, interpretado en el UCM por Jon Bernthal.

Es un contrapunto interesante para Peter, pues mientras él intenta ser noble y mantener el daño colateral al mínimo, Castle no tiene escrúpulos en la lucha contra el crimen. Con la integración retroactiva de The Punisher y las otras series de Netflix al canon del UCM, Castle ya tiene una larga carrera como justiciero en esta continuidad. Lo vimos por última vez huyendo del encarcelamiento a manos del alcalde Wilson Fisk (Vincent D’Onofrio), tras ayudar a Matt Murdock/Daredevil (Charlie Cox), al final de Daredevil: Born Again.

Bruce Banner/Hulk

Bruce Banner (Mark Ruffalo) ha sido uno de los rostros más prolíficos del UCM, con cameos en incontables producciones que ni siquiera llevan el nombre de su monstruoso álter ego, al que parece tener bajo control. Ahora, en Un nuevo día, parece estar dictando cátedra en Nueva York, conveniente para Peter en un momento de necesidad cuando comienza a sufrir sus mutaciones.

La última vez que lo vimos como Banner, con su “otro yo” bajo control, fue en la escena post-créditos de Shang-Chi y la Leyenda de los Diez anillos (también dirigida por Destin Daniel Cretton), donde él y otros Vengadores analizan la señal emitida por el arma del protagonista al espacio exterior. Como Hulk, pero bajo control, lo vimos aparecer en She-Hulk, para asesorar a su prima (Tatiana Maslany) cuando atraviesa su propia transformación.

Mac Gargan/Escorpión

La última aparición de este tipo fue hace tanto tiempo, casi una década, que quizá ni recuerdes que su ascenso como súper villano fue prometido desde Spider-Man: De regreso a casa. Mac Gargan (Michael Mando) ya había aparecido por entonces como uno de los secuaces de Adrien Toomes/El Buitre (Michael Keaton), como un matón con un tatuaje de escorpión. En la escena post-créditos, incluso cuestiona a Toomes sobre la verdadera identidad del trepamuros.

Claro que nada de eso importa ya, pues todos han olvidado a Peter. Sin embargo, la promesa de hace nueve años será cumplida, pues el tráiler nos presenta a Gargan completamente equipado con el exoesqueleto que le merece el nombre de El Escorpión, con todo y una larga cola mecánica para vapulear al trepamuros.

¿Quién es Tramell Tillman en Spider-Man: Un nuevo día?

Tramell Tillman, impecable como el Sr. Milchik en Severance, tiene un papel en Un nuevo día del que se conocen pocos detalles. Diversas bases de datos lo nombran como “Bill”. En el tráiler, lo vemos ataviado en un traje frente a un escritorio, discutiendo con Spidey sobre lidiar con amenazas que no pueden controlar, ni siquiera ver.

Diversas teorías afirman que será William Metzger (o “Bill”, en diminutivo), un personaje más asociado con los X-Men en los cómics, donde es conocido por esparcir propaganda anti-mutante en medios de comunicación. Dado lo que dice Tillman en el tráiler, podría ser que esta versión del personaje esté vinculada a Damage Control, la agencia gubernamental a cargo de supervisar y gestionar daños colaterales en conflictos de superhumanos. Sin embargo, si resulta ser Metzger, su relación con los X-Men podría delatar el rol tan celosamente guardado de otro miembro del elenco…

¿Quién es Sadie Sink en Spider-Man: Un nuevo día?

El secreto más celosamente guardado de esta producción es el rol que interpretará Sadie Sink, famosa por Stranger Things. El tráiler no la muestra, pero en la misma escena donde el personaje de Tillman habla sobre amenazas invisibles, vemos a un personaje de espaldas, además de lo que parecen ser personas controladas telepáticamente.

El atuendo de este personaje coincide con imágenes filtradas de Sink desde el set de rodaje. Dada la apariencia pelirroja de la actriz, su edad y algunos colores en su indumentaria—amarillo y azul, colores de los X-Men—, la teoría predominante es que interpretará a la mutante Jean Grey (argumento que se reforzaría si Tillman resulta ser William Metzger). Sin embargo, su atuendo también contiene verde, que en combinación con el amarillo y la melena pelirroja nos remiten a otra mutante y aliada popular de Spidey: Angelica Jones, alias Firestar, aunque sus poderes son distintos.

¿Quiénes son Tarántula y Boomerang?

El tráiler también presenta lo que parece ser parte de un breve montaje que resume la carrera de Peter como justiciero anónimo. En dos fugaces viñetas, que de hecho recrean portadas de cómics, lo vemos combatir a dos villanos menores: un hombre en disfraz negro con rojo en la cubierta de un barco, llamado Tarántula; y otro criminal con armadura blanca y negra que le arroja un búmeran, identificado como… Boomerang.

En los cómics, Tarántula es un rival latinoamericano de Spidey, llamado Anton Rodriguez, un hábil combatiente revolucionario del ficticio país sudamericano Delvadia, que abraza una vida de crimen al emigrar a Estados Unidos. Mientras tanto, la identidad de Boomerang en los cómics es Fred Myers, quien es equipado con su armadura y letales bumeranes por un sindicato criminal llamado el Imperio Secreto, y que también ha combatido a héroes como Iron Fist y Hulk.

¿Quiénes son los ninjas rojos en Spider-Man: Un nuevo día?

Si no estás al día con la mitología de Daredevil, ver a Spidey combatiendo ninjas te podría haber parecido una sorpresa un tanto loca. Sin embargo, con la integración retroactiva de Daredevil de Netflix al canon del UCM, la realidad es que ya tienen una larga carrera criminal en Nueva York—y el resto del mundo—.

Estos ninjas rojos son agentes de La Mano, una antigua organización criminal que manipula conflictos desde las sombras. Son, principalmente, rivales de Daredevil, pero sus operaciones en la Gran Manzana los llevan inevitablemente a chocar con Spidey. Su última aparición fue en el crossover The Defenders, donde su complot por conseguir la inmortalidad fue frustrado por la alianza de Matt Murdock, Jessica Jones (Krysten Ritter), Luke Cage (Mike Colter), Danny Rand/Iron Fist (Finn Jones) y Coleen Wing (Jessica Henwick).

El primer tráiler de Spider-Man: Un nuevo día (Spider-Man: Brand New Day) ha sido motivo de sensación, pero también de muchas preguntas y teorías. La nueva aventura de Peter Parker (Tom Holland) en el Universo Cinematográfico de Marvel (UCM) todavía no revela su mano respecto a la sinopsis, pero sí a varios de sus jugadores.

Si nos guiamos por el primer avance, podría ser la más cargada de personajes entre todas las películas de Spider-Man, particularmente villanos. El tráiler de Un nuevo día reveló a numerosos antagonistas—o aliados incómodos, por lo menos—para el trepamuros, algunos con papeles más grandes que otros, sin duda. Aquí te explicamos quiénes son los villanos revelados hasta el momento, y cuáles han sido insinuados.

Mac Gargan / Escorpión

Un antagonista de Spidey que había sido anticipado hace casi una década. Interpretado por Michael Mando, Mac Gargan ya había aparecido en Spider-Man: De regreso a casa como uno de los criminales aliados de Adrian Toomes / El Buitre (Michael Keaton), a quien cuestiona sobre la identidad real del trepamuros. Sin embargo, este hilo narrativo había quedado suelto hasta ahora.

En el tráiler de Un nuevo día, Gargan aparece ya en su faceta completa del Escorpión, atacando a Spidey con la cola de su poderoso exoesqueleto. Aún está por verse cuál es su pleito con el joven héroe o cómo se hizo del exoesqueleto. En los cómics, es contratado específicamente por James Jonah Jameson (J.K. Simmons en las películas) para someterse a un proceso experimental que le da superpoderes para perseguir a Spider-Man. Dudamos que vaya a ser el caso aquí, pero alguna vendetta personal debe tener para ir tras él con tantas ganas.

Los ninjas de La Mano

En el primer tráiler de Spider-Man: Un nuevo día presenta a un grupo de ninjas con atuendos rojos en algunas de sus escenas más espectaculares. Si no eres muy conocedor de los cómics o no has seguido la narrativa de Matt Murdock/Daredevil (Charlie Cox) en el UCM, quizá no tengas ni idea de quiénes son. Sin embargo, esta no sería su primera aparición en la franquicia.

Se trata de La Mano, una organización criminal constituida por ninjas que, si bien por lo general son rivales de Daredevil, tienen operaciones en Nueva York que también los ponen en las redes del trepamuros. La serie original de Daredevil ha sido integrada a la continuidad del UCM de manera retroactiva, lo cual quiere decir que, desde su segunda temporada, han estado causando estragos en la Gran Manzana. Su última aparición fue en The Defenders, en la que excavaron hasta antiguos túneles debajo de la ciudad como parte de un complot para conseguir la inmortalidad.

Tarántula y Boomerang

El tráiler de Un nuevo día también presenta un breve montaje de las aventuras de Spidey como justiciero callejero, combatiendo a varios criminales menores. En un par de momentos sumamente fugaces, aparecen dos viñetas que, además, están recreadas directamente de cómics clásicos.

En una vemos a Spider-Man combatiendo a un hombre con disfraz negro y rojo en la cubierta de un barco, mientras la policía interviene. Se trata de una recreación de la portada de The Amazing Spider-Man #134. Más adelante, en un parpadeo, lo vemos luchando con Boomerang, un criminal que, como sugiere su seudónimo, utiliza estas armas en combate. Aunque no es una recreación exacta, se inspira en la portada de The Amazing Spider-Man #345.

Parece que, en la película, estas imágenes serán parte de un montaje que resume la carrera de Peter como superhéroe anónimo, similar a lo que vemos en Los Cuatro Fantásticos: Primeros pasos.

Frank Castle / Punisher

Vamos, que la relación entre Frank Castle / Punisher (Jon Bernthal) y Spidey en el tráiler no parece ser del todo antagónica. Sin embargo, si algo nos ha dejado claro la serie del personaje en solitario—también integrada retroactivamente al UCM—, es que Castle, si bien es más un antihéroe que un villano, no es amigo de nadie.

No está claro si Castle tendrá sólo un cameo o un rol más amplio en la narrativa, pero dado que esta será una aventura más “callejera” de Peter, tiene sentido que crucen caminos, pues además brinda un contrapunto moral interesante. Mientras que el noble Peter busca mantener vidas y evitar daños colaterales, Punisher se distingue por ser implacable en cortar las plagas de raíz.

Tombstone

Aunque el villano Tombstone no aparece en el tráiler, ya está confirmado que será interpretado por Marvin “Krondon” Jones III quien, curiosamente, ya le había dado voz a la versión animada del personaje en Spider-Man: Un nuevo universo. Algunos fans han identificado la narración en off del avance, sobre las transformaciones de las arañas, como su voz, lo que podría sugerir que él tiene algo que ver con la mutación que está atravesando Peter.

En los cómics, Tombstone es un supervillano con albinismo, piel impenetrable y fuerza sobrehumana (algo similar a Luke Cage), que suele controlar el mundo criminal. Dado que esta vez veremos a Peter lidiar más de cerca con los bajos mundos criminales más propios de Daredevil, su presencia tiene sentido: Daredevil: Born Again explica que el ascenso de Wilson Fisk (Vincent D’Onofrio) de la mafia a la alcaldía deja un vacío de poder, y Tombstone podría ser quien lo llene.

¿Damage Control?

Tramell Tillman, ya icónico por su actuación en Severance, tiene un papel que aún no ha sido esclarecido en la película, y que sólo es llamado “Bill”. Algunos fans lo identifican como el análogo de William Metzger en el UCM, un personaje que, en los cómics, utiliza los medios de comunicación para difundir odio anti-mutante… cuestión que tendría mucho sentido en la narrativa de Un nuevo día, con las mutaciones de Peter, además de cierto personaje misterioso.

En el contexto del tráiler, parece que “Bill” será un ejecutivo de Damage Control, la agencia gubernamental que se encarga de reparar daño colateral de los conflictos de superhumanos. El personaje alude a una amenaza incontrolable e invisible, que es uno de los grandes misterios alrededor de la película.

La amenaza invisible: ¿el personaje de Sadie Sink?

El secretismo alrededor del papel que desempeñará la actriz de Stranger Things ha provocado toda clase de especulaciones. El tráiler no la muestra en pantalla, pero sí presenta un par de vistazos a las manos de una persona blanca en cautiverio, y luego a una figura de espaldas luego de que el personaje de Tillman alude a esta amenaza invisible, que parece apoderarse de las mentes de las personas a distancia.

Estos elementos, más el odio anti-mutante de Metzger en los cómics, reforzaría la teoría de que Sadie Sink está interpretando a una mutante, específicamente, a la telépata pelirroja Jean Grey. Dado que se espera el reboot de la saga de X-Men para la fase 7 del UCM, y que ya se ha introducido a alguno que otro mutante en esta continuidad, tendría sentido introducir ya a una de las estudiantes fundamentales de Charles Xavier (interpretada por Sophie Turner en su última iteración).

Hulk

Ya estaba confirmado, y el tráiler lo reafirma, que Mark Ruffalo reaparecería como Bruce Banner en Un nuevo día, ahora como un profesor dando cátedra en Nueva York. En la muñeca de Banner vemos un dispositivo que ya lo habíamos visto usar en la escena post-créditos de Shang-Chi y la Leyenda de los Diez Anillos (también dirigida por Destin Daniel Cretton) y que, presuntamente, lo ayuda a controlar su transformación.

Hasta el momento, nada sugiere que Spidey tendrá que enfrentar la pelea de su vida contra Hulk, cosa que sí ha sucedido recurrentemente en los cómics. Sin embargo, las teorías comenzaron a abundar desde que Brett Pawlak, fotógrafo de la película, compartió un tablero de inspiración para el look de Un nuevo día. ¿Y qué había en él? Artes de Spider-Man enfrentándose al Hulk salvaje. Habrá que esperar a ver…

Finalmente tenemos un vistazo más cercano a Spider-Man: Un nuevo día (Spider-Man: Brand New Day) gracias al primer tráiler. Ahora tenemos una idea del lugar en el que se encuentra Peter Parker (Tom Holland) para su nueva aventura en el Universo Cinematográfico de Marvel (UCM), luego de los eventos multiversales que transformaron su vida por completo.

Sin embargo, aunque el avance ofrece muchas emociones y una idea vaga de la trama, nos dejó con más preguntas que respuestas. Estas son las seis incógnitas más relevantes que nos quedaron después de ver el primer tráiler de Spider-Man: Un nuevo día.

1. ¿Contra qué estará peleando Peter?

La sinopsis oficial de la película, como suele ser con estas películas, no brinda muchos detalles. Sólo sabemos que, luego de los acontecimientos de Spider-Man: Sin camino a casa, el trepamuros se encarga de proteger Nueva York desde un solitario anonimato, sin siquiera ser recordado por su novia MJ (Zendaya) y su mejor amigo, Ned (Jacob Batalon).

Mientras que las películas anteriores de Spider-Man en el UCM tenían amenazas claras—el Buitre, Mysterio y villanos del multiverso—, aquí no sabemos a qué se enfrentará Peter más allá de una profunda transformación personal (más al respecto en breve). Y la cuestión se vuelve todavía más confusa si tomamos en consideración todos los villanos, antihéroes y aliados que aparecen en el tráiler. La aparición de Mark Ruffalo como Bruce Banner sugiere que Spidey quizá tenga que enfrentarse a Hulk en algún punto—algo que ha sucedido numerosas veces en los cómics—, pero no hay nada confirmado.

2. ¿Qué hace Spider-Man trabajando con Frank Castle?

Una de las glorias que nos dejó Daredevil: Born Again es la integración, de manera retroactiva, de series como Daredevil y The Punisher—originalmente de Netflix—a la continuidad del UCM. Y quien haya visto cualquiera de esas series sabe que tanto Matt Murdock (Charlie Cox) como Frank Castle (Jon Bernthal) operan con métodos y compases muy, pero muy diferentes a los del noble e inocente Peter Parker.

Lo cual nos hace levantar más la ceja al ver las interacciones de Spidey y Punisher en el tráiler, pues el trepamuros se dirige a él, tal cual, como Frank. Lo cual nos indica que sus caminos se han cruzado antes. Lo bueno es que Peter hace un esfuerzo notable por mantener los cuestionables métodos de Castle a raya, al grado de incluso cerrarle la boca para que no diga groserías. Es una película familiar, después de todo.

3. ¿Qué hace La Mano en Nueva York?

Si no eres un profundo conocedor de los cómics o no has visto la primera serie de Daredevil, te podrá haber extrañado una de las imágenes climáticas del tráiler: la de Spider-Man lanzándose al ataque contra un grupo de ninjas ataviados en rojo. Se trata de agentes de La Mano, una organización de las sombras que, por lo general, es rival del Hombre sin Miedo, aunque sus operaciones en Nueva York suelen colocarlos también en conflicto con el trepamuros.

Sin embargo, con la integración de Daredevil a la continuidad oficial del UCM, Un nuevo día no sería su primera aparición en la saga. Ni siquiera la segunda. En la segunda temporada de dicha serie, además del crossover Defenders, estos ninjas están detrás de una conspiración para obtener la inmortalidad, llevándose a Nueva York entre las patas. Dado el tamaño de sus planes en apariciones pasadas, lo que Peter enfrentará en esta ocasión no debe ser nada bueno.

4. ¿En qué se está transformando Peter?

Uno de los puntos claves mostrados en el tráiler, y sugeridos por la sinopsis, es que la presión de ser un héroe anónimo está conduciendo a Peter hacia una transformación física radical. En el avance, lo vemos caer de un capullo de telaraña e incluso crear sus propias redes de forma orgánica (como el Spider-Man original del cine, el de Sam Raimi), sin sus disparadores. El propio Bruce Banner habla de una peligrosa mutación de ADN.

Peter Parker ha sido sujeto de diversas mutaciones en los cómics, algunas graciosas y otras escalofriantes. Muchos ya tienen la teoría de que se está convirtiendo en Man-Spider, que no es más que la forma final de la mutación arácnida de Peter: una criatura salvaje que desarrolla ocho ojos, otros cuatro brazos y dispara ácido por la boca. Esencialmente una araña gigante que deja en vergüenza a la mosca de Seth Brundle.

5. ¿A quién interpreta Sadie Sink?

La pregunta del millón desde que la actriz de Stranger Things se unió al elenco de Un nuevo día, y que el primer tráiler se rehusó a responder. Dada la edad y características físicas de Sadie Sink han abundado toda clase de teorías, pero el avance sólo nos deja con una figura encapuchada—y de espaldas—que podría ser o no ser ella.

Sin embargo, el secretismo alrededor de su casting a estas alturas sólo acentúa las teorías más arriesgadas. Algunos, por su cabellera pelirroja, han pensado que podría ser la otra MJ, Mary Jane Watson. Pero dada la temática de mutaciones que parece introducir la película, se fortalece la otra gran teoría: que Sink será Jean Grey, otra famosa pelirroja de Marvel y una de las mutantes más importantes de los X-Men (interpretada por Sophie Turner en su última iteración). Dada que la introducción formal del equipo al UCM está cada vez más cerca, ya no suena tan descabellado.

6. ¿Cuándo lo superará Peter?

En el primer tráiler de Spider-Man: Un nuevo día, vemos a Peter rondando a las dos personas más importantes de su vieja vida: su exnovia, MJ, y su antiguo mejor amigo, Ned, quienes lo han olvidado por completo tras el hechizo de Stephen Strange (Benedict Cumberbatch) para poder cerrar la brecha entre multiversos.

Esta es la cuestión: la sinopsis oficial confirma que han pasado cuatro años desde eso, y Peter sigue rondando sus vidas. Parecería que ya era tiempo suficiente para superarlo o, en el peor de los casos, conocerlos de nuevo y comenzar con ellos desde cero. Parece que el tiempo lo cura todo, excepto si eres Peter Parker aferrado en grado de acosador. Pero cada quién lidia con los duelos a su ritmo, suponemos…

La sola mención del director Peter Jackson basta para hacernos pensar en las películas de El señor de los anillos. Y no es para menos: con su trilogía, el neozelandés creó una saga de clásicos cinematográficos que ya está siendo disfrutada a través de diferentes generaciones.

Sin embargo, su adaptación de la Tierra Media de Tolkien a veces eclipsa el resto de su trabajo, al grado de que muchos ignoran una filmografía tan multifacética que incluso ha pasado por el cine de terror y el documental. Su carrera está por cerrar un círculo, pues el Festival de Cannes, donde debutó su ópera prima, le otorgará la Palma de Oro honorífica en 2026. Un pretexto perfecto para revisar sus mejores películas que no sean El señor de los anillos.

Jamás llegarán a viejos (2018)

En la etapa posterior de su carrera, Peter Jackson se ha enfocado en el cine documental, pero sin perder de vista un aspecto fundamental de su trayectoria: utilizar la tecnología para enriquecer la narrativa cinematográfica. Comisionado por la BBC y el Museo Imperial de la Guerra, él y su equipo en WingNut Films emprendieron la enorme misión de realizar lo que se convertiría en el grandioso documental Jamás llegarán a viejos (They Shall Not Grow Old).

Se trata de un trabajo de reconstrucción documental inmenso, que requirió la revisión y restauración de cientos de horas de imágenes de soldados británicos en la Primera Guerra Mundial, utilizando tecnología de punta no sólo para restaurar, sino también para colorear e incluso identificar palabras enunciadas en el metraje silente, para luego realizar el doblaje. Jackson pretendía “atravesar la neblina del tiempo” para acercar al público a las vivencias de los soldados en la guerra, y con ello, logró no sólo una de las producciones definitivas sobre el conflicto, sino también una de las más humanas.

Criaturas celestiales (1994)

En este punto tan temprano de su carrera, Peter Jackson era más conocido por sus propuestas de terror, que hoy son consideradas clásicos de culto (y en breve hablaremos de ella). Pero la realidad es que, incluso a la fecha, el género sigue siendo objeto de cierto desdén tanto de ciertos sectores del público como de la industria cinematográfica. Fue Criaturas celestiales (Heavenly Creatures) la que lo puso bajo los reflectores de un público mundial más amplio, incluso llegando a ser nominada al Oscar por Mejor guión original.

La película se basa, esencialmente, en el caso Parker–Hulme, en el que dos amigas adolescentes perpetraron el asesinato de la madre de una de ellas, y que sacudió a Nueva Zelanda. Aunque el fundamento es un drama biográfico de época, la película tiene florituras que Jackson preservó de sus días en el cine de terror, mezclando elementos de comedia ácida y horror psicológico, además de fantasía. No sólo eso, esta película disparó las carreras de dos actrices formidables: Kate Winslet (Titanic) y Melanie Lynskey (Yellowjackets).

The Beatles: Get Back (2021)

Puede que estemos haciendo algo de trampa, pues The Beatles: Get Back fue finalmente presentada como una miniserie documental de tres episodios, y no podía ser de otra forma dada su desafiante duración de casi ocho horas en total. Sin embargo, el proyecto originalmente fue anunciado como una película, e incluso Sir Paul McCartney lo describe como un “filme”. ¿Quiénes somos nosotros para contradecirlo?

Este monumental documental es el resultado de la revisión de unas sesenta horas de metraje inédito, filmado durante la preparación y grabación del álbum final de la banda, Let it Be, y que daría lugar al documental homónimo. Get Back es, en esencia, un documental sobre un documental, que no sólo complementa al original, sino que brinda una mirada más cercana a los días previos a la disolución de The Beatles, desmontando varios mitos comunes sobre lo que era la relación de John, Paul, George y Ringo al final.

Muertos vivos (1992)

Peter Jackson en la cumbre de sus poderes como director de splatter. Muertos vivos (Dead Alive en Estados Unidos, Braindead en Nueva Zelanda) es una demencial comedia de terror sobre un hombre (Timothy Balme) que se enamora en un momento muy inconveniente, pues su demandante madre (Elizabeth Moody), con quien vive, ha sido mordida por un mono-rata sumatrano de Isla Calavera (sí, la misma de King Kong), desatando una epidemia zombi en su vecindario.

El absurdo y los chorros de sangre y vísceras crecen con cada minuto, en una genialidad de la comedia que deja en vergüenza a propuestas más actuales como Tierra de zombies o El desesperar de los muertos. A la fecha, se le considera una de las películas más sangrientas jamás realizadas, y no lo ponemos en duda ni por un segundo. Si te gusta este tipo de humor, las risas también vienen por galones.

King Kong (2005)

Luego del tremendo éxito de El señor de los anillos, Jackson se convirtió en uno de los directores más demandados de Hollywood para realizar proyectos con fuertes bases en los efectos especiales digitales. Luego de un intento fallido por echar a volar un remake de King Kong con Universal Pictures en los 90, finalmente pudieron coincidir para consolidarlo.

King Kong de 2005 pretende ser una expansión y perfeccionamiento de la original. Los efectos por computadora y la captura de movimiento—con Andy Serkis, antes Gollum, aquí en el rol Kong—permitieron recrear la historia de la original de 1933 con mayor espectacularidad, más monstruos, e incluso recrear y agregar escenas eliminadas de la primera versión. Algunos argumentarán que es un tanto excesiva, y lo es. Pero es una buena película, y uno de los mejores acercamientos a este monstruo clásico sin depender del MonsterVerse.

Mal gusto (1987)

El largometraje debut de Peter Jackson, que comenzó su brillante trayectoria al ser exhibido en el mercado cinematográfico del Festival de Cannes. Mal gusto (Bad Taste) demuestra todas las cualidades de una película de culto que alcanzó el éxito con un bajo presupuesto: Jackson la dirigió y escribió, pero también la fotografió, editó, supervisó el maquillaje y los efectos especiales, además de realizar un cameo en ella. Cine independiente en su máxima expresión.

Se trata de otra delirante comedia de terror sobre un pueblo ficticio en Nueva Zelanda que está en alerta por constantes desapariciones entre sus habitantes. Un grupo de cuatro paramilitares, un tanto torpes, descubren que el pueblo ha sido infiltrado por alienígenas que buscan cosechar humanos como materia prima para su franquicia de hamburguesas intergalácticas. Humor absurdo y asquerosidades suceden a partir de esta premisa, con un estilo que podrás reconocer incluso en las películas más “serias” de Jackson, incluyendo El señor de los anillos.

El mundo de los Feebles (1989)

Una apuesta polémica para hablar de “las mejores películas de Peter Jackson”, pero es una cuestión de gustos que no nos pondremos a desmenuzar aquí. Porque El mundo de los Feebles (Meet the Feebles) es, en esencia, una película de Los Muppets filtradas por South Park… antes de que existiera South Park.

La trama sigue a una tropa de artistas que buscan el éxito con un show de televisión, mientras se enfrentan a vicios como las drogas, la mafia y la adicción al sexo, entre otros asuntos crecientemente grotescos. Realizada entre Mal gusto y Muertos vivos, pero mucho menos recordada que ambas, es un trabajo de Jackson que divide por soez y violento, pero para otros es una brillante sátira del mundo del espectáculo.

Los Premios de la Academia honran, cada año, a lo mejor del cine—principalmente hollywoodense, aunque también de otras partes del mundo—en diversos rubros, desde técnicos como la fotografía y la edición, hasta los intérpretes delante de la cámara. Precisamente, dada su visibilidad y estatus como celebridades, son los actores y actrices quienes suelen estar bajo el reflector para la mayor parte del público.

Y como suele ser en estas ceremonias, esto a veces puede ser para bien—como ser uno de los ganadores—o para mal en el caso de las polémicas. Seleccionamos a cinco actores y actrices de quienes todos estamos hablando tras el Oscar 2026.

1. Timothée Chalamet

“Que Marty Supremo no ganara nada es lo más Marty Supremo que pudo haber sucedido”, manifestaron varios internautas, y no podrían tener más razón. La película de Josh Safdie tenía pocas posibilidades de estatuilla en una competencia tan reñida, pero sí tenía un chance muy real: Mejor actor, para Timothée Chalamet. Y, en retrospectiva, parece que el actor se encargó activamente de ser su propio peor enemigo durante su campaña.

Chalamet adoptó una altanería similar a la de su personaje en la película, estrategia que no sólo parece haber sido no muy bien recibida por los votantes, sino que se le volvió en contra cuando, a poco tiempo de cerrar votaciones, resurgió y se viralizó una desafortunada entrevista donde se burla de artes como el ballet y la ópera. Al final, no sólo se le fue la estatuilla una vez más, sino que “Timmy” fue objeto de varias memorables burlas a lo largo de la ceremonia. Muy Marty Supremo, sin duda.

2. Jessie Buckley

Fue una temporada impecable para Jessie Buckley, que barrió con todas premiaciones y amarró su Oscar a Mejor actriz desde meses atrás por Hamnet.

Se trata de la coronación de una trayectoria relativamente breve respecto a otras de sus congéneres, pero que ha sido impecable desde que debutó con Secretos oscuros (Beast) hace menos de una década, con un notable papel tras otro en títulos como Wild Rose y La hija oscura. Buckley es una de esas actrices que emociona ver en cada uno de sus proyectos y su más reciente, ¡La novia!, confirma la regla incluso si la respuesta a la propia película ha sido dividida.

3. Tânia Maria

Una de las grandes historias de éxito del Oscar 2026 es de una actriz que ni siquiera estuvo nominada. Vaya, ni siquiera era actriz hace cosa de 10 años, y su único crédito antes de 2025 era como una extra en Bacurau. Pero si viste El agente secreto, sabes exactamente de quién estamos hablando.

Se trata de Tânia Maria, quien era costurera hasta que debutó como actriz a los 72 años bajo la dirección de Kleber Mendonça Filho, quien quedó tan encantado con ella que escribió el rol de Dona Sebastiana específicamente para ella. Y estarás de acuerdo en que robó cada una de sus escenas. Hoy es tal sensación en Brasil que ha protagonizado una decena de comerciales, aparecido en portadas de revistas, y ya tiene proyectos nuevos en camino. Próximamente la veremos como Dona Rita en Yellow Cake, de Tiago Melo.

4. Michael B. Jordan

Las carreras de Mejor actor y Mejor actriz suelen ser bastantes cerradas, méritos aparte, pero incluso si pudo ganarla por derecho propio, lo cierto es que la caída de “Timmy” aseguró la victoria para Michael B. Jordan, coronando con Pecadores una larga carrera que viene desde The Wire.

No dudamos que, como colaborador frecuente que es de Ryan Coogler, lo volvamos a ver pronto en algún papel emocionante. Sin embargo, Jordan se está expandiendo. Ya había debutado como director con Creed III, y volverá a la silla con The Thomas Crown Affair de 2027, que también produce y protagoniza.

5. Amy Madigan

La realidad es que, al regalarnos uno de los papeles más icónicos de 2025 como villana en La hora de la desaparición (Weapons), la realidad es que hemos estado hablando de Amy Madigan por buena parte del año.

Y ojalá lo sigamos haciendo, pues sin duda la infame Tía Gladys será uno de los roles por los que permanecerá en la memoria cinéfila, lo cierto es que Madigan tiene una notable trayectoria como actriz (más allá de Dos veces en la vida, por la que fue nominada por primera vez en 1986). Deseamos que no sea uno de esos nefastos casos en los que el Oscar es un broche de oro forzado a una trayectoria que, claramente, aún tiene mucho más para dar.

Ser cinéfilo implicar vivir la pequeña y mundana tragedia de tener una lista infinita de películas por ver (o watchlist) infinita: además de los estrenos semanales, hay cientos—si no es que miles—de títulos considerados como “clásicos”, “obras maestras” o “películas indispensables” en el repertorio de cualquier aficionado.

Claro que tales afirmaciones vienen cargadas de criterios tan diversos como subjetivos (¿qué califica como obra maestra y por qué sería esencial?). Pero en afán de partir de algún tipo de consenso, seleccionamos aquí 10 obras maestras del cine que han sido sumamente influyentes y que no harías mal en quitar de tu watchlist en 2026.

El chico (1921)

Podríamos llenar esta lista únicamente con películas de Charlie Chaplin, actor y director que revolucionó la comedia en el cine y a Hollywood como un todo. Pero optamos por El chico (The Kid) por ser la película que más contribuyó a dispararlo hacia ese estatus, como su primer largometraje luego de una serie de populares cortos.

Además, es una película que ejemplifica el tipo de historias que dominarían su filmografía, generalmente protagonizadas por su característico personaje del “vagabundo”, caminando la delgada línea entre la comedia y la tragedia—o entendiendo ambas como parte de la misma cosa—. Aquí seguimos los esfuerzos del vagabundo por no ser separado del niño que adoptó como hijo (Jackie Coogan, que de adulto aparecería en Los locos Addams) al encontrarlo abandonado. La forma de narrar de Chaplin, enfatizando el corazón humano de las historias, ha sentado toda una escuela en el cine mundial, y podemos ver su legado en propuestas tan dispares como La vida es bella o Wall-E, de Pixar.

El mago de Oz (1939)

Con tantas adaptaciones de la novela de L. Frank Baum a lo largo de los años, y sobre todo a la sombra de la reciente popularidad de Wicked, no es de extrañar que El mago de Oz (the Wizard of Oz) quede un poco olvidada, a pesar de que esta versión cinematográfica ha sido una influencia determinante en muchas otras adaptaciones.

Con ciertas libertades, este clásico cuenta la ya conocida historia de Dorothy Gale (Judy Garland) y su aventura para volver a su casa en Kansas, creando una iconografía que difiere de la de los libros—y que incluso los ha trascendido—. También es un maravilloso exponente de las posibilidades del Technicolor, y te hará cuestionar cómo es que ambas partes de Wicked lucen tan feas.

Ciudadano Kane (1941)

Considerada por muchos como “la mejor película de la historia”—afirmación que siempre es debatible—, la ópera primera y obra maestra de Orson Welles, Ciudadano Kane (Citizen Kane) sí es una obra que vale la pena ver por lo menos una vez, tanto por sus propias virtudes como por su ungimiento a lo largo de las décadas como una de las películas más influyentes de la historia (es, cuando menos, uno de los argumentos esenciales usados para defender la teoría del cine de autor).

La película comienza con la muerte de su protagonista, Charles Foster Kane (Welles), un magnate de los medios de comunicación, y sigue a un periodista (William Alland) que busca reconstruir la vida de difunto a raíz de testimonios de quienes lo conocieron en vida, pero consiguiendo versiones contrastantes e incluso contradictorias de la historia. Por su estructura y focalización narrativa, es considerada un ejemplo paradigmático del cine moderno, y ha influido en clásicos por derecho propio que van desde Lawrence de Arabia hasta caleidoscopios narrativos como Magnolia.

Casablanca (1942)

Podrá ser propaganda bélica (su producción fue acelerada para aprovechar el inicio de la campaña Aliada en el Norte de África), pero su realización fue tan impecable en todo sentido, que Casablanca es hoy considerada una de las obras maestras del cine en general, más allá de los géneros bélico y romántico.

La trama trata de un expatriado estadounidense (Humphrey Bogart) en Marruecos, quien debe decidir si mantenerse cínicamente neutral o ayudar a su antigua amada (Ingrid Bergman) y a su esposo (Paul Henreid), líder de la resistencia checa, a escapar de los nazis para poder seguir la lucha. Es una de las películas más emotivas e icónicas que existen sobre los amores no consumados en nombre del deber y el sacrificio, con influencia que se extiende durante décadas hasta títulos como Aliados y hasta La La Land, que le hace homenajes directos.

La malvada (1950)

La película que sentó el récord a la mayor cantidad de nominaciones al Oscar—muchas veces empatado, pero sólo Pecadores (Sinners) lograría romperlo en 2026—, y la única en la historia con cuatro nominaciones actorales femeninas. Y con buena razón: es uno de esos casos en el que cada actuación es impecable en el peor de los casos, y formidables casi siempre. Y es que, además, es una película sobre el mundo de la actuación.

La malvada (All About Eve) trata sobre una aficionada al teatro, Eve Harrington (Anne Baxter), quien logra congraciarse con su actriz favorita, la legendaria y veterana Margo Channing (Bette Davis), y así se adentra en el mundo de Broadway. Sin embargo, las ambiciones de la joven actriz llegan a poner de cabeza las lealtades y carreras al interior del círculo de Margo. Es una de las grandes películas sobre intrigas y discordias dentro del mundo del espectáculo, y que ha tenido influencia en otras grandes obras como Todo sobre mi madre de Almodóvar o La favorita, por citar un par de ejemplos.

Rashōmon (1950)

Del otro lado del Pacífico, crecía la reputación de uno de los cineastas japoneses más respetados a nivel mundial: Akira Kurosawa. Y al ganar el León de Oro de Venecia con Rashōmon, atrajo atención mundial al cine japonés, consolidando una influencia que marcaría a cineastas tan diversos como Martin Scorsese, Satyajit Ray y George Lucas.

Heredera de las múltiples perspectivas narrativas ambiguas de Ciudadano Kane, la película narra los testimonios contradictorios de las diversas personas implicadas en e asesinato de un samurái en el bosque. Es una de las películas más influyentes del siglo XX—incluso si es un tanto opacada por otras obras maestras del cine de Kurosawa, como Los siete samuráis—, e incluso ha inmortalizado lo que se conoce como el “efecto Rashōmon”, en el que varias personas ofrecen recuentos alternos y muchas veces contradictorios de un mismo acontecimiento.

Cantando bajo la lluvia (1952)

Y hablando de musicales, podrá decirse mucho de sus manifestaciones actuales, pero te advertimos que no has experimentado el cine musical si no has visto uno de la época dorada del género. Uno de los más emblemáticos de su tiempo es, sin duda, Cantando bajo la lluvia (Singin’ in the Rain).

Además de un musical formidable, es una clase de historia del cine, pues la película se sitúa en el periodo en el que el estreno de El cantante de Jazz auguraba el inicio de una nueva era, con la llegada del cine sonoro a Hollywood, lo que trajo toda una serie de desafíos en la manera de hacer cine. Sólo digamos que mucho de lo que presentan tanto La la Land como Babylon (ambas de Damien Chazelle), lo hace esta película, pero mejor.

Ventana indiscreta (1954)

Otro cineasta cuya filmografía está repleta de obras maestras es el británico Alfred Hitchcock, popularmente conocido por Vértigo y, sobre todo, por Psicosis (Psycho). Un director que, fríamente, entendía a los actores como instrumentos, al público como un instrumento musical cuyas notas deben ser tocadas en momentos específicos, y a la imagen cinematográfica como una especie de complicidad voyeurística.

Incluso dentro de su obra, existen pocas cosas más voyeurísticas que Ventana indiscreta (Rear Window), película concebida y contada como chisme de vecindario. Confinado en su departamento por una pierna rota, un fotoperiodista (James Stewart) observa a sus vecinos desde su casa, acompañado por su enamorada (Grace Kelly) y por su enfermera (Thelma Ritter), hasta que cree atestiguar un asesinato desde su ventana e implica a sus dos compañeras en una espiral de misterio e investigación para descubrir la verdad. Incontables películas han sido influenciadas por ella, como Doble de cuerpo (Body Double) de Brian De Palma, por citar sólo un ejemplo.

Sin aliento (1960)

En Europa, una profunda revolución cinematográfica se gestó con la Nueva Ola de cine francés, o la Nouvelle Vague, con títulos como Los 400 golpes de François Truffaut o El bello sergio de Claude Chabrol: películas creadas por críticos de cine convertidos en cineastas, que desafiaban el status quo y jugaban con el lenguaje cinematográfico para creaciones novedosas y frescas. Aunque fue posterior a ellas, curiosamente, Sin aliento de Jean-Luc Godard es considerada la película más emblemática del movimiento.

Su trama—sobre un hombre (Jean-Paul Belmondo) que roba un auto, asesina a un policía y se reencuentra con una mujer estadounidense (Jean Seberg), con quien sigue su huida— es lo de menos, pues el punto aquí es el juego de referencias y subversiones cinematográficas que plantea la película. Además, con el reciente estreno de Nueva Ola Francesa (Nouvelle Vague), biopic dirigida por Richard Linklater sobre el rodaje de la película, es un excelente momento para descubrirla.

Macario (1960)

Un clásico esencial del cine mexicano, que entre otras cosas hizo historia por competir en Cannes y por ser la primera película del país nominada al Oscar a Mejor película extranjera. Macario también inmortalizó a Ignacio López Tarso y a Pina Pellicer en el imaginario colectivo mexicano, gracias a la iconografía creada por el director Roberto Gavaldón y el fotógrafo Gabriel Figueroa.

La trama sigue a un leñador (López Tarso) obsesionado por la pobreza que atraviesa y por la muerte que siente cercana, y con la que tiene un encuentro determinante para su futuro y el de su familia. Cerca a los territorios del cine de terror mexicano, es una película que aborda la muerte como sólo en México puede hacerse, aunque tampoco te culparemos si te recuerda en algunos aspectos a El séptimo sello, de Ingmar Bergman.

El Oscar 2026 ha quedado atrás, luego de una ceremonia con momentos memorables y su tanda tanto de sorpresas como decepciones. Y claro, las películas que resultaron premiadas despertaron pasiones entre los cinéfilos que siguieron el evento, y que están en boca de todos—para bien y para mal—.

Se trata de títulos muy comentados por diversos motivos, pero que seguramente dejarán una marca que trascenderá la temporada de premios a la que pertenecieron. A continuación, descubre cinco películas de las que todos están hablando después del Oscar 2026.

1. Una batalla tras otra (2025)

Naturalmente, la gran ganadora de la noche suele terminar en boca de todos, despertando curiosidad incluso entre quienes no la vieron en su momento. Una batalla tras otra (One Battle After Another) le valió al cineasta Paul Thomas Anderson no sólo su primer Oscar, sino una victoria triple—Mejor película, Mejor dirección y Mejor guión adaptado—luego de décadas de nominaciones. Su primera fue con Boogie Nights, 28 años atrás.

La película fue la líder de la premiación, con seis estatuillas cosechadas de sus 13 nominaciones. Por si fuera poco, ganó un Oscar histórico, pues triunfó en la nueva categoría de la premiación, Mejor casting, premio que fue para la directora de casting Cassandra Kulukundis. Una batalla tras otra generó conversación durante meses después de su estreno por aspectos como su humor, su cinematografía—y su ya famosa escena de persecución—, así como por su criticado discurso político. No dudamos que vuelva a despertar interés gracias a sus premios.

2. Pecadores (2025)

A pesar de llegar a la premiación con el récord histórico de nominaciones, lo cierto es que Pecadores (Sinners) no tuvo tan buen desempeño como se esperaba en la cosecha de premios. No obstante, obtuvo cuatro estatuillas, una de ellas histórica: es la primera vez que una mujer gana el Oscar a Mejor fotografía, gracias al triunfo de Autumn Durald Arkapaw.

Sin embargo, algo que fue dicho durante la ceremonia revela el enorme poder de permanencia de Pecadores: al día del Oscar 2026, tenía casi un año de haberse estrenado en cines, pero el público sigue hablando de ella. Creemos que estamos aquí ante lo que será discutido como un clásico en el futuro.

3. Las guerreras K-Pop (2025)

Vamos, ¿alguien dejó de hablar de Las guerreras K-Pop (KPop Demon Hunters) en algún momento? Ostensiblemente la película de mayor impacto cultural en la historia de Netflix, la película se anotó dos premios (Mejor largometraje de animación y Mejor canción original, por “Golden”), y no parece que el fenómeno vaya a parar pronto.

Lo decimos no sólo porque la película lleva casi nueve meses oscilando en el Top 10 de popularidad de la plataforma, sino que ya tiene una secuela confirmada con los mismos directores. La fiebre de las HUNTR/X va para rato.

4. Marty Supremo (2025)

En los meses previos al Oscar 2026, Timothée Chalamet fue sujeto de varias polémicas que estallaron días antes de la premiación, cuando resurgió y se viralizó una entrevista en la que despreciaba artes como el ballet y la ópera. Durante toda su campaña, el actor adoptó una personalidad que hacía eco de la de su personaje en Marty Supremo: arrogante y un tanto bravucón.

La noche del Oscar concluyó para él de un modo que ha sido mejor descrito en internet: “ver a Timothée Chalamet ha sido lo más Marty Supremo que le pudo haber pasado”. La película, sobre un jugador profesional de ping pong que va a distancias ridículas para viajar a un torneo en Japón y perder miserablemente, tiene paralelos evidentes con lo que fue el último año de campaña para Chalamet, y que dejará una marca tan difícil de borrar como de ignorar en su trayectoria futura. Será el parteaguas para ver cómo—y si—logra recuperarse.

5. Hamnet (2025)

Uno de los principales ganchos para el público del Oscar son las actuaciones, que además suelen brindar las carreras más competidas de la premiación, y 2026 no fue la excepción. Y aunque tampoco estamos muy de acuerdo con la victoria de Jessie Buckley—no por falta de mérito, sino porque creemos que otras lo merecían más—, una verdad indiscutible es que su actuación en Hamnet dejó a miles de personas devastadas y en charcos de sus propias lágrimas.

Con el premio, no dudamos que la película de Chloé Zhao tenga un segundo respiro de interés. Aunque Buckley igual no para, y semanas antes de ganar el Oscar ya había estrenado ¡La novia! (The Bride!), que es otra gran opción para ver la continuidad de su excelente carrera hasta ahora.

Una de las realidades más frías de los Premios de la Academia es que, una vez pasada la emoción de las votaciones y la ceremonia de premiación, muchas películas quedan en el retrovisor, para no ser recordadas jamás. Sin embargo, eso no debería ser el caso: el poder y calidad de una película no radica en si fue o no nominada, o en si resultó o no ganadora de alguna estatuilla.

Tanto momentos clave de la ceremonia como las sorpresas y omisiones en la premiación, trajeron atención a otros títulos diferentes de los premiados—y algunos que ni siquiera estaban nominados—. Estas son algunas películas de las que nadie está hablando después del Oscar 2026 (pero deberían).

1. Amélie y los secretos de la lluvia (2025)

Vamos a ser claros: amamos a Las guerreras K-Pop (KPop Demon Hunters), fenomenal producción de Sony Pictures Animation que se llevó el Oscar 2026 al Mejor largometraje de animación. Sin embargo, consideramos que su coronación fue profundamente informada por su masiva popularidad a lo largo del año. Para nosotros, si la vida fuera justa y la Academia hubiera apostado más objetivamente por el mérito artístico, la ganadora debió ser Amélie y los secretos de la lluvia.

De nuevo, nada en contra de la ganadora—ni de las otras nominadas en la categoría, pues todas son formidables—. Sin embargo, premiar a la película más popular se siente como un cambio drástico para la categoría de animación que, en años recientes, se ha distinguido por apuestas menos comerciales y, por lo tanto, menos obvias. Apenas el año anterior, la “pequeña película que pudo”, Flow, fue la ganadora. Dos años atrás, se premió la magistral y calculada artesanía de Hayao Miyazaki a lo largo de una producción que demoró una década. Incluso otra película de Sony Pictures Animation, Spider-Man: Un nuevo universo, fue en su momento un reconocimiento más subversivo a la innovación, contra apuestas más obvias.

Mientras tanto, Amélie y los secretos de la lluvia es otra película más pequeña, sin las arcas de Netflix para una campaña de Oscar poderosa, pero que remueve ideas y sentimientos profundamente humanos con una animación preciosa. Las guerreras K-Pop, aunque un logro por derecho propio y por razones distintas, se siente un tanto frívola en comparación.

2. Casablanca (1942)

¿Qué hace aquí una película de 1942? La razón tiene que ver menos con la condición de Casablanca como clásico de Hollywood, y más con uno de los sketches presentados por el comediante Conan O’Brien, conductor de la ceremonia del Oscar 2026.

La premiación estuvo llena de bromas y sketches que aluden a un momento mayor que atraviesa Hollywood: el creciente poderío e influencia que las tecnológicas como Netflix y YouTube están teniendo en la industria, no siempre para bien. En uno de estos sketches, con la colaboración de Sterling K. Brown, Conan recreó una clásica escena de la película para criticar cómo Netflix solicita cada vez más a creadores recurrir a diálogos expositivos absurdamente reiterativos, para dar cuenta de que sus principales consumidores, esencialmente, no están poniendo mucha atención.

En ese sentido, Casablanca es una película que vale la pena revisar: es cine de la época dorada de Hollywood, cuyas convenciones evocan emoción y poesía pura sin necesidad de diálogos condescendientes con el público. Todo si tan solo estamos dispuestos a prestar atención.

3. Fue sólo un accidente (2025)

Dirigida por el irnaí Jafar Panahi y nominada en la categoría de Mejor película internacional (en representación de Francia), Fue sólo un accidente no tenía posibilidades reales en cuestión de premios. Sin embargo, dado el clima político actual, era uno de los títulos más relevantes entre todos los nominados.

La película tiene una narrativa incisivamente política, y narra cómo un grupo de extraños, que han sufrido de diferentes formas a manos del régimen represor iraní, deben lidiar con la oportunidad de venganza ante quien parece ser su victimario—pero podría no serlo—.

Fue sólo un accidente resulta especialmente importante, sobre todo, en un clima en que grandes plataformas para el arte como el Festival de Cine de Berlín y el propio Oscar parecen distanciarse cada vez más de los pronunciamientos políticos. Un espíritu perfectamente encapsulado por una curiosa interacción en la alfombra roja: mientras Panahi enfrentará la cárcel en cuanto ponga un pie de vuelta en Irán, el empresario Kevin O’Leary, que básicamente se interpreta a sí mismo en Marty Supremo, aprovechó la ocasión para ser fotografiado ostentando tarjetas de colección de la NBA valuadas en decenas de millones de dólares, en estuches igual o más costosos. El arte político contra la trivialización del mismo bajo el culto a la celebridad.

4. La voz de Hind Rajab (2025)

Hablando de política—o de la tibieza del Oscar 2026 en este ámbito—, el genocidio en Palestina fue apenas nombrado en algunas contadas ocasiones durante la ceremonia. Javier Bardem habló de ello abiertamente antes de presentar el premio a Mejor película internacional (“no a la guerra y Palestina libre”, dijo). En la conferencia de prensa tras alzarse con dicho premio por Valor sentimental, el director Joachim Trier también se pronunció al respecto.

Sin embargo, en general, los pronunciamientos sobre Palestina brillaron por su ausencia. Por ello, es importante recalcar que debemos seguir hablando de películas como La voz de Hind Rajab incluso después del Oscar 2026. La película denuncia tan sólo uno de miles episodios cruentos del genocidio, y la conversación no debe quedarse únicamente en si ganó o no el Oscar. Su importancia trasciende esa trivialidad.

5. El agente secreto (2025)

Nos hubiera encantado ver a Brasil lograr el doblete luego de ganar el Oscar por Aún estoy aquí en 2025. Sin embargo, no pudo ser para El agente secreto, que se fue con las manos vacías en una de las grandes decepciones de la noche.

Sin embargo, no sólo era una de las mejores películas en toda la competencia—con una cinefilia que lucía con orgullo—, sino que también era una de las que más aludían al momento político que atraviesa América Latina. Su narrativa, situada en la dictadura militar de Brasil, revela sutilmente los tentáculos del intervencionismo estadounidense en la región, una historia que intenta volver a repetirse.

El Universo Cinematográfico de Marvel (UCM) llegó a su momento cumbre con Avengers: Endgame. Y existen varios argumentos para afirmar que la saga no ha vuelto a alcanzar las mismas alturas—ni de calidad ni de expectativa—que el ambicioso crossover.

Sin embargo, y si bien por ello varios espectadores han decidido dejar de ver esta saga, esto no es del todo cierto. Aunque nadie negará que priorizar la cantidad sobre la calidad le ha salido caro a la franquicia, también es verdad que ha tenido muchos momentos memorables que ameritan quedarse. ¿No nos crees? A continuación, te contamos algunas de las mejores cosas del UCM que te perdiste si dejaste de ver después de Avengers: Endgame.

10. La mejor serie del UCM

En realidad, si dejaste de seguir el UCM tras Endgame, simple y llanamente te perdiste del hecho de que, a partir de ese punto, la franquicia se ha expandido hacia la televisión. A veces, con muy cuestionables resultados (te estamos viendo, Invasión secreta). Pero en otros casos, la saga ha dado destellos de genuina originalidad.

Para muchos—y concuerdo—la mejor serie del UCM sigue siendo WandaVision, que sigue cómo Wanda (Elizabeth Olsen) ha lidiado con las implicaciones de la lucha contra Thanos (Josh Brolin), en una forma muy particular. No arruinaremos el misterio si no la has visto, sólo digamos que se trata de todo un homenaje a la historia de la televisión estadounidense, por lo que la disfrutarás por partida doble si eres aficionado a la misma.

9. El viaje de Loki

Si sólo viste hasta Avengers: Endgame, hablar de Loki (Tom Hiddleston) podría parecerte extraño dado que Thanos lo asesina, en términos nada ambiguos, al comienzo de Avengers: Infinity War y lo vemos por última vez robándose el Teseracto en una línea temporal paralela durante Endgame.

Pues bien, eso mismo fue el comienzo de un extraordinario viaje de redención, narrado a través de dos temporadas de la serie Loki. En ella, el “dios del engaño” colabora con la Autoridad de Variación Temporal (TVA, por su sigla en inglés) para lidiar con el caos del multiverso. Una demostración de que más sí puede ser mejor, conduciendo al personaje por una de las mejores trayectorias del UCM que, de hecho, lo llevará hasta Avengers: Doomsday.

8. El regreso de Hugh Jackman y… ¿Deadpool en el UCM?

Recordando que la saga cinematográfica de X-Men sí está basada en personajes de Marvel pero no pertenecía originalmente a la continuidad del UCM, parecía una lástima que las películas de Deadpool no pudieran pertenecer a ella, por una sencilla razón: Ryan Reynolds en el rol de Wade Wilson es de lo mejor que ha dado el cine de superhéroes en la última década.

Todo eso cambió con la adquisición de Fox por parte de Disney, dando a Marvel Studios acceso a su panteón completo de personajes. Y aunque sucede primordialmente en la Tierra 10005, realidad donde se sitúa el universo X-Men de Fox, la trama de Deadpool y Wolverine ve a Wilson colaborar con la TVA para saltar de una realidad a otra, lo que técnicamente posibilita su cruce a la realidad principal, Tierra 616. Además, va acompañado por Hugh Jackman como Wolverine, rol que había jurado abandonar tras Logan. Nunca hay que decir nunca.

7. El regreso de Sam Raimi al cine de superhéroes

Entre quienes son fans exclusivamente de los superhéroes, el director Sam Raimi es mejor recordado por las primeras películas de Spider-Man (sin cuyo éxito no existiría el cine de superhéroes como lo conocemos hoy). Y el UCM lo trajo de vuelta para una asignación especial: dirigir Doctor Strange en el multiverso de la locura, luego de la salida de Scott Derrickson (director de la original).

Y aunque el mandato de la estética genérica del UCM predomina durante casi todo el metraje, Raimi sí alcanza a insertar algunas de sus características florituras estilísticas de terror y humor perverso para una de las secuencias más memorables—y brutales—de toda la saga. Los héroes de la Tierra 838 se enfrentan a Wanda en su versión más iracunda y cruel, y el resultado es violencia retorcida al puro estilo de Raimi.

6. Dos nuevas y jóvenes heroínas

El UCM ha cambiado mucho desde sus días de Endgame. La franquicia era generalmente encabezada por héroes masculinos de mayor edad (como el Tony Stark de Robert Downey Jr.). Aunque rostros como el de Brie Larson llegaron a ampliar el espectro hacia el género femenino, seguían faltando muchos jóvenes héroes que no fueran Spider-Man (Tom Holland).

Eso comenzó a cambiar después de Endgame con diversas series. Notablemente, Hawkeye introdujo a Kate Bishop (Hailee Steinfeld), joven arquera que se perfila como sucesora de Clint Barton (Jeremy Renner). Y Ms. Marvel introdujo a Kamala Khan (Iman Vellani), una mutante que incluso ya tuvo su primer contacto con una de los Vengadores, al unir fuerzas con Carol Danvers (Larson) en The Marvels. Mención aparte para Yelena Belova, quien merece su propio espacio.

5. Sam Wilson como Capitán América

Es algo que Endgame ya daba a entender con su epílogo, con Steve Rogers (Chris Evans) legando su emblemático escudo de vibranio a Sam Wilson (Anthony Mackie). Sin embargo, el camino de Sam a convertirse en el nuevo Capitán América es largo y sinuoso.

Vemos el comienzo de ello en la serie Falcon y el Soldado del invierno, y la culminación en Capitán América: Un nuevo mundo. Que, si somos sinceros, no es el mejor escaparate para ello—no es la mejor película—. Sin embargo, fue una transición tan significativa en los cómics originales que, de hecho, Sam sigue siendo el Capitán América (o uno de ellos, al menos), por lo que resulta gratificante verlo también en la pantalla.

4. La genialidad de Florence Pugh

“Hermana” de Natasha Romanoff en el programa de Viudas Negras, Yelena Belova (Florence Pugh) es quien esencialmente hereda el manto de la heroína luego de su deceso en los eventos de Endgame, por lo que si te detuviste ahí, ni siquiera estarás consciente de su existencia.

Pugh es introducida en el rol durante Black Widow, que si bien se estrenó después de Endgame, es un flashback extendido. Sin embargo, ya desde entonces ha demostrado ser una sucesora única, igual de letal pero con un carácter todavía más divertido, aunque vulnerable a la vez. Pugh la ha interpretado nuevamente tanto en la serie Hawkeye como en la película Thunderbolts*, y ha robado escena en cada aparición, convirtiéndose en una de las líderes de facto de los Nuevos Vengadores.

3. El regreso de Robert Downey Jr.

Esto requiere un poco de contexto tras bambalinas, pero partamos de lo ya sabido: Tony Stark (Robert Downey Jr.) sacrifica su vida para derrotar a Thanos al final de Endgame, efectivamente marcando el final de una era para la franquicia que comenzó con él, en Iron Man. No había una manera lógica de hacerlo volver, pero el actor regresará en otro papel: como el Doctor Victor von Doom, némesis de los Cuatro Fantásticos y gran villano en esta etapa de la franquicia.

Originalmente, el homólogo de Thanos para la Saga del Multiverso iba a ser Kang el conquistador (Jonathan Majors), viajero multiversal que amenazaba el propio tejido de la realidad, introducido en Ant-Man y the Wasp: Quantumania (con otras versiones alternas presentadas durante Loki). Sin embargo, luego de acusaciones de violencia doméstica, Majors fue sacado del proyecto. Marvel Studios cambió de rumbo rápidamente para anunciar a Downey como el nuevo villano. ¿Será una variante malvada de Stark de otro punto del multiverso? Está por verse.

2. La canonización de Daredevil y las series de Netflix

Más contexto detrás de cámaras: anteriormente, las producciones televisivas de Marvel caían bajo el paraguas de Marvel Television, lo que condujo al acuerdo con Netflix para transmitir varias series basadas en los personajes. Notablemente: Daredevil, Jessica Jones y otras tres más, cuyas narrativas convergieron en el crossover The Defenders. Sin embargo, aunque éstas aludían a los eventos del UCM vagamente, generalmente se les consideraba parte de una continuidad separada.

Esto comenzó a cambiar cuando el acuerdo de Marvel con Netflix expiró, y las operaciones televisivas de la marca cayeron bajo Marvel Studios. Luego vinieron los guiños: el cameo de Matt Murdock en Spider-Man: Sin camino a casa en la piel de Charlie Cox, quien lo interpretó en la serie de Netflix. Su némesis, Wilson Fisk (Vincent D’Onofrio) reapareció en Hawkeye. Todas las series mencionadas fueron integradas retroactivamente a la continuidad del UCM, algo de lo que ha dado cuenta la serie secuela Daredevil: Born Again. De hecho, en su segunda temporada, veremos a Krysten Ritter de juevo como Jessica Jones.

1. La tríada de Spider-Man

Si hubo un momento en el que el hype del UCM rozó las alturas de Endgame, fue durante Spider-Man: Sin camino a casa. El trepamuros, interpretado en su más reciente iteración por Tom Hollan, es por sí solo uno de los personajes de mayor convocatoria de la cultura pop. ¿Qué sucede si juntas a tres?

Fue el secreto a voces más grande del cine de superhéroes durante cosa de un año, pero la culminación de la trilogía de Holland utilizó el recurso del multiverso para un crossover con sus predecesores. Andre Garfield de El increíble Hombre Araña y Tobey Maguire de las originales de Sam Raimi visitaron la Tierra 616 para ayudar al Peter más joven a combatir la amenaza de su galería de villanos conjunta, con Willem Dafoe dando una actuación perturbadora como el Duende Verde. Perseguimos ese nivel de hype desde entonces.

Los Premios de la Academia se tratan tanto de los reconocimientos al arte del cine, como del espectáculo de la premiación en sí. La ceremonia suele traer momentos especiales y dignos de mención por sí solos, y la 98ª entrega no fue la excepción.

La ceremonia del Oscar 2026, conducida por Conan O’Brien, provocó varias risas, sorpresas e incomodidad que no siempre tuvieron que ver con los ganadores (y sus respectivas sorpresas o decepciones), sino con el propio show. Estos son, a nuestro juicio, los momentos más memorables.

Todos contra Timmy

A lo largo de la campaña promocional de Marty Supremo y la temporada de premios, Timothée Chalamet apostó por una estrategia arriesgada, parcialmente inspirada en la bravuconería e imprudencia del personaje por el que fue nominado al Oscar. Sin embargo, el tiro le salió por la culata cuando, en los días previos a la ceremonia, resurgió una entrevista suya en la que demerita al ballet y la ópera, diciendo que eran artes que ya a nadie le importaban.

Y sí, tanto Conan como la producción lo pusieron en jabón. Durante el discurso inicial, O’Brien hizo una broma, diciendo que la seguridad del evento estaba al máximo pues “se esperaban hostilidades de artistas de ballet y ópera”. No fue, sin embargo, la única alusión al incidente, y Chalamet se mostró cada vez menos divertido con el asunto. Pero bien dicen que quien se lleva…

El sketch inicial de Conan

Conan O’Brien no decepcionó en la ceremonia de 2025, y en esta ocasión también estuvo a la altura. Una de sus grandes virtudes es su capacidad para burlarse de sí mismo, y con el sketch inicial pregrabado, lo hizo a lo grande, aprovechando su gran cualidad distintiva: su cabellera pelirroja.

El sketch tenía por objetivo presentar a varias de las películas en competencia, incluyendo una de las animadas. ¿Cuál fue el hilo narrativo para conectarlas? O’Brien haciendo cosplay como la villana de La hora de la desaparición (Weapons), la infame tía Gladys (Amy Madigan), y saltando de un universo a otro mientra es perseguido por una turba de niños asesinos, como en el clímax de la película. Una gran forma de aprovechar a uno de los personajes más icónicos del cine en el último año.

Reunión de Vengadores (y la tanga de Channing Tatum)

Los discursos de presentadores invitados suelen ser un volado: pueden funcionar de maravilla y provocar risas, o dar sueño e incomodidad. Cuando Robert Downey Jr. y Chris Evans aparecieron en el escenario para presentar Mejor guión adaptado (sabrá la producción por qué ellos), provocaron uno de los momentos más soporíferos de sinergia cínica de la ABC (propiedad de Disney). “Es el aniversario de Los Vengadores”, declaró Evans como motivo para conseguirle a Downey un guión firmado como regalo. Nadie aplaudió ni rió.

El momento mejoró un poco cuando el par se preparó para presentar Mejor guión original. Downey regresó de bambalinas con una tanga reflectante que, afirmó, perteneció a Channing Tatum en Magic Mike. Fue Tatum quien provocó más risas al pedirla de regreso para poder ir a trabajar.

Los números musicales

El Oscar 2026 se distinguió por introducir una nueva categoría, Mejor casting, lo que significó una reducción necesaria de tiempo para otras tradiciones de la premiación. Cuando antes había presentaciones en vivo de cada una de las nominadas a Mejor canción original, en esta ocasión tuvieron que reducirse a dos.

¡Pero qué presentaciones fueron! Las dos seleccionadas fueron “I Lied to You” de Pecadores, en una recreación muy cercana de la emblemática escena de Pecadores; y el tema premiado de la noche, “Golden” de Las guerreras K-Pop, presentado en vivo por las propias voces de las HUNTR/X en persona.

Reunión de Damas en guerra

Dada la ocasión de que Rose Byrne estaba nominada a Mejor actriz por Si pudiera, te patearía, la producción aprovechó para realizar una reunión que, si somos sinceros, fue un poco más afortunada.

A Byrne se unieron sus compañeras de elenco en la icónica comedia Damas en guerra, que ya cumple 15 años en 2026. Kristen Wiig, Maya Rudolph (en asistencia también para apoyar a su esposo, Paul Thomas Anderson), Melissa McCarthy y Ellie Kemper presentaron junto a Byrne, por razones que sólo los productores entenderán, el premio a Mejor banda sonora original. Objetivamente, el momento no fue tan memorable en papel, pero fue precisamente el carisma conjunto de las actrices lo que lo elevó muy por encima de lo que haya sido eso con Downey y Evans.

La Academia contra las tecnológicas

El clima entre la tradición de Hollywood y la nueva escuela, liderada por tecnológicas como Netflix, ha sido tenso en los últimos años, y las bromas no se hicieron esperar. En el arranque de la ceremonia, Conan bromeó que los Oscar 2026 eran la primera vez del CEO de Netflix, Ted Sarandos, en un cine. Pero la cizaña no paró ahí.

En diversos sketches protagonizados por Conan, se aludió al hecho de que cada vez más el cine es consumido en pantallas verticales de celulares, o que la ceremonia será interrumpida por invasivos cortes comerciales cuando, a partir de 2029, YouTube tenga los derechos exclusivos de transmisión. Un último sketch se burlaba una vez más de Netflix, y su vicio de solicitar diálogos de exposición reiterativas para el público de “segunda pantalla”, cosa que Conan parodió maravillosamente con ayuda de Sterling K. Brown en un sketch basado en Casablanca.

In Memoriam

El In Memoriam del Oscar suele ser un momento complicado y que no siempre sale bien: a veces llega a faltar alguna mención, o en otras hay alguna intervención musical desafortunada. Sin embargo, el segmento fue muy bien manejado en el Oscar 2026, quizá en parte por el calibre de talento que dejó el plano terrenal durante el último año.

El bloque abrió con una intervención de Billy Crystal para homenajear a Rob Reiner, cineasta y actor que lo dirigió en Cuando Harry conoció a Sally y que era tan unánimemente adorado por la comunidad de Hollywood, como influyente en ella. También hubo una aparición de Rachel McAdams para hablar de su compatriota, la canadiense Catherine O’Hara, así como de Diane Keaton, con quien compartió escena en La joya de la familia.

Hacia el final del segmento se homenajeó a Robert Redford, influyente como actor y como impulsor del cine estadounidense independiente al fundar el Instituto Sundance y el festival del mismo nombre. Barbra Streisand, su compañera de escena en Nuestros años felices (The Way We Were), no sólo contó una tierna anécdota sobre él, sino que cantó un poco del tema principal de la película en su honor.

La ceremonia del Oscar 2026 marcó el fin de la temporada de premios y, como cada año, dio mucho de qué hablar. Sin duda, cada quién tenía sus favoritas entre las películas nominadas, pero como sucede en las premiaciones, es imposible que todas ganen el máximo reconocimiento.

Incluso así, hubo varios vuelcos entre las ganadoras, así como múltiples decepciones. A nuestro criterio, estas fueron las mayores sorpresas y las grandes decepciones del Oscar 2026.

Decepción: Brasil se va blanqueado

Dado el antecedente sentado por Aún estoy aquí en 2025, sucedían dos cosas con la segunda nominación consecutiva de Brasil al Oscar por Mejor película internacional. Por un lado, El agente secreto demostraba el gran momento que atraviesa la cinematografía del país latinoamericano. Por el contrario, hubiera sido inaudito que la Academia concediese el doblete.

Y al final, no sucedió, con la noruega Valor sentimental alzándose con el premio en la categoría. Pero no sólo quedó en eso, sino que la película de Kleber Mendonça Filho se fue con las manos vacías. Aspiraba a tres categorías más, incluyendo Mejor actor (Wagner Moura), Mejor película, y la nueva categoría de Mejor casting, pero no logró ninguna estatuilla.

Sorpresa: Un nuevo empate

Dado que la votación en casi todas las categorías de la premiación es por voto mayoritario, es muy, muy improbable—e inusual—que se dé un empate entre dos películas. Sin embargo, esta fue una de las grandes sorpresas del Oscar 2026, en la categoría de Mejor cortometraje de ficción.

El actor que la presentó, Kumail Nanjiani, lo declaró desde un principio para evitar confusiones: primero invitó al escenario al equipo de Los cantores rusos (The Singers) para recibir el premio, para luego otorgar una estatuilla más a Dos personas intercambiando saliva (Two People Exchanging Saliva). En las 98 ediciones que lleva la premiación, es apenas la séptima vez que sucede tal cosa.

Decepción: El desempeño de Pecadores (y que no ganara Mejor película)

Pecadores llegó al Oscar 2026 como la película más nominada en la historia de la premiación, con 16 candidaturas en total. Por pura probabilidad, podría pensarse que tenía la mayor posibilidad de liderar la cosecha de premios e incluso llevarse el principal, Mejor película.

Sin embargo, la película escrita, dirigida y producida por Ryan Coogler se fue a casa en el segundo lugar del podio, con cuatro estatuillas en total, y perdiendo tanto el Oscar a Mejor película como a Mejor dirección ante Una batalla tras otra (One Battle After Another). Siendo que no es el mejor título en la ilustre filmografía de Paul Thomas Anderson, se siente más como uno de esos reconocimientos a la trayectoria, dejando a Pecadores como daño colateral de la deuda.

Sorpresa: Mejor documental

La categoría de Mejor largometraje documental suele ser difícil de predecir, considerando que ya es un secreto a voces que no muchos de los votantes de la Academia son lo suficientemente comprometidos para ver todo lo que está nominado antes de votar. Son los propios documentalistas los que suelen pronunciarse más en su propia categoría que, por varios años, ha sido dominada por Netflix.

Por lo tanto, muchos daban por ganadora a La vecina perfecta (The Perfect Neighbor), producción estrenada por el gigante del streaming. Sin embargo, fue Un don nadie contra Putin (Mr. Nobody Against Putin) la que se alzó finalmente con el premio. Tampoco era tan implausible, dado el momento político que vivimos y el tema del documental, que aborda la manipulación del régimen ruso sobre la percepción de la invasión a Ucrania en las escuelas.

Decepción: Rose Byrne en Mejor actriz

Estamos conscientes de que estaba cantadísimo el Oscar para Jessie Buckley por Hamnet, dado que la actriz irlandesa arrasó durante toda la temporada de premios. Sin embargo, y a pesar de que su trabajo es formidable, creemos que no era la mejor candidata de la categoría.

A nuestro juicio, tanto Renate Reinsve (Valor sentimental) como Rose Byrne (Si pudiera, te patearía) eran candidatas con actuaciones más matizadas, que expresan montañas con los gestos más sutiles—exactamente lo opuesto de lo que le gusta a los votantes de la Academia, que prefieren los gritos y la grandilocuencia—. De las dos, Byrne tiene no sólo la trayectoria más larga, sino que carga su película literalmente con su rostro.

Decepción: Stellan Skarsgård como Mejor actor de reparto

Bajo los mismos argumentos expuestos para la categoría de Mejor actriz, lamentamos que haya sido Sean Penn, y no Stellan Skarsgård, el ganador del Oscar a Mejor actor de reparto.

Dentro de su película, ni siquiera nos parece que Penn haya sido el mejor de los actores nominados (su compañero de reparto, Benicio del Toro, también competía en la categoría). Stellan Skarsgård, con una larga trayectoria internacional de altísimo renombre, interpreta a un hombre roto y lleno de contradicciones que transmite mareas de sentimientos en la sutileza. Penn, en cambio, roza con la caricatura racista y militarista, pero dada su reputación en Hollywood, tampoco sorprende su victoria.

Sorpresa: Frankenstein en el podio

Si la comparamos con el desempeño de otras películas del mexicano Guillermo del Toro en los Premios de la Academia (La forma del agua, particularmente), Frankenstein podría parecer decepcionante: no aspiró al premio a Mejor dirección, por ejemplo, y no tenía oportunidad alguna en Mejor película.

Sin embargo, con una premiación tan repartida y una buena posición en cuanto a cantidad de nominaciones, su cosecha le permitió colocarse como la tercera película más premiada de la noche. Dominó en las categorías técnicas, triunfando en Mejor diseño de producción, Mejor diseño de vestuario y Mejor maquillaje y peinado.

Decepción: Mejor largometraje de animación

Esta es una opinión polémica, dado que Las guerreras K-Pop (KPop Demon Hunters) es inmensamente popular, un factor que sin duda jugó a favor de su victoria no sólo como Mejor largometraje de animación, sino también en Mejor canción original. Sin embargo, consideramos que no era la mejor ni la más propositiva en la categoría.

A nuestro juicio—y sin demeritar a las otras nominadas, pues todas son increíbles películas—, la mejor película de animación del año es Amélie y los secretos de la lluvia. Basada en una novela semi-autobiográfica de Amélie Nothomb, la película presenta una trama tan conmovedora y aventurera como metafísica con una animación que llena tanto los ojos como el alma.

Sorpresa: Oscar histórico a Mejor fotografía

Siempre es grato ver hitos históricos sucediendo frente a nuestros ojos, y el Oscar 2026 trajo uno muy especial. En esta edición, fuimos testigos del primer Oscar a Mejor fotografía obtenido por una mujer.

Autumn Durald Arkapaw ya había colaborado con el director Ryan Coogler en una ocasión, durante Pantera negra: Wakanda por siempre. Con esta segunda, en Pecadores, logró romper otro trecho de cristal, cosa que ya había sido intentada por fotógrafas como Rachel Morrison (Mudbound) y Ari Wegner (El poder del perro).

Llegó y se fue la 98ª entrega de los Premios de la Academia, o el Oscar 2026. La noche de la premiación más famosa del cine comenzó con Pecadores ostentando el récord histórico de nominaciones, con un total de 16, con una ventaja considerable sobre el resto de las nominadas. Sin embargo, la premiación estuvo bastante más repartida en la práctica.

La ceremonia, conducida por el comediante Conan O'Brien, cerró con Una batalla tras otra reclamando no sólo el premio a Mejor película, sino también la mayor cantidad de victorias, con seis estatuillas en total, incluyendo categorías principales como Mejor dirección y Mejor guión adaptado, además de la nueva categoría, Mejor casting. La película de Coogler tenía un factor clave en contra: era de terror, un género a menudo ninguneado por la Academia, que no ve un ganador en la categoría principal desde El silencio de los inocentes.

El segundo lugar en cantidad de premios fue, precisamente, para Pecadores, que obtuvo galardones como Mejor actor, Mejor guión original, Mejor banda sonora original y un histórico Oscar a Mejor fotografía. Las categorías técnicas fueron, en general, muy repartidas, con Frankenstein sumando tres estatuillas.

Brasil no consiguió el doblete, pues El agente secreto perdió contra la noruega Valor sentimental y, en general, se fue con las manos vacías en el resto de las categorías a las que aspiraba.

A continuación te presentamos las películas ganadoras del Oscar 2026 en cada una de las categorías, y también te decimos cómo verlas.

Mejor película

• Ganador:

  • Una batalla tras otra (One Battle After Another)

• Nominados:

  • Pecadores (Sinners)

  • Hamnet

  • Frankenstein

  • Sueños de trenes (Train Dreams)

  • Marty Supremo (Marty Supreme)

  • El agente secreto (O Agente Secreto)

  • Valor sentimental (Affeksjonsverdi)

  • Bugonia

  • F1: La película (F1)

Mejor dirección

• Ganador:

  • Paul Thomas Anderson (Una batalla tras otra)

Cantadísimo, y muy postergado: Paul Thomas Anderson, considerado uno de los mejores cineastas de su generación—si no es que el mejor—finalmente ha conseguido su Oscar a Mejor dirección, después de múltiples nominaciones tanto en ésta como en otras categorías.

• Nominados:

  • Chloé Zhao (Hamnet)

  • Ryan Coogler (Pecadores)

  • Josh Safdie (Marty Supremo)

  • Joachim Trier (Valor sentimental)

Mejor actor

• Ganador:

  • Michael B. Jordan (Pecadores)

Luego de una polémica que vio caer de la carrera al que era considerado el líder para el premio a Mejor actor, Michael B. Jordan se adelantó y coronó en la categoría con la primera nominación de su carrera. Recordemos que Jordan hizo un papel doble como gemelos en la película. Originalmente, iba a ser uno de dos hermanos, pero acabó tomando también el papel que iba a ser de Jonathan Majors, a quien ha apoyado en sus controversias por violencia doméstica.

• Nominados:

  • Timothée Chalamet (Marty Supremo)

  • Wagner Moura (El agente secreto)

  • Leonardo DiCaprio (Una batalla tras otra)

  • Ethan Hawke (Luna azul)

Mejor actriz

• Ganadora:

  • Jessie Buckley (Hamnet)

Buckley había dominado toda la temporada de premios en camino al Oscar, incluyendo el Globo de Oro y el BAFTA, así que su premio a Mejor actriz era una cuestión de mero trámite.

• Nominadas:

  • Rose Byrne (Si pudiera, te patearía)

  • Kate Hudson (Song Sung Blue: Sueño inquebrantable)

  • Emma Stone (Bugonia)

  • Renate Reinsve (Valor sentimental)

Mejor guión original

• Ganador:

  • Pecadores

El primer Oscar en la carrera de Ryan Coogler vino no como director ni productor, sino como guionista, gracias a Pecadores. El cineasta agradeció a la Academia por premiar a una película que se estrenó casi un año antes, lo que habla de su enorme poder de permanencia. Con esto, se convierte en el segundo cineasta negro ganador del Oscar en esta categoría, después de Jordan Peele por ¡Huye!

• Nominados:

  • Luna azul

  • Fue solo un accidente

  • Valor sentimental

  • Marty Supremo

Mejor guión adaptado

• Ganador:

  • Una batalla tras otra

Con Una batalla tras otra, Paul Thomas Anderson ganó el primer Oscar de su carrera después de varias nominaciones en diversas categorías a lo largo de las décadas. Curiosamente, su primera nominación fue en 1998, precisamente por guión, gracias a Boogie Nights.

• Nominados:

  • Bugonia

  • Frankenstein

  • Sueños de trenes

  • Hamnet

Mejor actor de reparto

• Ganador:

  • Sean Penn (Una batalla tras otra)

Una de las carreras más cerradas de la noche (en realidad, entre dos compañeros de elenco) cerró con Sean Penn como el ganador. Sin embargo, Penn no estuvo presente en la ceremonia, por lo que su estatuilla fue aceptada en su nombre por Kieran Culkin, quien presentó el premio y fue el ganador del año pasado en la categoría.

• Nominados:

  • Benicio del Toro (Una batalla tras otra)

  • Stellan Skarsgård (Valor sentimental)

  • Jacob Elordi (Frankenstein)

  • Delroy Lindo (Pecadores)

Mejor actriz de reparto

• Ganadora:

  • Amy Madigan (La hora de la desaparición)

Cosa rara, pero una película de terror fue premiada por la Academia, incluso si sucedió en una categoría actoral. En una carrera competida, Amy Madigan se alzó por su icónico papel como la Tía Gladys en La hora de la desaparición. Es la sexta persona en ser premiada por una actuación en una película considerada de terror (la última fue Natalie Portman por Cisne negro).

• Nominadas:

  • Elle Fanning (Valor sentimental)

  • Inga Ibsdotter Lilleaas (Valor sentimental)

  • Wunmi Mosaku (Pecadores)

  • Teyana Taylor (Una batalla tras otra)

Mejor película internacional

• Ganador:

  • Valor sentimental (Noruega)

En una difícil carrera, en la que muchos daban por ganadora a la opción brasileña por segundo año consecutivo, la apuesta de noruega, Valor sentimental, se alzó como Mejor película internacional. Era, sin embargo, la única categoría en la que tenía oportunidad.

• Nominados:

  • El agente secreto (Brasil)

  • La voz de Hind Rajab (Túnez)

  • Sirāt (España)

  • Fue sólo un accidente (Francia)

Mejor largometraje de animación

• Ganador:

  • Las guerreras K-Pop (Kpop Demon Hunters)

Sin sorpresas: el Oscar para la película de Sony Pictures Animation estaba cantado desde hace meses, pues Las guerreras K-Pop, con su descomunal éxito en Netflix, también arrasó durante las principales premiaciones de la temporada.

• Nominadas:

  • Amélie y los secretos de la lluvia (Amélie et la métaphysique des tubes)

  • Arco

  • Zootopia 2

  • Elio

Mejor largometraje documental

• Ganador:

  • Un don nadie contra Putin (Mr Nobody Against Putin)

El largometraje documental ganador del Oscar es Un don nadie contra Putin, que explora las maneras en en que el régimen de Vladimir Putin manipula la percepción pública de la guerra contra Ucrania desde la educación pública.

• Nominados:

  • Alabama: Presos del sistema (The Alabama Solution)

  • Abrázame en la luz (Come See Me in the Good Light)

  • Cutting Through Rocks

  • La vecina perfecta (The Perfect Neighbor)

Mejor banda sonora original

• Ganador:

  • Pecadores

Dos años después de ganar el Oscar en la misma categoría por Oppenheimer, Ludwig Göransson se alzó con el premio una vez más gracias a Pecadores. Es su tercera victoria y segunda por una colaboración con Ryan Coogler, pues ganó también por Pantera negra.

• Nominados:

  • Una batalla tras otra

  • Hamnet

  • Bugonia

  • Frankenstein

Mejor canción original

• Ganador:

  • “Golden” (Las guerreras K-pop)

Otro premio cantadísimo hacía mucho tiempo: después de romper las listas de popularidad tanto en Netflix como en plataformas musicales, "Golden", de Las guerreras K-Pop se alzó sobre su principal rival, Pecadores, con el Oscar a Mejor canción original. Con ello, la película de Sony Pictures Animation se llevó los dos premios a los que estaba nominada.

• Nominados:

  • "Dear Me" (Diane Warren: Relentless)

  • “I Lied to You” (Pecadores)

  • “Train Dreams” (Sueños de trenes)

  • “Sweet Dreams of Joy" (Viva Verdi!)

Mejor casting

• Ganador:

  • Una batalla tras otra

El histórico primer Oscar a Mejor casting fue para la directora Cassandra Kulukundis, responsable por reunir al emblemático elenco de Una batalla tras otra. Kulukundis ha trabajado con el director Paul Thomas Anderson en casi todas sus películas, comenzando con Magnolia.

• Nominados:

  • El agente secreto

  • Marty Supremo

  • Hamnet

  • Pecadores

Mejor diseño de producción

• Ganador:

  • Frankenstein

Reafirmando el dominio de las películas de Guillermo del Toro en categorías técnicas, Frankenstein se alzó con Mejor diseño de producción como su tercer premio de la noche. Lógico, dado que antes en la noche, obtuvo los galardones en Maquillaje y Vestuario.

• Nominados:

  • Hamnet

  • Pecadores

  • Una batalla tras otra

  • Marty Supremo

Mejor fotografía

• Ganador:

  • Pecadores

Un Oscar histórico: con su primera nominación al Oscar, la cinefotógrafa Autumn Durald Arkapaw obtuvo su primer premio y, con ello, se convierte en la primera mujer de color en ganar dentro de la categoría.

• Nominados:

  • Una batalla tras otra

  • Marty Supremo

  • Frankenstein

  • Sueños de trenes

Mejor sonido

• Ganador:

  • F1: La película

F1 fue considerada como una de las películas más inusuales entre las nominadas, y no porque no mereciera en las categorías técnicas. Fue aquí, sin embargo, donde tenía más posibilidades de ganar, y se aseguró una victoria en Mejor sonido.

• Nominados:

  • Una batalla tras otra

  • Pecadores

  • Sirāt

  • Frankenstein

Mejor diseño de vestuario

• Ganador

  • Frankenstein

Kate Hawley, diseñadora de vestuario que ha trabajado con Guillermo del Toro en otras películas como Titanes del Pacífico y La cumbre escarlata, se alzó con el premio al Mejor vestuario.

• Nominados

  • Avatar: Fuego y cenizas

  • Hamnet

  • Pecadores

  • Marty Supremo

Mejor maquillaje y peluquería

• Ganador:

  • Frankenstein

Fiel a lo que suele suceder con las películas de Guillermo del Toro, su más reciente logró brillar por apartados técnicos, incluyendo el maquillaje. También se impuso en esta categoría, por encima de la menos vistosa Pecadores y de La hermanastra fea, que fue menos sonada.

• Nominados:

  • La hermanastra fea

  • La máquina: The Smashing Machine

  • Pecadores

  • Kokuho. El maestro del kabuki

Mejor edición

• Ganador:

  • Una batalla tras otra

Garbanzo de a libra para el montajista de Una batalla tras otra, Andy Jurgensen: con su primera nominación, ya es ganador del Oscar por Mejor edición.

• Nominados:

  • Marty Supremo

  • F1: La película

  • Pecadores

  • Valor sentimental

Mejores efectos visuales

• Ganador:

  • Avatar: Fuego y cenizas

Fue un año inusual para James Cameron, pues su tercera entrega de Avatar tuvo un menor impacto que sus predecesoras, tanto en taquilla como en candidaturas a premios. Logró, por lo menos, hacerse con una sola estatuilla por Mejores efectos visuales.

• Nominados:

  • F1: La película

  • Jurassic World: Renace

  • Pecadores

  • A través del fuego (The Lost Bus)

Mejor cortometraje de ficción

• Ganadores:

  • Los cantores rusos (The Singers)

  • Dos personas intercambiando saliva (Two People Exchanging Saliva)

La noche trajo una sorpresa en la forma de un empate en la categoría de Mejor cortometraje de ficción. Primero se premió a Los cantores rusos, y posteriormente se entregó el Oscar también a Dos personas intercambiando saliva. Se trata de apenas el séptimo empate en las 98 ediciones de la premiación.

• Nominados:

• A Friend of Dorothy

• El drama de época de Jane Austen (Jane Austen's Period Drama)

• El carnicero (Butcher's Stain)

Mejor cortometraje documental

• Ganador:

  • Todas las habitaciones vacías (All the Empty Rooms)

• Nominados:

  • Armado solo con una cámara: Vida y muerte de Brent Renaud (Armed Only with a Camera: The Life and Death of Brent Renaud)

  • Children No More: "Were and Are Gone"

  • El diablo no descansa (The Devil Is Busy)

  • Perfectly a Strangeness

Mejor cortometraje de animación

• Ganador:

  • La chica que lloraba perlas (The Girl Who Cried Pearls)

• Nominados:

  • Butterfly (Papillon)

  • Forevergreen

  • Plan de jubilación (Retirement Plan)

  • The Three Sisters

De acuerdo, hay quienes prefieren ver películas y series en sus idiomas originales, por las respetables razones que sean. Sin embargo, el doblaje también tiene sus ventajas, pues para efectos prácticos, hace accesible una obra para quien no tiene la capacidad necesaria de lectura para los subtítulos.

Pero en muchos casos, puede resultar que las versiones dobladas pueden ir más allá de respetar la esencia de las originales, para convertirse en iteraciones todavía mejores o más divertidas. Tal es el caso de las siguientes películas y series que consideramos mejoradas por el doblaje mexicano, y que no podemos imaginar de otra forma que no sea en español latinoamericano.

1. Malcolm el de en medio (2000-2006)

He aquí un clásico de la televisión que no sólo es mejor con el doblaje mexicano, sino que esto podría ser la explicación de por qué fue tan abrazada en América Latina mientras que pasó con relativa tibieza en su país de origen.

Las desventuras del prodigio Malcolm Wilkerson (Frankie Muniz) y su disfuncional familia en Malcolm el de en medio (Malcolm in the Middle) está grabada con fuego en nuestra memoria auditiva gracias al trabajo de doblaje, comenzando por Carlos Díaz como el protagonista, pero también por actores como Alejandro Mayén (Hal), Lalo Garza y Enzo Fortuny (Francis), y Jorge Alexey Mayén (Dewey). Pero nada como la voz regañona de Magda Giner (Lois), que prácticamente podemos oír cuando vemos algún meme inspirado en la serie.

2. Las locuras del emperador (2000)

Aunque ya es considerada un amado clásico de Disney en retrospectiva, Las locuras del emperador (The Emperor’s New Groove) fue una de esas películas que pasó medio desapercibida por no alcanzar las imposibles expectativas sentadas por Tarzán y, por extensión, el período conocido como el “Renacimiento de Disney”.

Sin embargo, y sin ser un musical, esta película es una genialidad cómica que sólo es mejorada por el doblaje mexicano, desde la voz de Jesús Barrero como el sardónico Kuzco, a la inconfundible voz profunda y masculina de Rubén Cerda como el torpe compinche Kronk. Pero nadie más icónica aquí que Mayra Rojas, quien pasará a la posteridad por generaciones como la voz de la villana Yzma: “¡Era la oooootraaaaaa!”.

3. Dragon Ball Z (1989-1996)

El público latinoamericano ha demostrado una particular afinidad por el anime, una de las mayores exportaciones culturales de Japón. Los motivos son numerosos y complejos, pero es innegable que el doblaje mexicano es uno de ellos. Y uno de los grandes casos de éxito fue, sin duda, el de Dragon Ball Z (algo que podríamos decir de toda la franquicia, en realidad).

Sin embargo, esta etapa del anime, que narra la adultez del protagonista Goku, es la más recordada de todas no sólo por su extensión y permanencia, sino también por introducir a varios de los personajes más icónicos de toda la saga, como Vegeta y el villano Freezer, además de brindar mayor protagónico a antihéroes como Piccolo. Y, con ello, quedaron inmortalizadas las voces de Mario Castañeda, René García, Gerardo Reyero y Carlos Segundo en las mentes de generaciones de niños y adultos por igual.

4. Shrek (2001)

No vamos a decir que el trabajo de Mike Myers, Cameron Diaz y Eddie Murphy no es excelente en la versión original de Shrek. O lo que es lo mismo: no hay, en sí, nada que “mejorar” per se. ¿Pero qué latinoamericano, en su sano juicio, prefiere la banda sonora en inglés teniendo la versión mexicana?

Y podrá decirse lo que sea sobre Eugenio Derbez, pero su trabajo en el doblaje latinoamericano de la película es una demostración de las inmensas posibilidades creativas que puede ofrecer en un proyecto determinado. En resumidas cuentas: la localización—de “hacer local”—vuelve el producto final mucho más identificable. Para nosotros, nunca será más divertido “in the morning, I’m making waffles” que “y en la mañana, yo preparo los tamales”. Esta forma de pensar la localización sería heredada por las secuelas, con particular mérito para el Gato con Botas (interpretado por Antonio Banderas en ambas versiones).

5. Monsters, Inc. (2001)

En términos generales, las producciones de Pixar suelen tener un doblaje impecable—ahí está Toy Story, también con Carlos Segundo y José Luis Orozco dictando cátedra como Woody y Buzz—. Sin embargo, a pesar de ser una película menos popular del estudio, el de Monsters, Inc. es un doblaje genial.

No sólo porque las interpretaciones vocales de Víctor Trujillo (Sully) y Andrés Bustamante (Mike) son impecables en su comicidad y emotividad, sino porque la localización, una vez más, añade matices culturales que lo vuelven todavía mejor para los latinoamericanos. Ahí tenemos el tono de voz fresa de Celia con la interpretación de Alma Wilheleme, y por supuesto, el divertido testimonio de Lanky (voz en español de Mario Filio). ¿No recuerdas quién es? Una pista para leer con acento ríoplatense: “¡un niño voló sobre mí y voló un auto con su rasho láser!”.

6. Matilda (1996)

Aquí tenemos un clásico infantil que marcó a toda una generación de latinoamericanos gracias al doblaje, pero con un detalle: Matilda, como la recordamos la mayoría, fue sujeta a un redoblaje. Es decir, fue estrenada en cines con un primer elenco, que fue sustituido por otro que dobló todo de nuevo. Esta es la versión que conocemos y recordamos la mayoría.

Y todos tenemos grabada en la cabeza a la protagonista gracias al trabajo de Cristina Hernández, leyenda del doblaje que también reconocemos por series como Sakura Card Captors o como la voz oficial en español de Lindsay Lohan. ¿Y Tronchatoro? Fenomenal Magda Giner como la intimidante villana de incontables infancias (“¿eres africana, Amanda?”). Y no olvidemos a Humberto Vélez en el rol de Harry Wormwood, el papá de Matilda interpretado por Danny DeVito. Y hablando de Humberto Vélez…

7. Los Simpson (1989-actualidad)

¿Qué sería de Los Simpson sin Homero? Y vamos más lejos, ¿qué sería de Los Simpson en América Latina sin el doblaje? La longeva serie animada concebida por Matt Groening es otro ejemplo paradigmático del impacto de la localización. Y no necesariamente porque la versión en español latino esté llena de modismos, pero ciertas expresiones e inflexiones han hecho de Springfield un lugar que podría existir en cualquier lado, incluyendo América Latina.

Esto es gracias al trabajo legendario de actores como Humberto Vélez (Homero), Nancy MacKenzie (Marge), Marina Huerta (Bart), Patricia Acevedo (Lisa) y otros, que han doblado la serie durante la mayor parte de su duración, e inmortalizándola en el imaginario colectivo latinoamericano hasta convertirla en fuente inagotable de memes que explican el mundo.

Te entendemos: entrar a redes sociales o encender las noticias en la televisión despierta pensamientos un tanto apocalípticos. Como de una posible, casi inminente Tercera Guerra Mundial. Y el pensamiento podría ser un poquito más alarmante si eres conocedor de la saga Star Trek.

Verás, se trata de un hito fundamental para su mitología ficticia, lo cual podría parecer fuera de tono para una saga definida por su visión optimista para el futuro de la civilización humana. Sin embargo, dentro de la ficción de Star Trek, la Tercera Guerra Mundial sí arranca en 2026. ¿Predicción o alucinación implausible? Esto es lo que dice la saga sobre este posible evento:

¿Qué es y cuándo se menciona la Tercera Guerra Mundial en Star Trek?

El concepto de la Tercera Guerra Mundial es introducido en los propios inicios de la saga, con la serie televisiva original (también llamada Viaje a las estrellas, 1966-1969). Aquí conocemos los primeros detalles sobre el conflicto, aunque no el marco de tiempo en el que sucede.

La serie clásica refiere que un hombre, el Coronel Phillip Green (Phillip Pine) inició una guerra ecoterrorista que involucró detonaciones nucleares y la pérdida de casi el 30% de la población humana, la destrucción de las principales ciudades y la extinción de incontables especies animales y vegetales.

Una serie posterior, Star Trek: Enterprise (2001-2005) expandió algunos detalles, como que Green estaba obsesionado también con la aniquilación de humanos afectados por la radiación resultante, para evitar que transmitieran mutaciones a las futuras generaciones. Con esto, el conflicto toma una faceta eugenésica.

En otras iteraciones de la saga, sin embargo, esto fue nombrado como un conflicto separado, conocido como las Guerras Eugenésicas. Retroactivamente, sin embargo, ambos incidentes han sido integrados como parte de una misma escalada.

¿Cuándo se identifica en Star Trek el año 2026 como el inicio de la Tercera Guerra Mundial?

La Tercera Guerra Mundial es aludida de forma más vaga en las primeras entregas de la franquicia. Fue en la película Viaje a las estrellas: Primer contacto (octava de toda la franquicia y segunda con el elenco de Star Trek: La nueva generación), de 1996, que se puso una fecha específica al conflicto: comenzó en 2026.

Títulos posteriores, como la serie Star Trek: Discovery (2017-2024) y Star Trek: Strange New Worlds (2022-actualidad) marcan, incluso, una conclusión para el conflicto en 2053. Hasta ese punto, se seguían arrojando bombas nucleares en ciudades tan grandes como Nueva York o París. Esto condujo al cese al fuego que pondría fin a la guerra.

¿La Tercera Guerra Mundial y las Guerras Eugenésicas son lo mismo en el mundo de Star Trek?

Inicialmente, no lo eran. En las entregas más tempranas de la saga, las Guerras Eugenésicas estaban situadas en los años 90. Sin embargo, conforme la franquicia continuaba y el tiempo avanzaba, esa década se convirtió en la actualidad y no en un futuro inespecífico.

Por ello, usando el argumento de viajes temporales y cambios en la cronología, series posteriores han cambiado los datos de manera retroactiva. En Strange New Worlds, se menciona que el último gran conflicto humano tuvo nombres intercambiables, entre ellos, la Segunda Guerra Civil, las Guerras Eugenésicas y, finalmente, la Tercera Guerra Mundial.

¿Por qué Star Trek habla de una Tercera Guerra Mundial?

Para el espectador neófito, podría sonar contradictorio hablar de una guerra tan devastadora en el contexto de Star Trek, una saga del cine y la televisión conocida por una visión optimista del futuro de la humanidad, en el que cuestiones como la desigualdad, las enfermedades y las propias guerras parecen cosa lejana.

Sin embargo, la razón por la que Star Trek aborda la Tercera Guerra Mundial viene de un principio sencillo: a veces, para que las cosas mejoren, se tienen que poner mucho peor. En la mitología de la franquicia, la humanidad necesitó tocar su punto más bajo, oscuro y devastador para finalmente comenzar a construir su prometedor futuro.

Así que… ¿quizá podemos interpretarlo como que hay luz al final del túnel?

Si estás aquí es porque, probablemente, te encantan las películas. Tanto que te gustaría pasártela en una sala de cine, o incluso en la sala de tu propia casa frente al televisor. Sin embargo, al aterrizar el sueño cinéfilo a la realidad, nos encontramos con un problema: hay tanto por ver, que es difícil saber dónde comenzar. Lo peor de todo es apostar a ciegas por una película… y que resulte ser un bodrio.

Para eso estamos aquí. Si tienes pocas horas para invertir en el cine este fin de semana, aquí te recomendamos las cinco mejores películas que merecen tu tiempo. Además, consideramos un factor adicional: es fin de semana del Oscar, así que algo podrás ver al respecto.

Amélie y los secretos de la lluvia (2025)

Podemos verlo venir desde ahora: de entre todas las nominadas al Oscar 2026, la más injusta perdedora será Amélie y los secretos de la lluvia. No tiene probabilidad de ganar en la categoría en la que está nominada, Mejor película de animación—ya está cantado que será Las guerreras K-Pop—, pero se llevaría el premio si la vida fuera justa.

Y vamos, nada en contra de la probable ganadora, pero es que lo que consigue la película inspirada en la novela de Amélie Nothomb es de una humanidad sublime, conmovedora y reveladora. Entre metafísica, pinceladas impresionistas y animación que recuerda a Hayao Miyazaki, la película narra la historia de una niña de tres años conforme descubre su conciencia, su joie de vivre, el amor y la pérdida. Lleva pañuelos: vas a llorar muchísimo.

El agente secreto (2025)

Brasil va que vuela para el doblete en el Oscar a Mejor película internacional con El agente secreto, dirigida por Kleber Mendonça Filho—a menos que Valor sentimental dé la sorpresa y tenga algo que decir—.

Esta película tomará la mayoría de tus tres horas, pero cuenta una historia tan apasionante en su cinefilia, como crucial en su discurso para tiempos actuales. En tiempos de la dictadura militar en Brasil, un profesor disidente (Wagner Moura) huye al noreste, a Recife, para refugiarse bajo un nombre falso y poder contactar con su familia. La narrativa se desarrolla con varios saltos en el tiempo, entre el pasado de la dictadura y el presente en el siglo XXI, para brindar pertinentes reflexiones sobre la memoria histórica, el colonialismo y los medios de comunicación.

La única opción (2025)

La mejor película completamente ignorada por el Oscar 2026. La oscura comedia La única opción, del veterano cineasta surcoreano Park Chan-wook (Oldboy), quizá resultó discursivamente incómoda para algunos votantes de la Academia. Sólo así nos explicamos que no haya estado nominada.

Pero si te la perdiste en cines, ya podrás disfrutar en streaming de la perversa espiral descendente que Man-su (Lee Byung-hun de El juego del calamar) experimenta cuando es repentinamente despedido del trabajo bien pagado al que ha dedicado toda su vida. La desesperación por la pérdida de estatus y la imposibilidad de conseguir nuevo empleo lo lleva a una conclusión: tiene que eliminar, literalmente, a su competencia. Una genial comedia para reflexionar sobre la voracidad depredadora del capitalismo.

La actriz (2001)

Si te gusta la animación—y el anime, particularmente—y no te has enterado, en cines hay una retrospectiva con tres de las cuatro películas de un maestro: Satoshi Kon. Podrás ver Perfect Blue, Paprika y La actriz (Millenium Actress).

Si sólo puedes ver una, recomendamos la última de las mencionadas, una película sobre un productor y amante del cine que realiza un documental sobre una legendaria actriz que se retiró y recluyó tan repentina como misteriosamente. A lo largo de la narrativa—inspirada en la icónica actriz Setsuko Hara, quien trabajó con directores como Yasujirō Ozu (Cuentos de Tokio)—, se desdibujan las fronteras entre su historia y las de sus películas, revelando una vida en persecución del amor por medio del arte que también es un homenaje a las emociones que el cine despierta en nosotros.

La semilla del fruto sagrado (2024)

Hay grandes propuestas del cine iraní profundamente políticas, y con el país asiático en el ojo del huracán geopolítico, es importante no caer en simplismos ni pretender que una sola película puede explicar lo que sucede.

Sin embargo, si quieres conocer una arista de la inestabilidad social que ha atravesado el país en la última década, recomendamos ver La semilla del fruto sagrado, del cineasta iraní Mohammad Rasoulof (al igual que Fue solo un accidente, de su compatriota Jafar Panahi, compitió por el Oscar). A partir de la vida de una familia—un padre, conservador y juez investigador, su esposa y sus dos hijas—, la película explora la ebullición social por las protestas por el asesinato (real) de una joven mujer a manos de la policía religiosa islámica, así como la subsecuente represión violenta de las protestas. La película ilustra cómo una sociedad puede colapsar desde dentro por la enemistad y por la inestabilidad social en su interior.

Colman Domingo es uno de esos actores que, para el aficionado al cine, podría parecer “salido de la nada”, forjando una sólida filmografía en cuestión de unos años. Sin embargo, ha tenido una renombrada carrera en el teatro y lleva más de una década trabajando de forma consistente en un gran papel tras otro en la pantalla, amasando vasto reconocimiento en los años más recientes.

Su perfil no hará más que crecer con el estreno en 2026 tanto de El día de la revelación (Disclosure Day), de Steven Spielberg, como de la biopic Michael, donde interpretará al patriarca de la familia Jackson, el productor Joe Jackson. Para conocer más sobre su gran trayectoria, seleccionamos las ocho mejores películas y series de Colman Domingo, rankeadas del último al primer puesto.

8. La locura (2024-actualidad)

Un comentarista de la televisión (Colman Domingo) presencia, por accidente, un asesinato en las montañas Pocono. Con los culpables intentando silenciando y la justicia a nada de incriminarlo, él debe ir a distancias cada vez más extremas para limpiar su nombre y proteger a su familia.

La locura (The Madness) es una intensa serie de crimen y conspiraciones sobre un hombre perseguido por circunstancias mucho más grandes que él, en un tenor similar a clásicos como El fugitivo con Harrison Ford, o El complot con Julia Roberts y Mel Gibson. Se pasa un poco de didactismo por momentos, pero demuestra que Domingo es capaz de protagonizar lo que sea, sin importar si es comedia o acción.

7. La madre del blues (2020)

La formidable biopic La madre del blues (Ma Rainey’s Black Bottom), situada en el Chicago de 1927, es una pieza con un formidable ensamble que incluye a Chadwick Boseman, Viola Davis, Glynn Turman y más talentos en una historia sobre una de las figuras más prominentes del blues, la lucha por el control de su música, y la propia evolución del género con los tiempos, con un tono punzante que incluso complementa a películas posteriores como Pecadores (Sinners).

Colman Domingo es aquí parte del ensamble, interpretando a Cutler, uno de los músicos en la banda de Ma Rainey, con quien el joven trompetista Levee tiene fuertes diferencias ideológicas, lo que conduce uno de los más importantes hilos temáticos de la película. Colman es carismático e incisivo en tensos uno a uno con el personaje de Boseman—uno de los últimos grandes trabajos del joven actor, estrenado de forma póstuma—.

6. Fear the Walking Dead (2015-2023)

Luego de años más dedicado al teatro, con participaciones más esporádicas en pantalla, Colman Domingo comenzó a trabajar de manera más prolífica y consistente en cine y televisión a partir de 2012 (con papeles en películas prominentes como Lincoln y Selma). Pero la joya en la corona de ese comeback fue, sin duda, la serie Fear the Walking Dead.

En esta serie, el primer y más duradero spin-off de The Walking Dead, Domingo brinda otra demostración de su versatilidad al interpretar a un manipulador antihéroe, Victor Strand, uno de los personajes moralmente más grises y conflictivos de la franquicia. No es un villano puro y duro, pero el carisma del actor lo vuelve un personaje extremadamente fascinante cuando sus intereses entran en conflicto con los héroes más derechos de la serie.

5. Euphoria (2018-2026)

Euphoria, serie creada por Sam Levinson, lanzó las carreras de varias de sus jóvenes estrellas, notablemente Zendaya, Jacob Elordi y Sydney Sweeney, con su sórdida historia que explora temas como la adicción, la salud mental, la sexualidad y la búsqueda de identidad entre adolescentes estadounidenses.

Colman Domingo interpreta a Ali Muhammed, un adicto en recuperación que se convierte en un guía para la protagonista, Rue (Zendaya). El papel le valió el Emmy como Mejor actor invitado en una serie de drama por el episodio “Reflexiones: grandes y pequeños matones” de la segunda temporada. Incluso es protagonista de uno de los especiales—en sí mismo uno de los mejores episodios de toda la serie—, en el que Ali y Rue se sinceran sobre la adicción y el daño que han hecho a sus familias. La calidez de Domingo es la que sostiene todo el mensaje del episodio, y que lo legitima como la guía para Rue.

4. Si la colonia hablara (2018)

En Si la colonia hablara (If Beale Street Could Talk), segunda película del director Barry Jenkins después de la exitosa Luz de luna (Moonlight), Colman Domingo tiene un papel más pequeño en comparación al de sus coestrellas (específicamente KiKi Layen y la oscarizada Regina King, respectivamente su hija y esposa en la película). Sin embargo, es un rol poderoso por su empatía y calidez también.

La película, basada en una novela de James Baldwin, sigue a una joven mujer que busca la ayuda de su familia para probar la inocencia de su prometido y sacarlo de prisión, antes de que nazca el bebé de ambos. Domingo brinda a una figura paterna que irradia amabilidad, firmeza y compasión, vital para el mensaje de unión de la comunidad que presenta la película.

3. El color púrpura (2023)

Muchos están divididos entre la versión anterior y esta otra musical de El color púrpura (The Color Purple), pero todos estarán de acuerdo que uno de los mejores elementos de esta última es Colman Domingo como Albert “Mister” Johnson, el odioso, abusivo y misógino granjero con el que la protagonista, Celie (Fantasia Barrino), es obligada a casarse.

El personaje tampoco es lo más matizado o desarrollado en la novela original de Alice Walker en que se basan ambas películas, pero Domingo brinda su presencia singular para interpretarlo de la manera más despreciable posible, con un añadido: aquí podemos escuchar su potente voz, otra muestra de su enorme versatilidad y talento como actor.

2. Rustin (2023)

Dato curioso—y un tanto indignante—: antes de Rustin, Colman Domingo no tuvo un papel protagónico, pues siempre interpretó roles secundarios o como parte de ensambles mayores. Como otra muestra de su poder como actor, su primer protagónico fue suficiente para ameritar su primera nominación al Oscar como Mejor actor, incluso si no ganó.

Aquí interpreta a Bayard Rustin, activista gay que participó en el Movimiento por los derechos civiles en Estados Unidos, y que fue instrumental en la marcha de 1963 en Washington. Domingo es fenomenal en el papel, haciendo eco del potencial que ya demostraba casi una década antes en Selma, de temática similar pero de casi una década antes.

1. Las vidas de Sing Sing (2024)

La segunda nominación de Colman Domingo—al hilo, cabe destacar—vino con su protagónico en Las vidas de Sing Sing, un drama tan poderoso en su temática como singular en su naturaleza.

La película, basada en hechos, sigue a un grupo de hombres en la penitenciaría homónima, que hacen teatro dentro de la prisión como parte de un programa que utiliza las artes como medio para la reinserción social. Y en cumplimiento de esa promesa, buena parte del elenco está conformado por expresidiarios y exintegrantes del programa. Domingo es excelente dando vida a John "Divine G" Whitfield, quien fue estrella del programa y que luchó por varios años para probar su inocencia y recuperar su libertad. Si eres fan de Sueño de fuga (The Shawshank Redemption), la vas a amar.

La temporada de premios 2025-2026 está por llegar a su fin con la 98ª entrega de los Premios de la Academia, uno de los eventos cinematográficos más populares del año. Llamada por muchos “la gran fiesta del cine”—al menos en lo que se refiere a Hollywood—, la gala es organizada por la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas (AMPAS, por sus siglas en inglés).

La fiesta también incluye a los cinéfilos, que ven todas las películas nominadas—o al menos las principales—y siguen fielmente la transmisión de la ceremonia. ¿Ese eres tú? A continuación te decimos cuándo son los Oscar 2026 (fecha y horario), cómo ver la premiación, y más detalles sobre la gala.

¿Cuál es la fecha y hora para ver los Oscar 2026?

La 98ª entrega de los Oscar será el domingo, 15 de marzo de 2026.

La transmisión comenzará a las 16:00 horas (tiempo de la Ciudad de México) con la alfombra roja, para comenzar la ceremonia de premiación alrededor de las 17:00 horas.

¿Cómo puedo ver los Premios de la Academia 2026 en México?

Existen dos formas para ver la entrega del Oscar 2026 en México: streaming y televisión tradicional.

Si lo tuyo es el streaming, podrás ver la transmisión en HBO Max a partir de las 16:00 horas. Si, por el contrario, prefieres la televisión convencional, tienes dos opciones:

• Por cable: el canal TNT (con la misma transmisión que en HBO Max)

• Por TV abierta: Azteca 7 de TV Azteca

Además, la Academia realizará transmisiones especiales tras bambalinas en sus canales oficiales, como YouTube y TikTok.

¿Dónde se llevará a cabo la entrega de premios?

Como cada año, la gala de premiación se llevará a cabo en el Dolby Theatre de los Ángeles, ubicado en el icónico Hollywood Boulevard—el mismo donde se encuentra el Paseo de la fama—.

¿Quién será el maestro de ceremonias?

La ceremonia será conducida por el comediante y actor Conan O’Brien, repitiendo su rol del año anterior. La Academia decidió mantenerlo luego de que la entrega de premios de 2025 consiguió el mayor número de audiencia de los cinco años previos.

El año pasado, O’Brien demostró la capacidad de conducir un show de tres horas con un equilibrio difícil de lograr: mantener el hilo de la ceremonia, con el mismo nivel de cariño e irreverencia hacia los asistentes, y con suficientes comentarios sobre actualidad sin convertir el asunto en un mítin político.

Apostamos a que Conan lo hará muy bien de nuevo. Tendría que suceder algo catastrófico, como un actor golpeando a otro en pleno escenario, para que la cosa se descarrile.

¿Por qué habrá menos presentaciones musicales en la ceremonia?

Sí, pero pocos. La tradición de los Premios de la Academia es que haya un número por cada uno de los cinco nominados a Mejor canción original.

Sin embargo, en la ceremonia del Oscar 2026, sólo tendremos dos presentaciones: “Golden” de Las guerreras K-Pop y “I Lied to You” de Pecadores.

AMPAS brindó una breve explicación sobre el motivo de esta reducción en las presentaciones en una carta (vía Variety), en la que el organismo expresó las limitaciones del tiempo de la transmisión, más la adición de una nueva categoría a la premiación, y el deseo de mantener un show entretenido.

¿Cuál es la nueva categoría en el Oscar 2026 y qué premia?

A lo largo de la historia del Oscar, conforme el propio cine se ha transformado, se han incrementado o reducido categorías de la premiación (en alguna época, por ejemplo, se premiaban por separado fotografía a color y fotografía en blanco y negro). A partir del Oscar 2026, AMPAS integrará la categoría de Mejor casting.

¿De qué se trata? Es importante hacer una distinción. Mejor casting no premia al trabajo actoral de un elenco completo per se (es decir, no es equivalente al premio a Mejor reparto que sí existe en los Premios del Sindicato de Actores, por ejemplo). Lo que la categoría busca reconocer será el trabajo en la selección de un elenco.

Es decir, entran en juego consideraciones como la selección de un actor o actriz ideal para un papel, la complementación entre los intérpretes, la manera en que el conjunto construye a la identidad y tono de una película, además de decisiones arriesgadas que se sostengan bajo una lógica dramática, y no solo por el peso de un nombre famoso.

¿Cuáles son las películas más nominadas y quiénes podrían ganar?

Te recomendamos revisar la lista completa de nominados al Oscar 2026.

Sin embargo, si no estás al tanto o no has visto todas las candidatas, lo que debes saber es que Pecadores es la líder de nominaciones, con posibilidad de 16 estatuillas. De hecho, con esto ya ostenta el récord histórico de nominaciones. El récord anterior era de 14 nominaciones, sentado por La malvada (All About Eve) de 1950, y que fue igualado por última vez por La la Land, de 2016.

Su rival más cercana—y fuerte—es Una batalla tras otra (One Battle After Another), de Paul Thomas Anderson, con 13 nominaciones. Cabe destacar que esta película ha barrido en casi todas las premiaciones, incluyendo los Globos de Oro—un indicador relativamente confiable para el Oscar—, por lo que ésta podría arrebatarle a Pecadores la mayoría de los premios en los que comparten nominaciones, sobre todo dos de las principales: Mejor película y Mejor dirección.

Atrás vienen, empatadas con nueve nominaciones cada una, Frankenstein de Guillermo del Toro, Valor sentimental y, manchada de polémicas, Marty Supremo. Por un lado, las desafortunadas declaraciones de Timothée Chalamet respecto al arte de la ópera—que muy probablemente lastimaron sus posibilidades de Oscar—, así como un escándalo que motivó el divorcio creativo de su director, Benny Safdie, con su hermano Benny.

Esto, sin embargo, parece liberar la carrera de Mejor actor para Michael B. Jordan por Pecadores. Sin embargo, no es una carrera ganada, y tampoco sería insólito que Leonardo DiCaprio, Ethan Hawke o incluso Wagner Moura den la sorpresa.

En la categoría de Mejor actriz, sin embargo, la cosa está más clara. Jessie Buckley ha arrasado en prácticamente todas las premiaciones hasta este punto por su actuación en Hamnet—que suma ocho nominaciones—, por lo que vemos difícil que Rose Byrne dé la sorpresa por Si pudiera, te patearía.

La saga de Toy Story continuará con Woody, Buzz, Jessie y compañía enfrentándose a una nueva amenaza a sus propósitos existenciales en Toy Story 5. En esta ocasión, los juguetes serán hechos a un lado no porque su niña, Bonnie, haya alcanzado la madurez como Andy en la tercera entrega, sino porque hay una nueva forma de entretenimiento en la casa: una tablet llamada Lilypad.

Aunque parece que la película tendrá varias sorpresas, la tablet—con voz de Greta Lee, de Vidas pasadas—será su villana central… aunque también suena a que, de paso, se convertirá en la villana más problemática de toda la saga de Pixar. Además de plantear varias cuestiones sobre la relación de las infancias con la tecnología, va a romper la lógica de este mundo. ¿No nos crees? A continuación te explicamos cuál es el problema con Lilypad.

Primero, ¿qué o quién es Lilypad?

Lilypad es, como ya dijimos, una tablet. Específicamente, es un dispositivo infantil, cuyo nombre hace referencia a dos cosas: la popular iPad de Apple, y también a las ranas que informan su diseño (en inglés, lily pad se traduce a hoja de lirio, comúnmente usadas por las ranas para flotar en el agua).

Por ello, también alude a la LeapPad, una serie de tabletas educativas para infancias creadas por la compañía de electrónicos LeapFrog. Estas, incluso, tienen una mascota: una rana llamada Lily.

Sin embargo, estas eran más limitadas en sus funciones, pues al ser dirigidas a niños, eran esencialmente juguetes. Y a juzgar por lo que hemos visto hasta el momento de la redacción, Lilypad no está limitada: hace todo lo posible por mantener la atención de Bonnie en la pantalla. Es, antes que nada, un gadget.

¿Lilypad es un juguete?

No, o al menos no aparece clasificada como tal en la Wiki de Disney. En ella, es descrita como “el primer objeto no-juguete que es antagonista en la franquicia de Toy Story”.

Puede parecer algo menor, e incluso puede pasar desapercibido por algunos. Después de todo, muchos niños usan tablets como juguetes en el día a día. Pero he ahí el meollo del asunto: en un mundo donde los juguetes cobran vida cuando no los vemos, Lilypad es un dispositivo que cobra vida. Y eso es un problema que rompe la lógica de la saga.

¿Cuál es el problema con Lilypad?

Si Lilypad como tablet, no juguete, puede cobrar vida en el mundo de Toy Story, ¿qué detiene a otros objetos de tener conciencia de sí mismos? Digamos, por ejemplo, un teléfono y un reloj inteligentes. O, tal vez, algo tan simple como una silla. Y vaya, si vamos a ser incluyentes, las posibilidades son infinitas: ¿qué tal una estufa o un bidet?

Esto destapa una caja de Pandora que, si bien no es tan horripilante como la de Cars y sus teorías de pesadilla—anda, ve y googléalo—, sí tiene otras implicaciones que podrían llevar la saga de Toy Story a territorios muy extraños.

¿Pero lo de Lilypad no es lo mismo que sucede con Forky?

Bueno, sí y no. Es cierto que, técnicamente, Forky no es originalmente un juguete: es creado con un “cuchador” y varios materiales de papelería, como limpiapipas y ojitos móviles.

Sin embargo, nace y cobra conciencia por obra y gracia del pegamento y la designación que Bonnie le da como juguete “hecho a mano”. Que, si miramos con lupa, muchos juguetes lo son, sobre todo si son antiguos.

La diferencia es que Forky fue creado con el objetivo específico de jugar. Lilypad, en cambio, es un gadget con tantas funcionalidades que bien podría desatar la era de Skynet sobre Bonnie y los demás juguetes.

Lilypad es tus pesadillas de IA hechas realidad

Y este es el asunto: Lilypad encarna la pérdida de inocencia de Toy Story. Lejos quedaron los días, hace más de 30 años, que lo peor que podía pasarle a Woody era que su rival tuviera baterías y un rayo láser.

La tablet de ranita es lo que sueñan todos los techbros de Silicon Valley: un dispositivo que cobre plena conciencia de sí mismo para hacer lo que quiera con su usuario, como tenerlo pegado a la pantalla para caer por una oscura madriguera de conejo en “Ribbit” (como Reddit, pero en Lilypad).

Y eso sin imaginar que, un día, se conecte al Wi-Fi y venda tus datos privados, te haga deepfakes, hackee tus tarjetas de crédito u obtenga los códigos nucleares. Pero esto es Pixar: tampoco nos vamos a meter en escenarios apocalípticos, ¿verdad?

¿Verdad?

Inmortalizado en el canon de la música como el “Rey del Pop”, Michael Jackson vuelve a estar bajo los reflectores del imaginario popular con la biopic Michael, protagonizada por su sobrino, Jaafar Jackson, y dirigida por Antoine Fuqua.

Sin embargo, está lejos de ser la primera producción del cine o la televisión protagonizada por, o sobre, el icónico artista. El estreno de la biopic es un buen momento para descubrir otras películas y documentales de Michael Jackson, que revelan tanto sus momentos más brillantes, como los más polémicos.

Moonwalker (1988)

Hay que comenzar con Michael Jackson en lo más alto de su fama y capacidad artística, y para ello, no hay mejor punto de partida que Moonwalker.

Parte aventura juvenil contada en videoclips, parte fantasía y ciencia ficción psicodélica, parte retrospectiva documental y toda una alucinante antología musical (piensa en Purple Rain de Prince, pero en otra escala), es una película que brinda tanto un acercamiento a Jackson en la cumbre de sus poderes, pero que también presenta al artista reflexionando sobre la cultura del fan, y el recibimiento de sus seguidores en su particular caso.

Los Jackson (1992)

Ya habiéndolo visto en la cima, es momento de ir tras bambalinas. Los Jackson (The Jacksons: An American Dream) es una miniserie biográfica que dramatiza la vida y ascenso a la fama de The Jackson 5, la banda de hermanos que marcaría el inicio de la meteórica trayectoria del menor, Michael.

Es una narrativa que te recordará, en más de un sentido, a la de la posterior Rey Richard: alineada a los valores del sueño americano, dramatiza—e idealiza, un poco—la lucha de la familia por prestigio, fama y éxito musical, con Angela Bassett como la madre, Katherine Jackson; Lawrence Hilton-Jacobs como el padre y agente, Joseph; y Jason Weaver como Michael.

Dejando Neverland (2019)

Dejando Neverland (Leaving Neverland) es un documental de Dan Reed (Alex Jones: Una guerra contra la verdad) que nace de uno de los aspectos más polémicos, cuestionados y herméticos alrededor de la vida de Jackson: las acusaciones de abuso sexual de menores en su contra.

El documental sigue los casos de dos hombres, Wade Robson y James Safechuck, que acusaron a Jackson del crimen, con la información complementada por diversos testimonios. La producción, originalmente estrenada en HBO, despertó polémica y acusaciones de difamación por parte de la familia de Jackson, sobre todo dadas declaraciones previas de Robson (que eximían al artista), más testimonios de otras personas que han enturbiado las aguas. Una secuela, Leaving Neverland 2: Surviving Michael Jackson, documenta el proceso para llevar ambos casos a tribunales.

This is It (2009)

Meses antes de su muerte, el 25 de enero de 2009, Michael Jackson se encontraba preparando una residencia de conciertos para llevarse a cabo en Londres entre julio de 2009 y marzo de 2010. Obviamente, el proyecto fue cancelado, pero existían horas de material filmado tras bambalinas sobre ensayos, audiciones y diseño de vestuarios.

Tras el deceso de Jackson, se decidió compilar el material en un documental que llevó el nombre de la residencia, This is It. No es realmente una película de conciertos con la magnificencia de una de Taylor Swift, sino una despedida: es ver a Jackson, su salud aparentemente en declive, preparando una presentación que no llegó a realizar, el último testimonio del artista en proceso de trabajo.

Michael Jackson como actor

Además de las películas sobre su trayectoria, Michael Jackson también tuvo contadas apariciones en el cine como actor. Fueron pocas y esporádicas, pero memorables.

La más sustancial fue como el Espantapájaros en El mago (The Wiz), una de las adaptaciones de El mago de Oz más inusuales, al trasladar la historia al contexto urbano de Broadway y con Diana Ross como Dorothy (aquí una maestra de escuela). Aunque fallida en taquilla y crítica en su momento, hoy es un interesante clásico de culto.

Claro que el anterior podrá haber sido su rol cinematográfico más desarrollado, pero no el más memorable. Ese honor corresponde a Hombres de negro II (Men in Black 2), donde tiene un breve cameo como sí mismo… solicitando unirse a la agencia como Agente M. Un momento muy meta, pues Jackson amaba la película original y él mismo solicitó tener un cameo en la secuela.

Su último rol fue en la parodia No es otra tonta comedia americana (Miss Cast Away and the Island Girls), una película al estilo de Scary Movie, sobre un grupo de náufragos en una isla. Jackson interpreta al Agente MJ, quien por órdenes del Vaticano transmite un mensaje para manipular a los náufragos y que así no intervengan con los intereses de la organización. Parodiando, un poco, su propio rol en Hombres de negro II.

The Boys, serie que adapta los cómics homónimos de Garth Ennis y Darick Robertson, concluye con su esperada quinta temporada, que verá el enfrentamiento final contra Homelander (Antony Starr), quien domina el mundo. Para este clímax, los nuevos episodios sumarán a varias caras nuevas al elenco.

Se trata de nombres que muy probablemente reconocerás de otras producciones, pues varios de ellos ya son bastante conocidos en el mundo de la televisión. A continuación, descubre dónde más has visto al elenco de la temporada 5 de The Boys.

Jared Padalecki

Un poco de contexto: el showrunner de The Boys es Eric Kripke, un nombre ya bastante reconocido en el mundo de la televisión, particularmente por Supernatural, popular serie de terror y drama sobre los hermanos Winchester, cazadores de lo sobrenatural. Kripke ya ha reclutado a otros actores de dicha serie para su producción de superhéroes: Soldier Boy es interpretado por Jensen Ackles, quien fue el mayor de los hermanos, Dean Winchester; su padre, John, era interpretado por Jeffrey Dean Morgan, que aquí es Kessler; y Jim Beaver que interpretó a Bobby Singer, es el presidente Robert "Dakota Bob" Singer.

Con la quinta temporada, el clan Winchester completo habrá pasado por The Boys con la participación de Jared Padalecki, quien fue Sam Winchester, el menor de los hermanos, en Supernatural. El actor, a quien también vimos en series como Gilmore Girls y Walker, tendrá un rol como invitado que aún no ha sido revelado al momento de la redacción. Sin embargo, no será el único de los viejos amigos de Kripke en unirse al elenco…

Misha Collins

En la cuarta temporada de Supernatural debutó un personaje llamado Castiel, un ángel devoto de Dios que eventualmente se convirtió en aliado de los Winchester. Eso hizo del actor Misha Collins una presencia constante en la serie.

Collins ha tenido una carrera menos amplia en el cine, donde su última actuación fue en el thriller La invasión (Encounter). Su trayectoria ha sido más prolífica en la televisión, con varios roles como invitado. Sin embargo, tuvo uno de los roles principales en la serie de superhéroes Gotham Knights, inspirada en Batman, como Harvey Dent.

Daveed Diggs

Uno de los primeros actores confirmados para unirse al elenco de la quinta temporada fue Daveed Diggs, y aunque no se ha especificado cuál será su rol, podemos decir que se trata de uno de las adiciones más formidables.

Por su participación en el musical teatral Hamilton, Diggs ha sido merecedor de un premio Tony, un Grammy (compartido con sus compañeros de reparto) al Mejor álbum de musical teatral, además de una nominación al Emmy por la versión grabada de la obra. Su carrera es increíblemente prolífica, abarcando desde cine a televisión y trabajos de voz en animación, pero uno de sus roles más prominentes en años recientes fue el protagónico en la adaptación para televisión de Snowpiercer.

Seth Rogen

Los fans de The Boys ya sabrán que, además de ser uno de los productores ejecutivos de la serie (junto con su amigo y colega de largo tiempo, Evan Goldberg), Seth Rogen también ha tenido varios cameos a lo largo de la misma. Aún no está claro si tendrá un rol más expandido en la quinta temporada o si será otro cameo.

Juntos, Rogen y Goldberg han sido uno de los dúos más populares de la comedia en el cine y la televisión, creadores de títulos como La fiesta de las salchichas (Sausage Party) y Este es el fin (This is the End), protagonizadas por Rogen. Más recientemente, crearon la aclamada serie de comedia El estudio (The Studio), por la que Rogen obtuvo triple premio: Mejor actor en una serie de comedia, además de Mejor guión y Mejor dirección (ambas compartidas con Goldberg).

Mason Dye (Bombsight)

Uno de los pocos actores nuevos de la temporada 5 cuyo rol ya conocemos es Mason Dye, quien interpretará al supe conocido como Bombsight. Se trata de uno de los supes más antiguos conocidos en el mundo de The Boys, y de hecho, Dye también lo interpretará en la serie secuela, Vought Rising.

Mason Dye es un joven actor con una carrera relativamente corta, aunque ya ha tenido roles en series prominentes como Bosch, donde fue recurrente durante la quinta temporada. Sin embargo, seguramente lo recuerdas como parte del elenco de Stranger Things: durante la cuarta temporada, interpretó a Jason Carver, el capitán del equipo de básquetbol de la Preparatoria Hawkins, quien busca venganza por la muerte de su novia, Chrissy Cunningham (Grace Van Dien).

Paul Reiser (The Legend)

No se trata de una nueva adición ni de un nuevo personaje exactamente, pero es digno de mención dada la leyenda que es… y el juego de palabras es intencionado. Paul Reiser tuvo una breve aparición en la tercera temporada de The Boys como “The Legend”, un artista de cómics al servicio de Vought que también es un informante para los justicieros titulares que se oponen a la compañía y los corruptos supes.

Paul Reiser mismo es una leyenda en el mundo del cine y la televisión, sobre todo en la comedia. También lo recuerdas por su rol como el doctor Sam Owens en Stranger Things, además de ser el cuestionable Carter Burke, un cuestionable ejecutivo de la corporación Weyland-Yutani, en Aliens. Pero por supuesto que su trabajo más notable es y seguirá siendo la serie de comedia Loco por ti (Mad About You), que además de crear, protagonizó junto a Helen Hunt.

En muchas narrativas convencionales—incluidas las del cine, y sobre todo las de Hollywood—, son comunes los binarismos: hay buenos y malos, héroes y villanos. Pero hay veces que las historias son más complejas—o en otros casos, tenemos la madurez para ver matices—, lo que nos invita a cuestionar si las cosas son así de simples.

Porque hay ocasiones en las que el poder de la retrospectiva nos lleva a pensar que ni los buenos son tan buenos, ni los malos tan malos. De hecho, a veces, estos tienen buenas justificaciones para sus actos, incluso si no están algo desviados moralmente. Para demostrarlo, seleccionamos a algunos villanos del cine que tenían razón, incluso si sus acciones eran cuestionables. Leves spoilers a continuación:

Thanos (Universo Cinematográfico de Marvel)

Uno de los primeros villanos que surgen en este debate es Thanos (Josh Brolin), el gran antagonista de la “Saga del Infinito”, que comprende las tres primeras fases del Universo Cinematográfico de Marvel (UCM). El “Titán Loco” emprende su cruzada galáctica para conseguir el poder absoluto que le garantizan las Gemas del Infinito para cambiar el estado de las cosas.

¿Cuál estado de las cosas? Una sobrepoblación universal que está acabando con los recursos vitales en todos los planetas, desatando precariedad, conflicto y sufrimiento. Y claro, tiene razón, pero su solución de extinguir el 50% de la vida en el universo es todo menos ideal, ni se diga moral. Logra perpetrar este genocidio universal en Avengers: Infinity War, y ahí nos cuestionamos si no había otro camino. Como regulación gubernamental galáctica. O duplicar los recursos naturales, alguna otra cosa…

Erik Killmonger (Pantera negra)

El UCM a veces es criticado por su frivolidad escapista, pero hay notables excepciones. En Pantera negra (Black Panther), la franquicia ofrece a uno de sus villanos más moral y políticamente complejos: Erik Killmonger (Michael B. Jordan). La premisa de la película es que la ficticia nación africana de Wakanda ha existido durante siglos en el aislacionismo para proteger su valiosísimo recurso, el vibranio—que le ha permitido dar saltos tecnológicos exponenciales—de la codicia del mundo, a expensas de permitir el colonialismo, la opresión el racismo de otros pueblos africanos.

Este interés condujo al asesinato del padre de Erik por los líderes de Wakanda, lo que no sólo impulsó su resentimiento, sino su motivación para cambiar el status quo del sistema para poner la su tecnología al servicio de los oprimidos. Es una justificación noble, lo que muchos cuestionan es la violencia de sus métodos.

Roy Batty (Blade Runner)

En Blade Runner, clásico de la ciencia ficción cinematográfica basado en la novela ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? de Philip K. Dick, la trama se desarrolla en un mundo postapocalíptico, donde la parte más privilegiada de la humanidad vive en colonias fuera del planeta, y gran parte del trabajo es realizado por androides casi indistinguibles de los humanos, conocidos como “replicantes”, que tienen vidas muy cortas y predeterminadas.

Seguimos la narrativa mediante el protagonista, Rick Deckard (Harrison Ford), un agente de policía empleado para localizar y ejecutar—”retirar”, en referencia a los replicantes—a cuatro replicantes prófugos, liderados por Roy Batty (Rutger Hauer), quienes buscan a su creador en busca de un método para postergar su tiempo de expiración. En resumidas cuentas, ellos sólo quieren recuperar su derecho a experimentar la vida en toda su inocencia y gloria. Sin embargo, perseguidos por la justicia, se ven obligados a recurrir a la violencia.

Ava (Ex Máquina)

Hablando de androides e inteligencia artificial, aquí tenemos a Alicia Vikander en un rol que oscila entre villana y antiheroína, y la justificación de cuyos actos conduce a complejos diálogos sobre lo que significa la vida y la autoconciencia.

Ex Máquina comienza con Caleb (Domhnall Gleeson), un joven programador que gana un concurso y es invitado a la remota mansión del CEO de su compañía , Nathan (Oscar Isaac), para conocer un proyecto ultrasecreto en el que está trabajando. Se trata de Ava (Vikander), una ginoide cuya inteligencia artificial la hace parecer, para todo efecto y propósito, una humana pensante y sintiente, a pesar de lo cual es mantenida aislada en una jaula. Nathan recluta a Caleb para hacer pruebas a Ava, pero estas se vuelven cada vez más humillantes para su creación. Al final, Ava decide manipular a Caleb para que la libere, asesina a Nathan en defensa propia, y abandona al programador a su suerte mientras ella huye al mundo humano.

Su destino—y el de la humanidad—queda ambiguo, pero todo parecería indicar que ella, dotada con las capacidades de un ser humano auténtico, sólo quería vivir como tal.

Mr. Hector (Mi pobre angelito 2)

Cuando hablamos de villanos en Mi pobre angelito, solemos pensar en la dupla de bandidos (Joe Pesci y Daniel Stern) que roban casas y persiguen a Kevin (Macaulay Culkin). Es fácil olvidar que, en la secuela, tenemos a un villano secundario: Mr. Hector (Tim Curry), concierge del prestigioso Plaza Hotel de Nueva York.

¿Pero es realmente un villano? El asunto es que la rebeldía de Kevin y la negligencia de la familia McCallister termina con el niño de viaje solo en Nueva York, cosa cuestionable cuando logra usar la tarjeta de crédito de su padre para hospedarse en el hotel de lujo. Cualquier adulto razonable cuestionaría lo que sucede e incluso intentaría devolver al niño con sus padres, ¿o no? Hector sólo está intentando hacer su trabajo, pero es constantemente humillado por las travesuras de Kevin para salirse con la suya.

Yzma (Las locuras del emperador)

En el canon de Disney hay varios villanos que son genuinamente perversos, incluso malos porque sí. Pero también los hay que no sólo son carismáticos, sino que son mediana o hasta enteramente justificados en sus fechorías. Una de ellas es, sin duda, Yzma, de Las locuras del emperador.

Yzma es, en principio, la consejera y una suerte de madre sustituta para el protagonista, Kuzco, quien ha crecido para convertirse en un emperador egoísta y déspota. Aunque más ambiciosa de la cuenta, ella sólo decide deshacerse de él cuando es despedida en un acto caprichoso, al descubrir que ella está suplantando su autoridad. ¿Pero cuál autoridad, si él sólo está interesado en divertirse y desplazar aldeanos para construir parques acuáticos? Quizá asesinarlo era un tanto extremo. Pero dado el descontento de algunos aldeanos, organizar una revolución habría sido tan viable como justo.

Ra's Al-Ghul (Batman inicia)

Quienes estén de acuerdo con la aseveración de que “Batman es un fascista”, probablemente habrían estado de acuerdo con los métodos de su mentor y posterior enemigo, Ra’s Al-Ghul (Liam Neeson) en su iteración de Batman Inicia.

En esta versión, Ra’s Al-Ghul es líder de la Liga de las sombras, que entrena a guerreros para infiltrarse en sociedades corruptas e insalvables para derribarlas y comenzar de nuevo. Tal es el caso de Ciudad Gótica, ahogada en el crimen, la corrupción de los gobernantes y el abuso de los ricos. Para poder reorganizar su sociedad, había que derrumbarla. Los métodos—hundir la ciudad en un pánico donde los unos se maten a los otros—es lo cuestionable del asunto, pero mantener el status quo tampoco era una solución coherente. Y para eso es precisamente que existe Batman.

Magneto (X-Men)

Tanto en los cómics como en la adaptaciones cinematográficas, la saga de X-Men encuentra mucha de su tensión dramática en la oposición ideológica fundamental entre dos de los grandes líderes mutantes: el pacifista Charles Xavier, quien considera que la paz y el diálogo son el camino; y el radical Erik Lehnsherr, quien históricamente ha oscilado entre el separatismo y el supremacismo.

Buena parte de su ideología se alimenta de la experiencia, como ejemplifica X-Men: Primera generación (X-Men: First Class), donde experimenta la opresión no solo como mutante, sino como judío en la Segunda Guerra Mundial. De nuevo, muchos cuestionarán sus métodos, pero la historia también ha demostrado que, en muchas ocasiones, la justicia y la libertad no llegan esperando por la vía pacífica.

Con su adaptación de La odisea, poema épico de Homero, Christopher Nolan presentará su aportación al canon de películas inspiradas por la mitología griega, mismo que va desde la total fantasía—son mitos, después de todo—hasta la fidelidad con ciertas licencias artísticas.

Para que lo compruebes, aquí seleccionamos para ti algunas películas inspiradas por la mitología griega y te decimos cómo verlas, para adentrarte a este fascinante mundo de las narrativas occidentales.

¿Dónde estás, hermano? (2000)

Hablando de La odisea de Homero, hay que rescatar una de sus mejores adaptaciones, lo cual puede ser sorprendente a primera vista si no estás familiarizado con ella. ¿Dónde estás, hermano? (O Brother, Where Art Thou?), dirigida por los hermanos Ethan y Joel Coen (El gran Lebowski, Quémese después de leerse) que toma inspiración del poema y traslada la acción al sur de Estados Unidos a finales de los años 30.

La trama sigue a Ulises (George Clooney) y dos compañeros (Tim Blake Nelson y John Turturro), fugitivos en busca de un tesoro mientras son perseguidos por un implacable alguacil. Desde nombres de personajes—como Penny (Holly Hunter), que corresponde a Penélope—a decisiones de diseño de vestuario—el parche en el ojo de John Goodman lo convierte en el cíclope—, verás aquí varios paralelos con el texto original de Homero.

Hércules (1997)

Existen múltiples adaptaciones del mito de Hércules al cine, de muy variable calidad—ahí tenemos un ejemplo con Dwayne Johnson—, pero la versión de la Casa de Mickey Mouse, nacida de su fructífero periodo conocido como “Renacimiento de Disney”, es una de las más queridas.

Claro que Hércules de Disney, creada como una película familiar, brinda una aproximación bastante diluida de la mitología griega de la que toma inspiración—nada de adulterio ni vínculos inapropiados—. A cambio, brinda una animación sublime con profunda inspiración del arte de vasijas griegas que enfatiza sus aspectos más espectaculares y fantásticos (el combate con la Hidra es fenomenal).

Troya (2004)

El ejército griego, con el legendario guerrero Aquiles (Brad Pitt) entre sus filas, emprende una guerra en contra de Troya cuando su príncipe, Paris (Orlando Bloom), huye con su amante, Helena (Diane Kruger), esposa de Menelao (Brendan Gleeson) de Esparta.

En esencia, la trama de Troya (Troy) es una adaptación de La Ilíada, otro poema de Homero (que precede a La odisea), pero despojada de los aspectos mitológicos para hacerla parecer más una épica histórica de espada y sandalia como Gladiador o Alejandro Magno, tan populares por entonces. Y también un poquito blanqueada: claro que Aquiles no se va a enojar así por un primo.

Furia de titanes (1981)

Basada en el mito de Perseo, Furia de titanes (Clash of Titans) es una maravillosa película de fantasía y aventura, que tiene un remake más reciente con Sam Worthington, Liam Neeson y Ralph Fiennes con efectos especiales digitales y un espíritu más similar al de 300.

¿Por qué preferimos la versión clásica? Porque la mezcla de live action con criaturas animadas en stop motion por el legendario Ray Harryhausen (responsable por las animaciones en Jasón y los argonautas, además de El monstruo del mar) le brindan una cualidad de asombro tan incomparable como su inocencia.

Jasón y los argonautas (1963)

Ya la mencionamos y no podemos dejarla pasar, pues además es una película inspirada por un mito griego no tan popularmente conocido. Jasón y los argonautas (Jason and the Argonauts) se basa en Argonáuticas, epopeya que narra la travesía de la nave Argo para recuperar el vellocino de oro, relatando también el amor de Medea por Jasón.

De igual modo que Furia de titanes, pero precediéndola por dos décadas, esta es una película que recurre a genial animación en stop motion para crear las criaturas fantásticas que intervienen en la travesía de Jasón y compañía.

Mujer maravilla (2017)

Una de las mejores películas en el ya extinto Universo Extendido de DC (DCEU) está, necesariamente, inspirada en la mitología griega. Desde las páginas hasta su salto a la pantalla, Mujer maravilla (Wonder Woman) ha bebido de esa fuente durante décadas.

La película presenta a la sociedad de amazonas de Temiscira de donde proviene la protagonista, Diana (Gal Gadot), quien en la Gran Guerra (o Primera Guerra Mundial) emprende un viaje para evitar que el dios de la guerra, Ares, siga sembrando el caos. Fue una pena que la secuela deshizo algunos de los méritos de la primera, pues se trata de una de las mejores propuestas del cine de superhéroes hasta la fecha.

Percy Jackson y los Dioses del Olimpo: Ladrón del rayo (2010)

Basada en la saga literaria homónima de Rick Riordan, Percy Jackson es, en esencia, fanfiction juvenil de la mitología griega. La saga sigue a adolescentes semidioses, descendientes de dioses del panteón griego, en aventuras fantásticas.

Ladrón del rayo (The Lightning Thief), la primera entrega, sigue a Percy (Logan Lerman), un chico que descubre que es hijo de Poseidón, y que debe recuperar el rayo robado de Zeus (Sean Bean) para evitar una guerra entre dioses. Tristemente, la saga fílmica concluyó con la segunda parte, pero ahora está en curso una nueva adaptación en forma de serie de televisión.

Aunque el éxito masivo de títulos como Zootopia 2 o Frozen podría sugerir lo contrario, Disney no siempre ha estado en la cumbre de la animación. Buena parte de los años 60, 70 y 80 fueron turbulentos para el estudio, luego de eventos como las muertes de Walt y Roy O. Disney, que dejaron a la “Casa de Mickey Mouse” en una deriva creativa que alcanzó su punto más bajo con el fracaso de El caldero mágico. Sin embargo, el estudio se recuperaría con una racha de un éxito tras otro de 1989 a 1999, un período hoy conocido como el “Renacimiento de Disney”.

La intervención de ejecutivos como Michael Eisner y Roy E. Disney, más la sensibilidad musical de Howard Ashman y del compositor Alan Menken, definirían tanto el trabajo futuro del estudio como su reputación en el imaginario popular. Es, sencillamente, uno de los mejores periodos en la historia de la Casa del ratón y de la animación mundial en general. Revívelo con todas las películas del Renacimiento de Disney en orden cronológico de estreno.

La sirenita (1989)

Antes de finalmente estrenarse a finales de los 80, La sirenita (The Little Mermaid) había sido un proyecto de largo tiempo al interior de Disney, que había jugado con la idea de adaptar el cuento de Hans Christian Andersen.

No es la única adaptación cinematográfica del cuento—y quizá tampoco es la mejor, para el caso nos gusta más la de Miyazaki—, pero es innegable que La sirenita de Disney es una obra maestra de la animación y del cine musical. Howard Ashman y Alan Menken llevaron la grandiosidad de la tradición teatral de Broadway al cine de Disney, lo que sería determinante para todo lo que vendría después. Frozen y Elsa no serían posibles sin La sirenita y Ariel.

Bernardo y Bianca en Candurolandia (1990)

Aunque hoy no lo es tanto, antes era extremadamente inusual que Disney realizara una secuela directa de alguna película para su estreno en cines (no estamos contando las secuelas realizadas para video). Mucho menos para una entrega no tan exitosa como lo fue Bernardo y Bianca (The Rescuers) en 1977.

Sin embargo, la película fue abrazada hacia mediados de los ochenta, instando una secuela que también fue una prueba para un nuevo modo de hacer animación en su momento. Bernardo y Bianca en Cangurolandia (The Rescuers Down Under) no sólo fue una aventura en un tono más vibrante y épico, sino que eso fue conseguido gracias al Sistema de Producción de Animación por Ordenador (CAPS, por sus siglas en inglés), que permitía colorear y superponer dibujos animados sobre fondos de forma digital. Toda la película fue realizada con este proceso, que sería el estándar del estudio hasta entrados los 2000—y que daría un nuevo aspecto a sus producciones durante el Renacimiento de Disney—.

La bella y la bestia (1991)

La segunda película de Disney realizada totalmente con el CAPS fue La bella y la bestia (The Beauty and the Beast), y el resultado del avance técnico podía apreciarse más evidentemente en la emblemática secuencia del baile.

De nuevo, puede que no sea la mejor ni la más fiel entre las adaptaciones del cuento francés—en su país de origen se han hecho otras más interesantes—, pero nadie pone en duda que es una obra maestra de la animación y la música. Esta película fue la primera del Renacimiento de Disney en ser adaptada a Broadway, además de ser un fenómeno tal que rompió récords de taquilla para Mickey Mouse e incluso fue nominada al Oscar como Mejor película—siendo la única producción animada con esa distinción mientras la categoría admitió sólo cinco candidatas—. Además, fue dedicada a la memoria de Ashman, quien murió meses antes del estreno.

Aladdín (1992)

Basada en el cuento homónimo en Las mil y una noches, Aladdín fue otro fenómeno de taquilla en su año de estreno—incluso ante críticas por sus estereotipos orientalistas—. La trama es bien conocida, y sigue a un joven callejero que descubre una lámpara mágica con un genio dentro, que le concederá tres deseos.

La película fue la última que contó con composiciones de Ashman pero, sobre todo, fue un innovador portento de la animación para acomodar a su arma secreta: Robin Williams, cuya genial interpretación del genio estaba basada en la improvisación, lo que obligó a los animadores a crear alrededor de sus grabaciones en el estudio, y no al revés. Si quieres ver una de las mejores interpretaciones de voz en la historia del cine—y en la carrera de Williams, y punto—, la encontrarás aquí.

El rey león (1994)

Ya dice bastante sobre el Renacimiento de Disney que, a la fecha, El rey león (The Lion King) sigue siendo considerada una de las mejores películas en la historia entera del estudio. Lo anterior incluso si, curiosamente, fue concebida como un proyecto secundario de la compañía, además de haber sido manchada por acusaciones de plagio a la serie animada Kimba, el león blanco.

Más una reinterpretación de Hamlet en la sabana, la película es un portento que despliega las posibilidades de la animación musical en su máximo esplendor, con maravillosas composiciones de Hans Zimmer y Elton John. Las animaciones de Disney raramente se han visto mejor, lo que nos hace cuestionar aún más la necedad de hacer esos feos remakes en live action.

Pocahontas (1995)

Sin ser una mala película en absoluto, Pocahontas marcó el inicio del fin para el Renacimiento de Disney. Apuntaba a ser un drama histórico musical cuya magnitud pudiera igualar la de La bella y la bestia, y cuestionables licencias históricas aparte, es otra producción visualmente espectacular.

Sin embargo, la película no alcanzó el mismo éxito descomunal de El rey león, y la respuesta a la representación de la historia de Pocahontas y John Smith fue polarizante, marcando el inicio de una tendencia a la baja en la taquilla de las películas de Disney. Sin embargo, la heroína sería influyente en la forma de concebir a futuras protagonistas de Disney, como personajes más independientes.

El jorobado de Notre Dame (1996)

El jorobado de Notre Dame (The Hunchback of Notre Dame) tuvo un desempeño mejor que su predecesora ante la crítica, sentando una visión más positiva de la historia original—más oscura y pesimista en otras iteraciones—.

Sin embargo, su tono marcadamente más serio dividió a la taquilla, pues el público la experimentó como una historia más adulta que lidia con temas que van desde la lujuria hasta el genocidio. Los ingresos siguieron disminuyendo aunque, en retrospectiva, es una de las obras más aclamadas en la filmografía del estudio, con excelentes melodías compuestas por Menken y Stephen Schwarz (uno de los compositores de Wicked).

Hércules (1997)

Inspirada en el personaje homónimo de la mitología griega, Hércules llevó las cosas de nuevo a un territorio un poco más alegre, colorido y aventurero—sin dejar de tocar temáticas serias, como la muerte y el homicidio—.

La animación y los personajes son impecables—mención especial para Danny DeVito como el sátiro Phil—, pero la taquilla decepcionó una vez más: sin ser un fracaso abiertamente, recaudó menos dinero que sus antecesoras. Disney comenzaba a experimentar competencia directa no sólo de otro estudio rival, DreamWorks, sino también de casa con las innovadoras animaciones digitales de Pixar, que ya había sentado un precedente importante con Toy Story.

Mulán (1998)

Con Mulán, Disney obtuvo una necesaria bocanada de aire fresco. La película se inspira en la conocida leyenda de Fua Mulán, una joven que se hace pasar por hombre para poder combatir contra la invasión de los hunos en el lugar de su padre.

Además de ser un éxito en taquilla, la película es retroactivamente considerada un paso en la dirección correcta respecto a la representación de heroínas femeninas en el cine de Disney. No todas han estado a la misma altura desde entonces, y en parte por ello se mantiene como una de las favoritas.

Tarzán (1999)

En retrospectiva, Tarzán es considerada el final del Renacimiento de Disney. A pesar de que el estudio mantuvo varias de sus cabezas creativas y métodos en los años siguientes, no volverían a alcanzar el mismo nivel de éxito crítico y de taquilla después de esta película (aunque Las locuras del emperador, del 2000, es hoy muy querida, no fue ni remotamente tan bien recibida como las producciones de la década anterior).

La película implementó una mezcla de entornos tridimensionales en algunas escenas, para hacer aún más espectaculares los viajes del protagonista entre los árboles. Además, el temazo principal compuesto por Phil Collins tiene pocas comparaciones en la filmografía de Disney, que con esta producción cerró uno de los mejores períodos de su historia. Alturas que, muchos dirían, no han vuelto a alcanzar.

Desde el estreno de la original—conocida como Una película de miedo en estos lares—, Scary Movie ha sido una de las sagas paródicas preferidas de los cinéfilos, específicamente orientada a mofarse de los clichés y escenas icónicas del terror.

La saga prepara su regreso con la sexta entrega, Scary Movie: Terroríficamente incorrecta (cuyo título original, siguiendo la tradición de la “recuela” Scream, es sólo Scary Movie a secas), con la participación de varios miembros del elenco original, incluyendo a Marlon y Shawn Wayans, Anna Faris, Regina Hall y más. ¿Pero qué ha sido de ellos en todo este tiempo? A continuación te contamos qué han hecho durante estos años.

Marlon Wayans (Shorty Meeks)

Las principales mentes creativas detrás de la saga son la familia Wayans, y Marlon es también uno de sus principales rostros. El actor y comediante detrás de Shorty Meeks ha sido un rostro frecuente en películas de comedia posteriores como Norbit y, sobre todo, ¿Y dónde están las rubias? junto a su hermano Shawn (más al respecto en un minuto).

Sin embargo, Marlon Wayans también ha tenido algunos coqueteos con el cine dramático, con papeles en películas como Réquiem por un sueño. Más recientemente, lo vimos en la interesante aunque irregular Him: El elegido, como un retirado coreback que salva a un prometedor joven lesionado, con intenciones ocultas y oscuras.

Shawn Wayans (Ray Wilkins)

Shawn, el noveno de los 10 hermanos Wayans, es quien interpreta a Ray Wilkins en la saga de Scary Movie, y también es uno de los miembros del elenco con una de las carreras menos extensas.

De hecho, tomó un prolongado descanso, y su regreso oficial a la pantalla será con la sexta entrega de la saga. Por lo tanto, fuera de la misma, podríamos decir que su película más conocida sigue siendo ¿Y dónde están las rubias?

Anna Faris (Cindy Campbell)

A lo largo de las otras películas, Anna Faris ha interpretado a Cindy Campbell, una suerte de mezcla y parodia de las protagonistas femeninas de Scream, como Sydney Prescott (Neve Campbell).

Faris ha tenido una carrera con altibajos en los años siguientes, sumergiéndose en roles dramáticos (Secreto en la montaña) y aprovechando más su vis cómica (como en la serie Mom, junto a Allison Janney). Más recientemente, la hemos visto en la comedia Guerra de herederos (The Estate).

Regina Hall (Brenda Meeks)

En la franquicia de Scary Movie, Brenda Meeks (Regina Hall) es la hermana de Shorty, mejor amiga de Cindy y novia de Ray, con apariciones en todas menos la polémica quinta entrega.

De lejos, Hall es la que ha tenido la carrera más prolífica y exitosa desde sus días en las primeras películas, abordando proyectos tanto de comedia como de drama. Notablemente, está maravillosa en Viaje de chicas (Girls Trip), pero también está en la aclamadísima Una batalla tras otra (One Battle After Another), de Paul Thomas Anderson.

Cheri Oteri (Gail Hailstorm)

Puede que esto se trate más de un cameo que un papel completamente desarrollado, pues Cheri Oteri tiene un pequeño papel en la primera película: Gail Hailstrom, una reportera del clima—que a su vez parodia al personaje de Courteney Cox en Scream, Gale Weathers, siendo ambos nombres juegos de palabras con el clima—.

Cheri Oteri tiene una larga trayectoria como comediante, incluso habiendo pasado por Saturday Night Live. Recientemente, ha hecho roles de voz en películas de animación como Las aventuras de Dog Man, aunque frente a cámara, uno de sus últimos trabajos ha sido la comedia Give or Take.

Dave Sheridan (Goofy Gilmore)

En la película original, Dave Sheridan interpretó al oficial Goofy Gilmore, que a su vez era una parodia de Dewey Riley (David Arquette) de Scream y que (spoiler de hace 25 años) resulta ser el asesino.

Sheridan ha tenido una larga colaboración con los Wayans, además de en varias producciones paródicas y de bajo presupuesto. Una de ellas ha sido la comedia Rápido y fogoso (Sex Drive), que en parte parodia… adivinaste, Rápido y furioso.

Lochlyn Munro (Greg Phillippe)

Otro actor que ha trabajado en varias producciones de los Wayans, pero también se ha diversificado, es Lochlyn Munro. En la primera película interpretó a Greg Phillippe, una parodia del estereotípico atleta sin cerebro.

Phillipe ha tenido una carrera muy prolífica, sobre todo con papeles pequeños o recurrentes en televisión. Últimamente lo hemos visto como Larry Fitzgibbon en la serie de DC, Peacemaker.

En el mundo del cine, los premios suelen ser una señal de prestigio, éxito o sello de “garantía”. El más famoso de ellos, al menos en este lado del mundo, es el Oscar, que la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas (AMPAS, por su sigla en inglés) de Hollywood otorga anualmente a lo “mejor” del cine. Un criterio tan cambiante como relativo.

Como prueba, un hecho curioso: que muchos de los que son considerados los mejores cineastas de la historia nunca recibieron el premio y, sin embargo, sus obras son tan influyentes como legendarias. Aquí seleccionamos a 10 de los mejores directores que nunca ganaron un Oscar (o por lo menos aún no lo hacen). Hablamos, claro, de premios a Mejor dirección. No estamos incluyendo a directores que recibieron el Oscar honorario, o que fueron premiados en otras categorías (como guión o producción).

1. David Lynch

El estadounidense David Lynch recibió un Oscar honorario en 2020 pero, a lo largo de su carrera, nunca recibió el premio a Mejor dirección. Esto, a pesar de que su filmografía fue, en su mayoría, una larga sucesión de clásicos que mezclaban surrealismo, terror y misterio en un estilo singular. No por nada existe la palabra “lynchiano”, vaya.

A lo largo de su legendaria trayectoria, Lynch fue nominado en tres ocasiones al Oscar como Mejor director, primero por El hombre elefante (que lo puso bajo la mira del mainstream), y luego por Terciopelo azul (que terminó de consagrarlo en Hollywood). Su última nominación vendría en 2002 con Sueños, misterios y secretos (Mulholland Drive) que, paradójicamente, forma parte de una serie de películas que señalan el lado perverso de la cultura hollywoodense.

2. Spike Lee

Aunque sí ha sido nominado y premiado en otras categorías—además de recibir el Oscar honorario en 2016—, uno de los cineastas a menudo más ignorados por los Premios de la Academia es Spike Lee. Podemos entender por qué, en parte: sus películas son abiertamente críticas y contestatarias del racismo sistémico en Estados Unidos, lo que suele volverlas incómodas en una industria y una cultura que sigue privilegiando lo primordialmente blanco.

La primera y última vez por la que fue nominado al Oscar a Mejor dirección fue por El infiltrado del KKKlan (BlackKklansman), por la que sí obtuvo el premio a Mejor guión adaptado. En esa categoría, sólo fue nominado una vez más en el pasado, por Haz lo correcto (Do the Right Thing). Si contamos Cuatro niñas (Four Little Girls), sólo ha sido nominado una vez más, en Mejor largometraje documental.

3. Stanley Kubrick

Considerado uno de los mejores cineastas de la historia por donde se le mire, Stanley Kubrick sólo obtuvo un Oscar a lo largo de su legendaria trayectoria, y ni siquiera fue por uno de los roles generalmente asociados a la dirección. Lo obtuvo por los efectos visuales de 2001: Odisea del espacio (2001: A Space Odyssey), que sí fueron todo un hito en su momento (aunque no se reconoció a su colaborador, Douglas Trumbull, por su trabajo en ellos, conduciendo a un distanciamiento entre ambos).

Kubrick fue nominado cuatro veces al Oscar para Mejor dirección en cuatro ocasiones, siendo Barry Lyndon la última en 1976. Sumando sus créditos como coproductor y coguionista de varias de sus películas, sumó 12 nominaciones al Oscar en total (comenzando con Dr. Insólito en 1965), pero nunca obtuvo la estatuilla.

4. Alfred Hitchcock

Otro cineasta considerado uno de los gigantes en la historia del cine, estudiado por todo director, productor, guionista, fotógrafo, montajista, periodista, crítico o cualquier otra profesión vinculada al cine. El británico Alfred Hitchcock tuvo una carrera prolífica y prácticamente impecable que abarcó desde la era del cine silente en Europa—es decir, previo a la existencia del Oscar—hasta los años 70 en Hollywood.

Obtuvo un Oscar honorario en 1968, pero nunca lo obtuvo por Mejor dirección a pesar de haber sido nominado un total de cinco veces, la primera por Rebeca. La última fue en 1961 por Psicosis, y sorprende que haya sido reconocido con la nominación, dado que fue una película de terror, género muchas veces ninguneado por la Academia.

5. Orson Welles

El de Orson Welles es uno de los casos paradigmáticos de un enfant terrible de Hollywood, un forastero que llegó del teatro a revolucionar las reglas con su frescura con su largometraje debut, Ciudadano Kane (Citizen Kane). La película le valió tres nominaciones: Mejor dirección, Mejor actor y Mejor guión, siendo esta última por la que obtuvo el premio. Hoy, la película es considerada un clásico fundamental en la historia del cine, además de un título indispensable en la legitimación de la teoría del cine de autor.

Sin embargo, el galardón resultó polémico por cuestionamientos a la verdadera autoría del guión (también atribuida a Herman J. Mankiewicz, historia que cuenta Mank). La propia película puso a Welles en conflicto directo con un magnate de los medios que intentó sabotearlo. A pesar de dirigir clásicos enormes del cine como Sed de mal (Touch of Evil), Welles no volvería a ser nominado, aunque sí le fue otorgado un Oscar honorario en 1971. Ya lo diría él: “me amarán cuando esté muerto”.

6. Sarah Polley

En casi 100 años de historia, los Premios de la Academia sólo han nominado a nueve mujeres en Mejor dirección, y de ellas, sólo tres han obtenido el premio (siendo la más reciente Jane Campion por El poder del perro en 2022).

Guionista y directora por derecho propio, la canadiense Sarah Polley ha tenido una trayectoria breve pero notable, conocida por títulos como el documental Stories We Tell (por el que sí fue nominada al Premio del Sindicato de Directores) y por el drama Lejos de ella (Away from Her). Su más reciente película fue el formidable drama Ellas hablan (Women Talking), por el que sí ganó el Oscar a Mejor guión pero, inexplicablemente, no fue nominada en Mejor dirección.

7. Ernst Lubitsch

Judío alemán naturalizado estadounidense, Ernst Lubitsch es uno de los mejores cineastas de la historia, e incluso si se le tiene algo olvidado hoy en día, se trata de un artista determinante para el cine de comedia (y, con los años, llegó a hablarse del “Toque Lubitsch”). Durante la Época dorada de Hollywood, dirigió algunas de las comedias más importantes, y ha influenciado a directores como Billy Wilder (Piso de soltero), Peter Bogdanivich (La última función) y el propio Orson Welles.

A pesar de contar con una filmografía tan extensa como formidable, Lubitsch sólo fue nominado como Mejor director en tres ocasiones, comenzando con El desfile del amor y El patriota en el mismo año, 1930. Su última nominación vendría con la genial El diablo dijo no (Heaven Can Wait) en 1943.

8. Sergio Leone

Los spaghetti westerns—películas del oeste realizadas con bajos presupuestos en Europa, principalmente Italia y España—fueron mal vistos por Hollywood durante su auge, lo que podría explicar que, a pesar de que hoy se consideran clásicos indispensables, en su momento no fueron considerados por la AMPAS. Quizá eso explicaría por qué Sergio Leone nunca fue nominado a un Oscar, a pesar de su influencia indeleble en el cine mundial.

Nadie diría en la actualidad que El bueno, el malo y el feo o Érase una vez en el Oeste no son obras maestras. Sin embargo, en cuestión de premios, a lo más que aspiró una película de Leone fue a un BAFTA a Mejor dirección y un Globo de Oro por Mejor película. En ambos casos, fue por Érase una vez en América (Once Upon a Time in America), su canto del cisne de 1984, protagonizada por Robert De Niro.

9. Ava DuVernay

Debutando como directora en 2010 con I Will Follow, Ava DuVernay es una de las cineastas más aclamadas de nuestro tiempo, particularmente gracias a la biopic Selma: El poder de un sueño, sobre la marcha homónima por los derechos civiles encabezada por Martin Luther King Jr. (David Oyelowo).

A pesar de una temática amigable con la AMPAS (a sus votantes les encantan las biopics), la producción fue, inexplicablemente, nominada como Mejor película y Mejor canción original (que sí ganó), pero no a Mejor dirección, a pesar de que también aspiró a los Globos de Oro y a los Spirit. DuVernay también fue nominada al Oscar al Mejor documental por Enmienda XIII (13th), por el que obtuvo dos Emmy. Su miniserie Así nos ven (When They See Us) también aspiró a dicho premio.

10. Park Chan-wook

Uno de nuestros más recientes ignorados por los Oscar es el surcoreano Park Chan-wook. Y no es algo exactamente atribuible a una barrera cultural o de lenguaje: se trata de uno de los cineastas orientales más conocidos en Occidente, con numerosas participaciones en festivales como Berlín, Venecia y Cannes a lo largo de las décadas (por Oldboy, incluso ganó el Gran Premio del Jurado en este último).

Sus películas también han ganado premios en este lado del Pacífico: The Handmaiden, por ejemplo, obtuvo un BAFTA en 2016, y La decisión de partir le mereció el reconocimiento a la Mejor dirección en Cannes durante 2022. Muchos—esta pluma incluida—esperábamos ver a La única opción entre las nominadas al Oscar 2026 como Mejor película internacional por lo menos, pero quedó totalmente fuera de esa carrera, perdiendo toda posibilidad de competir por Mejor dirección.

Existe una tendencia relativamente reciente por adaptar cuentos clásicos en el dominio público a películas de terror. Screamboat: la masacre del ratón, por ejemplo, toma al Mickey Mouse antiguo de Barco de vapor Willie, y lo convierte en un villano de slasher. Y hay otras, como Winnie the Pooh: Miel y sangre o Peter Pan: Pesadilla en la Tierra del Nunca Jamás, que incluso lo han hecho para sentar una franquicia: el Universo de la Infancia Retorcida (o Twister Childhood Universe, TCU). Sin embargo, son giros que rara vez tienen sentido, generalmente concebidos para provocar shock y poco más. Pero parece haber una excepción en el horizonte: una película de terror con Pinocho titulada Pinocchio Unstrung, también del TCU.

Si lo pensamos, la verdad es que si hay un personaje de cuento de hadas que siempre ha pedido a gritos una adaptación de terror, es Pinocho—incluso si la hermanastra fea de Cenicienta tiene sólidos argumentos para diferir—. El cuento original de Carlo Collodi siempre ha sido perturbador, e incluso sus adaptaciones más inocentes han provocado pesadillas para generaciones de niños (te estamos viendo, Disney). A juzgar por el tráiler, Pinocchio Unstrung no sólo parece que será la producción mejor lograda del TCU, sino que exprimirá al máximo la prometedora premisa de una película de terror con Pinocho. Aquí te explicamos por qué tiene todo el sentido del mundo:

Para comenzar, casi todas las adaptaciones de Pinocho dan miedo

Si eres como la mayoría de las personas que han crecido con Disney desde los años 40, estarás de acuerdo con la siguiente afirmación: su adaptación clásica de Pinocho es combustible para pesadillas. Lo increíble es que esta versión de la Casa de Mickey Mouse parece blanqueada en comparación al original de Collodi (sobre eso hablaremos más adelante).

El clásico de Disney tiene momentos escalofriantes de sobra, pero nadie nos dejará mentir que la isla de los juegos ha dejado cicatrices psicológicas a niños durante décadas. Desde el rostro distorsionado del cochero hasta las transformaciones de niños en burro—cosa que roza con el body horror—, toda la secuencia es como un sueño febril. Y ni hablemos de Monstruo, la ballena que se traga al protagonista poco después. El remake en live action suaviza un poco las cosas, pero la travesía del muñeco que quiere ser niño de verdad, sigue siendo bastante aterradora.

Incluso otras versiones recientes, como la de Guillermo del Toro animada en stop motion, mantienen varios elementos terroríficos, enfrentando a la marioneta—con un aspecto más deforme, casi grotesco—con el creciente fascismo de Italia en vísperas de la Segunda Guerra Mundial, dotando a esta adaptación con un toque más de existencialismo.

En el cuento original, Pinocho es malcriado y sádico

Quienes recuerden más a Pinocho por la animación podrán afirmar que, situaciones horribles aparte, el personaje es, en esencia, un niño alegre y curioso. Casi podrías abrazarlo por todo lo que le sucede. ¿Pero qué hay del texto original de Collodi? No, señor. El autor, que no tenía  ningún aprecio por los niños, nos presenta a un protagonista tan odioso que dan ganas de arrojarlo al fuego. Era tan despreciable que, por un tiempo, Walt Disney detuvo el desarrollo de su adaptación, creyendo que era imposible hacer algo agradable de este personaje.

Por ejemplo, algunos de los primeros actos de Pinocho después de cobrar conciencia, son ser físicamente violento con su creador, Gepetto, y asesinar cruelmente al grillo parlante que quiere ayudarlo. El cuento de Collodi, primero publicado en forma serial, originalmente terminaba con Pinocho siendo colgado y asesinado por su comportamiento (aunque, debido a su popularidad, continuó la historia y le dio otro final).

La moraleja de la película de Disney habla sobre el valor de decir la verdad y ser bueno para encontrar la salvación. La moraleja del cuento de Collodi era, en resumidas cuentas, que cosas malas le suceden a los niños malos. Un poquito desolador…

Al final, es otra película de terror con muñecos

Los muñecos o marionetas son una piedra angular del cine de terror por una sencilla razón: incluso cuando no están malditos, poseídos o son asesinos, dan mucho miedo.

En su faceta más macabra, han protagonizado decenas de películas, desde Chucky, el muñeco diabólico a propuestas más recientes como Dollhouse: muñeca maldita. Annabelle es uno de los pilares del Universo El conjuro con sus spin-offs, e incluso hemos visto a legiones de marionetas asesinas en la longeva saga de Puppet Master. Ejemplos sobran.

Hacer de Pinocho un villano de terror tiene mucho sentido, entonces, pero la sinopsis de Pinocchio Unstrung sugiere que incluso hay ingenio en ello: un muñeco que, para proteger a un niño, va a distancias extremas para convertirse en una persona de verdad, con tripas, carne y huesos reales.

Ya te imaginarás por dónde va la cosa, y las muertes mostradas en el tráiler también despliegan mucha originalidad a partir de las cualidades físicas de la marioneta, como su afilada nariz. No dudamos que incluso le haga mella al ilustre récord que tiene Art el payaso en Terrifier, que también despliega niveles envidiables de inventiva sanguinaria con cada película.

Christian Bale es uno de los mejores actores de su generación, pero incluso con una filmografía formidable—que abarca desde su infancia—, muchas personas escuchan su nombre y siguen pensando en su encarnación de Batman. Y vamos, es comprensible: es una de las mejores del personaje.

Sin embargo, su talento abarca mucho más que un solo personaje, con una variedad de actuaciones excelentes que van desde un Frankenstein gángster en ¡La novia! a perturbadores asesinos seriales y temerarios pilotos de autos. Su filmografía es extensa y llena de excelentes interpretaciones, pero acá seleccionamos las 10 mejores películas de Christian Bale para que lo conozcas más allá del Caballero de la Noche.

10. Psicópata americano (2000)

Es testimonio de la habilidad de Christian Bale como actor que, en Psicópata americano (American Psycho), su Patrick Bateman se mueve exitosamente entre la psicopatía violenta y la caricatura absurda de un hombre consumido por un ego infectado por la cultura yuppie hipercapitalista de los 90.

El resultado es tan perturbador como divertido y, al menos en parte, en ello radica que la película haya sido leída como una comedia aspiracionista (como también sucedió con El club de la pelea), en vez de la sátira de la masculinidad tóxica que la directora Mary Harron y el autor Bret Easton Ellis claramente presentan.

9. Contra lo imposible (2019)

Haciendo eco de Las 24 horas de Le Mans, esta película es más que una simple historia sobre carreras de resistencia. Contra lo imposible (Ford v Ferrari) es una historia de hombres sobreponiéndose a desafíos con todas las probabilidades en contra, dentro y fuera de la pista.

Christian Bale asume el rol del piloto británico Ken Miles, reclutado por Carroll Shelby (Matt Damon) para la imposible misión de superar a Ferrari en su propio dominio, las 24 horas de Le Mans. Es un personaje que podría ser interpretado de forma plana, un hombre formidable tras el volante pero inepto en todo lo que involucra a otras personas—incluida su esposa, interpretada por Caitríona Balfe—. Sin embargo, en la piel de Bale, se convierte en un personaje complejo, vulnerable y carismático, elementos esenciales para que su travesía en la película funcione.

8. El imperio del sol (1987)

Christian Bale debe tener uno de los debuts cinematográficos más formidables de la historia. Luego de aparecer en la coproducción soviética El príncipe de la tierra de Más allá, entregó la que sigue siendo una de las mejores actuaciones de su carrera en su segunda película: El imperio del sol (Empire of the Sun), de Steven Spielberg.

Aquí interpreta a Jim Graham, un privilegiado niño que vive en Shanghái bajo ocupación británica, y que es separado de su familia cuando, durante la Segunda Guerra Mundial, los japoneses invaden y encierran a todos en campos de concentración. Bale brinda una interpretación con un arrojo envidiable incluso para un niño—bien podrían haberlo sacado de una película de Miyazaki—, de inmediato poniéndonos de su lado en una lucha por la dignidad y la supervivencia, con grandes costos.

7. Hostiles: violencia americana (2017)

El director y guionista Scott Cooper es uno de los nombres más comunes en la filmografía de Christian Bale (también lo ha dirigido en La ley del más fuerte y Los crímenes de la academia), pero por mucho, su trabajo más interesante en mancuerna es el wéstern Hostiles: violencia americana.

La trama se sitúa en el territorio de Nuevo México en 1892, durante las guerras entre colonos europeos y pueblos nativos americanos. Bale interpreta a Joseph Blocker, un capitán del ejército estadounidense a punto de retirarse, quien es asignado a una peculiar misión: llevar a un enfermo jefe de guerra cheyenne (Wes Studi) de vuelta a sus tierras en Montana para morir. Es un rol en el que Bale hace el impecable trabajo de generar admiración por su dedicación y disciplina, pero también rechazo y desprecio. Es una actuación lo suficientemente contenida para dejar escapar, en su mirada, un odio racista que dejaría frío hasta a John Wayne en Más corazón que odio (The Searchers).

6. El gran truco (2006)

No es secreto que la colaboración entre Christian Bale y Christopher Nolan fue de lo más fructífera para ambos, pero ninguna de las películas en su trilogía de Batman merece la distinción como mejor colaboración de la dupla.

Realizada en el interludio de Batman inicia y El caballero de la noche, El gran truco (The Prestige) se sitúa en el Londres victoriano y sigue la rivalidad entre dos ilusionistas (Bale y Hugh Jackman) que van a extremos cada vez más radicales para superar el acto del otro. A menudo comparada con su contemporánea El ilusionista, consideramos a El gran truco la superior de las dos, al integrar un giro narrativo con toques de ciencia ficción que sólo funciona gracias a tres elementos tremendamente precisos: el guión, la edición y la actuación de Bale.

5. El maquinista (2004)

Muchos recuerdan más la interpretación de Christian Bale en El maquinista (The Machinist) por su lado sensacionalista: el hecho de que perdió una cantidad notable de peso para el papel (todavía más impresionante al considerar su musculatura para Batman tan solo un año después).

Sin embargo, en esta pesadilla industrial (en ciertos modos tan cercana a Réquiem por un sueño), el actor consigue una vez más caminar la delgada línea entre un personaje extremadamente vulnerable y hasta repulsivo, y la humanidad que permite simpatía. Su Trevor Reznik, un trabajador de fábrica aquejado por el insomnio al grado de la demacración, existe como un fantasma entre las máquinas y sus alucinaciones, un ser a la vez escalofriante y al que quisiéramos ayudar.

4. El peleador (2010)

Para bien y para mal, otra de las colaboraciones más interesantes en la carrera de Bale ha sido con el director David O. Russell. El actor ha sido nominado al Oscar en cuatro ocasiones y la ganó en la primera, por El peleador (The Fighter).

Inspirada en hechos, la película es protagonizada por Mark Wahlberg como el boxeador Micky Ward, quien es entrenado por su medio hermano, Dicky Eklund, un exboxeador adicto al crack con delirios de regresar a una cima que nunca alcanzó. Es más la historia de Micky, con tintes de Rocky, pero Dicky roba prácticamente cada escena en la que está, alcanzando un registro tan caótico que incluso llega a grados de comedia física más propios de Buster Keaton.

3. Mujercitas (1994)

Con el debido respeto a Timothée Chalamet, pero él no es el mejor Theodore "Laurie" Laurence de las adaptaciones cinematográficas de Mujercitas (Little Women), como no lo es la de Greta Gerwig… aunque está cerca.

En la versión de Gillian Anderson, el Laurie de Bale es emparejado con la Jo March de Winona Ryder, y es una de las representaciones más sublimes de la pareja en pantalla, además de las más complejas, con Bale dando a su ceñudo adolescente un cierto aire de arrogancia. Además, en una carrera definida por personajes hoscos, sucios o francamente cuestionables y hasta monstruosos, esta es una de las raras instancias—aparte de Bruce Wayne—en las que el actor coexiste con su aire natural de galanura.

2. La gran apuesta (2015)

Bale trabajaría una vez más con el comediante convertido en cineasta, Adam McKay, para su notable transformación como Dick Cheney en El vicepresidente: más allá del poder (Vice). Sin embargo, es en su primera colaboración con él, La gran apuesta (The Big Short), en la que brinda un rol más interesante.

Aquí interpreta al genio Michael Burry, un gestor de fondos de riesgo que predijo la explosión de la burbuja inmobiliaria en 2008. Es un personaje solitario y excéntrico, que se sabe el hombre más inteligente en la habitación pero que esgrime ese genio con sensibilidad. En otras manos, hubiera sido una actuación monótona del estereotípico nerd, con todo y sudor en la frente. Bale, en cambio, lo vuelve sensible y empático, al grado de volver fascinante el puro hecho de ver pantallas y tomar llamadas telefónicas. Y lo consigue en un elenco que incluye a Steve Carell, Ryan Gosling y Brad Pitt. Poca cosa.

1. Escándalo americano (2013)

Su segunda colaboración con David O. Russell le daría a Bale su segunda nominación al Oscar, además del que, posiblemente, sea su mejor rol a la fecha: el estafador de poca monta Irving Rosenfeld en Escándalo americano (American Hustle), inspirada en una historia verídica.

De poca monta, pero extorsionado junto con su amante (Amy Adams) por el FBI para adentrarse en una operación criminal mayor cuyas ramificaciones ascienden hasta el alcalde de Nueva Jersey en los 70. Irving es un personaje que nada entre mundos, atrapado entre una amante y una esposa (Jennifer Lawrence), entre la verdad y la mentira, la ley y el crimen, con el mismo ímpetu que Leonardo DiCaprio en Atrápame si puedes. Y podrá estar a punto de ahogarse, pero conseguir oxígeno comienza con seguir manteniendo hasta las mentiras más pequeñas, como un ridículo tupé.

Hoy está nominada al Oscar 2026 como Mejor actriz por Hamnet—y es la probable ganadora del premio—. Sin embargo, ha sido un largo camino para la irlandesa Jessie Buckley, quien comenzó su carrera participando en el reality show de talentos I'd Do Anything.

Su brillante trayectoria ahora incluye desde geniales comedias hasta road movies con terror como ¡La novia!, y todo indica que seguiremos viéndola brillar en increíbles papeles. Mientras tanto, si quieres conocer más sobre Jessie Buckley, aquí seleccionamos para ti algunas de sus mejores películas y te decimos cómo verlas.

1. Hamnet (2025)

La película que muy probablemente ungirá a Jessie Buckley al firmamento de actrices ganadoras del Oscar, Hamnet es un devastador drama basado en la novela homónima de Maggie O'Farrell y dirigido por Chloé Zhao (Nomadland).

Ella interpreta a Agnes, una mujer pagana que ha convertirse en esposa de William (Paul Mescal) antes de convertirse este en Shakespeare. Viviendo en el campo, separada por las necesidades creativas de su esposo viviendo en la ciudad, Agnes enfrenta la trágica irrupción de la peste en su vida y la de sus hijos, en una potente deconstrucción de dos diferentes vivencias de la pérdida y el duelo, en un tenor similar a Manchester junto al mar.

2. ¡La novia! (2026)

Pon en una licuadora a Bonnie y Clyde junto a La novia de Frankenstein, y tendrás como resultado ¡La novia! (The Bride!), en la que Jessie Buckley se reúne con la directora Maggie Gyllenhaal después de La hija oscura.

Buckley interpreta a Ida, una joven mujer asesinada y resucitada para ser pareja de un monstruo (Christian Bale) en Chicago durante los años 30. Con claras referencias visuales a la versión clásica de Elsa Lanchester en su caracterización, Buckley brinda a su protagonista una personalidad aguerrida y desafiante, fiel a la clásica road movie que también tiene por referente.

3. La hija oscura (2021)

Esta es la primera colaboración de Jessie Buckley con Maggie Gyllenhaal y también, curiosamente, la primera vez que comparte créditos con Olivia Colman y con Paul Mescal—aunque no aparecen en escena juntos—.

La hija oscura (The Lost Daughter) comienza con la obsesión de Leda Caruso (Colman) con una mujer más joven (Dakota Johnson) y su hija durante unas vacaciones en la playa. Conocer el creciente cansancio e infelicidad de la mujer la lleva a confrontarse con decisiones de su pasado. Buckley interpreta a Leda en su juventud, una madre exhausta e insatisfecha que ha decidido abandonar a sus pequeñas hijas, lo que requiere una interpretación que camina la delgada línea entre la simpatía, cierta distancia emocional, pero también una visible devastación psicológica. Esta película caminó para que Si pudiera, te patearía pudiera correr.

4. Ellas hablan (2022)

Jessie Buckley presenta una de sus mejores pero más infravaloradas actuaciones en Ellas hablan (Women Talking). Y para nada es por falta de mérito, sino porque se trata de un drama contenido en el que cada pieza del vasto ensamble es crucial.

Inspirada en la historia real de una comunidad menonita, la película sigue a un grupo de mujeres que forman una asamblea secreta para decidir su propio destino, luego de descubrir una terrible verdad: que valiéndose de drogas, sus esposos cometen violencia sexual en su contra (la película toca el tema con tacto, como en Nunca, rara vez, a veces, siempre). Es una cuestión difícil dada la estructura social en la que estas mujeres han crecido y vivido, con cada una exponiendo sus visiones, resentimientos y dudas. En un elenco con nombres como Rooney Mara, Claire Foy y Frances McDormand, Buckley brinda una actuación importante como la voz de la duda, generando necesaria tensión tanto entre el convencimiento como rechazo de las otras mujeres.

5. Pienso en el final (2020)

Maestro de las historias personales y profundamente psicológicas contadas desde cierto enrarecimiento lynchiano en películas como Anomalisa o Eterno resplandor de una mente sin recuerdos—de la que es guionista—, Charlie Kaufman dirige la inquietante Pienso en el final (I’m Thinking of Ending Things).

Jessie Buckley es una joven mujer que, mientras en camino a la primera visita a los padres de su novio (Jesse Plemons), sopesa si terminar o no con él. Misteriosamente, sin embargo, cada vez que tiene el pensamiento, él logra interrumpirlo. Pronto descubrimos que esto se trata de más que una visita familiar, e incluso comenzamos a cuestionar si todo—o incluso la protagonista—es real.

6. Wild Rose: Sigue tu propia canción (2018)

La película que puso a Jessie Buckley bajo los reflectores es, también, uno de los mejores y más diversos escaparates para su amplia gama de talentos. Wild Rose: Sigue tu propia canción trata sobre una joven madre de dos en Glasgow que, luego de pasar un año en la cárcel, es reunida con sus hijos y su madre (Julie Walters), al tiempo que vuelve a perseguir su sueño: ser cantante de country en Nashville.

Buckley está fenomenal tanto en el apartado actoral como una madre a la vez sensible, soñadora y explosiva; pero también como cantante. Es una historia sobre encontrarse dividida entre el deber y el ideal, o la difícil posibilidad de equilibrar ambas cosas, en una línea no muy distinta a la ya clásica y gastada Nace una estrella.

7. Pequeñas cartas indiscretas (2024)

Una de las películas más infravaloradas de Jessie Buckley la reúne con Olivia Colman y, de paso, exprime el máximo jugo a la formidable vis cómica de ambas.

Pequeñas cartas indiscretas (Wicked Little Letters) se sitúa en la década de 1920 en una pequeña ciudad costera, donde una devota católica (Colman) se vuelve objeto de numerosas cartas llenas de profanidades. Su padre pide ayuda a la policía para dar con el culpable y, de inmediato, todos sospechan de su examiga, una impetuosa madre soltera e inmigrante irlandesa (Buckley). El conflicto da lugar a una serie de dimes y diretes que crecen cómica y caóticamente hacia la violencia, como si fuese una versión más ligera de Los espíritus de la isla.

Muy lejos ha llegado Melissa Barrera desde sus días en La Academia y TV Azteca. Desde que emigró a Hollywood, la actriz mexicana ha dado de qué hablar en proyectos de muy diversa índole, desde comedias y musicales, hasta sagas de terror como la de Scream.

Para que conozcas más sobre su trayectoria hasta este punto, aquí seleccionamos para ti las mejores películas y series de Melissa Barrera, y te decimos cómo verlas.

7. Carmen (2023)

Vamos a decirlo así: Carmen, el largometraje debut como director del coreógrafo francés, es un experimento sui generis que no funciona muy bien en varios frentes. Vagamente inspirada en la ópera homónima de Georges Bizet, la trama sigue a Carmen (Melissa Barrera), una joven mujer del norte de México que cruza la frontera a Estados Unidos huyendo de la violencia. En paralelo, Aidan (Paul Mescal), un veterano de la Marina sin empleo, se une como voluntario a una patrulla fronteriza. Al descubrir a Carmen, decide protegerla en vez de entregarla, por lo que deben huir juntos.

La película se desarrolla como una tragedia en el que se entrecruzan secuencias oníricas con flamenco y peleas de box, una extraña mezcla entre la narrativa de migrantes y refugiados de Yo capitán con drama musical. Sin embargo, es la actuación vulnerable, compasiva y aguerrida de Melissa Barrera la que carga la narrativa hasta buen puerto a pesar del enrarecimiento—y un Mescal que no tiene mucho con qué trabajar aquí—.

6. Vida (2018-2020)

Una de las primeras producciones que Melissa Barrera realizó en el extranjero fue la comedia dramática Vida, en el que interpreta a Lyn, la menor de dos distanciadas hermanas mexicoamericanas de Los Ángeles, que deben regresar a su hogar de infancia para lidiar con la muerte de su madre.

Barrera hace mancuerna con Mishel Prada (Stone Cold Fox) como su estricta y ambiciosa hermana mayor, Emma, mientras ambas lidian con descubrimientos tanto propios como sobre la vida de su madre, e intentan reconciliarse con estos hechos y entre sí. En ese sentido, es agradable y tierna en el terreno de series como Terapia sin filtro (Shrinking), abordando también cuestiones como la gentrificación en varias zonas de Estados Unidos.

5. Scream (2022)

Desde que no incluye un número en su título, la quinta entrega de Scream es una “recuela” (de reboot y secuela) trabajando en dos frentes: continuar la historia de las anteriores con un reinicio fresco al pasar la estafeta a una nueva generación de personajes más jóvenes.

El equipo detrás de la nueva generación de películas tenían la idea correcta al introducir a Sam Carpenter (Melissa Barrera) como la sucesora espiritual de Sydney Prescott (Neve Campbell), una joven aguerrida con un linaje conflictivo al que intenta resistir, al ser la hija secreta de Billy Loomis (Skeet Ulrich), un hilo narrativo que se explora más en Scream 6. Lástima por todo el asunto de Scream 7, pues continuar esta historia con el personaje hubiera sido interesante.

4. Amor a lo bestia (2024)

Además de su talento para proyectos dramáticos o que requieran elementos de danza, música o acción, Melissa Barrera ha demostrado una genial vis cómica cuando se le ha dado la oportunidad. Uno de los títulos donde mejor luce esta faceta es en Amor a lo bestia (Your Monster).

En parte una reinterpretación del clásico relato La bella y la bestia, la trama sigue a una joven actriz que intenta sobreponerse a un diagnóstico de cáncer y al rompimiento con su novio, un dramaturgo (Edmund Donovan) con quien escribió una obra en la que debía actuar. De vuelta en casa de sus padres, ella descubre a un monstruo viviendo en su armario (Tommy Dewey), comenzando una historia sobre, literalmente, enfrentar nuestros demonios internos, hacer las paces con ellos y salir adelante en la vida.

3. Abigail (2024)

La salida de Melissa Barrera de Scream 7 fue más un golpe para la franquicia que para ella, pues entre Amor a lo bestia y Abigail, se ha consagrado como una de las grandes scream queens de su generación, particularmente en títulos con giros cómicos.

En esta comedia de terror vampírico, Barrera interpreta a una joven mujer adicta que decide unirse a un complot criminal para secuestrar a la hija de un millonario y pedir el rescate, cosa que sale terriblemente mal cuando la niña resulta ser una vampiresa centenaria y despiadada. El elenco entero de esta película es sublime, pero Barrera como la protagonista brinda la misma energía de Samara Weaving en Boda sangrienta (Ready or Not), de los mismos directores: la de una aguerrida mujer que no tolera mierda de nadie.

2. All the World Is Sleeping (2021)

Una de las mejores actuaciones de Barrera está en una pequeña película independiente que, en términos generales, pasó fuera del radar para el gran público, opacada por la inmensa oferta de entretenimiento audiovisual e incluso por otro título de la misma actriz en el mismo año.

La trama de All the World is Sleeping sigue a una joven madre de Nuevo México que cada vez se hunde más en sus adicciones, a pesar de que lucha desesperadamente por superarlas para estar con su hija. Se trata de una representación auténtica y poderosa de lo que significa ser adicto—más en el terreno sensible de Beautiful Boy que de la estilizada Réquiem por un sueño—, cargada por una poderosa y auténtica actuación de Barrera a partir de un guión inspirado en historias reales similares.

1. En el barrio (2021)

El musical es uno de los géneros más ricos del cine, y también uno de los más complejos y demandantes. Por lo tanto, En el barrio (In the Heights), dirigida por Jon M. Chu (Wicked), es probablemente el mejor escaparate para los múltiples talentos de Melissa Barrera—y de todo el elenco involucrado—.

En este musical interpreta a Vanessa, una joven de un barrio latino de Nueva York que persigue su sueño como diseñadora de modas. Barrera canta, baila y brinda una interpretación sensible de una soñadora frustrada, en un musical basado en la obra homónima de Lin Manuel Miranda (Hamilton) que, en su momento, fue opacada por el remake de Amor sin barreras (West Side Story). Esto, a pesar de que puede argumentarse que En el barrio es el musical más propositivo de los dos, lidiando con las dificultades económicas y raciales de los latinos persiguiendo el sueño americano contemporáneo.

Desde su debut en 2019, la serie Euphoria—remake de la producción homónima israelí—ha sido un hito que ha servido como plataforma para lanzar—o relanzar, en algunos casos—las carreras de su joven elenco. Su densa trama sobre adicciones, enfermedades mentales y descubrimiento de la sexualidad ha permitido a sus talentosos artistas abordar personajes psicológicamente complejos, lo que les ha abierto las puertas a producciones más ambiciosas en sus carreras.

Sin embargo, la segunda temporada se estrenó en 2022, dejando un espacio considerable de tiempo para llegar a la tercera en 2026. En ese tiempo, sus actores no sólo han madurado, sino que sus trayectorias se han ramificado en interesantes direcciones y proyectos (como ha sucedido con el de Stranger Things). Descubre dónde más ver al elenco principal de Euphoria y qué han hecho en los años desde la segunda temporada de la serie.

Zendaya (Rue)

De lejos la estrella de Euphoria que más ha crecido a partir de la serie es Zendaya aunque, si somos justos, la actriz ya traía bastante impulso. Comenzó como uno de los astros infantiles de Disney en los 2010 con series como A todo ritmo (Shake it Up!). Desde entonces, no ha hecho más que crecer y diversificarse hacia una carrera más madura, que abarca desde musicales como El gran Showman, a las películas de Spider-Man del Universo Cinematográfico de Marvel (UCM), además de trabajos autorales como Malcolm y Marie (de Sam Levinson, creador de la serie.

Sin duda, 2026 será un año gigantesco para ella: estará en Spider-Man: Un nuevo día, regresará como Chani en Duna: Parte tres, y será Atenea en el ensamble de La odisea de Christopher Nolan.

Todos proyectos tan monumentales que optamos por recomendar uno cuarto y más pequeño que hará lucir su singular vis cómica: El drama (The Drama) del noruego Kristoffer Borgli, director de las geniales Enferma de mí y El hombre de los sueños.

Jacob Elordi (Nate)

El perfil del australiano Jacob Elordi también ha crecido considerablemente. De aparecer en las inofensivas comedias románticas adolescentes El stand de los besos (The Kissing Booth), pasó a ser el perverso y despreciable Nate Jacobs en Euphoria, un rol que le ha abierto las puertas a roles moralmente grises e interesantes pero que también capitalizan su galanura (como su Elvis Presley en Priscilla).

En últimos años, ha tenido una alianza fructífera (aunque cuestionable) con la directora Emerald Fennell que ha rendido dos polémicos frutos: Saltburn y más recientemente “Cumbres borrascosas”. Pero en términos de prestigio, es quizá el que más lejos ha llegado de sus jóvenes compañeros de elenco, pues ya fue nominado al Oscar 2026 como Mejor actor de reparto por su rol como la criatura en Frankenstein de Guillermo del Toro.

Sydney Sweeney (Cassie)

Junto con Zendaya, Sydney Sweeney ha sido de las actrices más prolíficas entre las egresadas de Euphoria, pero también ha sido, por mucho, la más polémica. Su personaje en la serie, la hípersexualizada Cassie Howard, proyecta una larga sombra de la que ha intentado escapar pero también esgrimir, según le ha convenido.

Además de dar el salto a una segunda serie de HBO con The White Lotus, Sweeney ha diversificado su carrera como actriz y productora a través de diferentes géneros, desde la comedia romántica Con todos menos contigo (junto al galán del momento, Glen Powell), hasta el terror con aires de nunsploitation de Inmaculada.

También ha dado actuaciones convincentes en biopics, desde la aclamada Reality (que recomendamos ampliamente) como la más reciente Christy: el combate de su vida. Sin embargo, la actriz ha estado rodeada de polémica en años recientes por un desafortunado comercial para una marca de pantalones de mezclilla, cuya furor público fue acentuado por sus afiliaciones políticas (es miembro del partido republicano). En 2026 se defendió diciendo que no es una persona política, respuesta que sólo echó más gasolina al fuego.

Hunter Schaefer (Jules)

Uno de los personajes más complejos de Euphoria es Jules Vaughn, una joven transexual en pleno descubrimiento de su sexualidad, interpretada por Hunter Schaefer. La actriz, también trans, entró al reflector público por su activismo en favor de la comunidad, y la serie sólo la catapultó hacia una fama mayor como actriz y modelo.

Su carrera en pantalla ha sido más bien escueta desde entonces, pero ha tenido roles pequeños en franquicias como Los juegos del hambre. Su trabajo más prominente hasta la fecha ha sido en el terror con ciencia ficción de Cuckoo, donde tiene el protagónico.

También parece que 2026 será un año importante para ella, pues formará parte de Mother Mary (junto a Anne Hathaway) y será uno de los personajes principales en la miniserie Blade Runner 2099.

Barbie Ferreira (Kat)

Uno de los personajes más interesantes de la serie es Kat Hernandez, interpretada por Barbie Ferreira. Sin embargo, ella ha sido una de las bajas más notables de la serie de cara a su temporada 3, pues en 2022 anunció su salida de la serie por motivos que no han sido esclarecidos.

Ferreira ha hecho una carrera breve pero interesante que oscila entre la comedia (Unpregnant) y el terror (La casa de los despojos). La película que más recomendamos de ella es Un mejor papá (Bob Trevino Likes It), donde interpreta de maravilla a una joven mujer que, con un padre ausente, encuentra una figura paterna sustituta (John Leguizamo) en un sitio inesperado.

Alexa Demie (Maddy)

En Euphoria, una de las relaciones sentimentales más tormentosas esla de Maddy Perez (Alexa Demie) y Nate (Elordi), que se complica todavía más cuando la mejor amiga de la primera, Cassie, se involucra sentimentalmente con él. Esto hace a Demie una de las integrantes esenciales y más potentes del elenco juvenil, incluso si, cuando inició la serie, la actriz le llevaba bastante edad a sus compañeros (tenía casi 30 años en 2019).

Demie ha tenido también una carrera más bien discreta, pero impactante, con un rol secundario pero esencial en el drama Las olas (Waves). Ha tenido también un papel como invitada en la serie Fantasmas de Julio Torres, y forma parte del elenco en la comedia I Love Boosters de Boots Riley (Perdón por molestarlo).

Maude Apatow (Lexi)

Hija del director y productor Judd Apatow, Maude Apatow interpreta a Lexi, la hermana menor de Cassie (Sweeney) y mejor amiga de la infancia de Rue (Zendaya), quien tiene poco éxito en ayudarla a superar sus adicciones.

La joven Apatow ha tenido una carrera modesta a partir de Euphoria. Más recientemente, tuvo un pequeño papel en la comedia ¡Vaya Navidad! (Oh. What. Fun.) como la ex del personaje de Dominic Sessa. Notablemente, también tuvo su largometraje debut como directora y productora  en Poetic License, también producida por su padre. También tiene un papel secundario en Uno de esos días (One of Them Days).

Angus Cloud (Fezco)

Una de las historias más trágicas alrededor de Euphoria es la del actor Angus Cloud, quien lamentablemente murió en 2023, antes de poder filmar la tercera temporada. En la serie, interpretó a Fezco, el proveedor de Rue, al que no podemos odiar por su noble y dócil carácter—al grado de enamorarse de Lexi, una trama que quedó inconclusa—,

Su carrera terminó cuando apenas iba comenzando, con roles en películas independientes como North Hollywood. De las seis películas en las que trabajó Cloud, cuatro fueron estrenadas de forma póstuma. Destacamos la comedia de terror Abigail aunque, oficialmente, su último trabajo fue un rol de voz en Garfield: Fuera de casa.

Colman Domingo (Ali)

La mayor parte del elenco de Euphoria son actores jóvenes, dadas las edades de los personajes en las dos primeras temporadas. Sin embargo, una figura adulta y crucial para el desarrollo de Rue es Ali Muhammad, interpretado por Colman Domingo. Se trata del patrocinador de la joven en sus reuniones de narcóticos anónimos, y una influencia positiva en su caótica vida.

Domingo ganó el Emmy como estrella invitada por su papel, en un período donde su carrera en cines comenzó a despegar notablemente, con roles de diversos tamaños y géneros. Algo muy destacable es que ha logrado la rara hazaña de ser nominado al Oscar como Mejor actor en dos años consecutivos, primero por la biopic Rustin y después por el drama Las vidas de Sing Sing. En ambas es formidable.

En todas sus formas, la animación tiene un enorme potencial expresivo que trasciende lo que pueden lograr el cine y la televisión en live action. El color y la forma permiten imaginar mundos imposibles, así como exaltar emociones y acciones. Y el anime—la animación japonesa—se distingue particularmente por su profundo dramatismo y dinamismo visual, que permiten contar historias tan impactantes como emotivas.

Y, en muchos casos, desbordantes de tristeza, pesimismo o de un optimismo melancólico que si no te deja con un charco de lágrimas en el suelo, por lo menos te dejará pensando y sintiendo demasiadas cosas. Si eso es lo que buscas, seleccionamos aquí para ti algunas de las series de anime más tristes de la historia.

8. Given (2019)

Basada en el manga homónimo de Natsuki Kizu, Given es una historia de romance, tragedia y duelo, cargada de una profunda melancolía. La historia comienza cuando Ritsuka Uenoyama, quien toca en una banda, repara la guitarra de su tímido compañero de colegio, Mafuyu Sato, y acepta enseñarle a tocarla. Pronto, descubre que la guitarra perteneció al antiguo novio de Mafuyu, quien se suicidó. Ritsuka invita a Mafuyu a participar en su banda, algo que cambiará sus vidas—y su relación—para siempre.

Previsiblemente, es una historia de romance, pero el floreciente amor entre sus dos protagonistas nunca opaca el dolor de Mafuyu por su pérdida. La película brinda una representación sensible y sincera de ese duelo, pero también deja un halo de optimismo agridulce, por medio de su historia entrelazada con la música y la expresión artística como forma de catarsis.

7. The Promised Neverland (2019-2021)

Los conocedores del anime vendrán—y con razón—a decir que la segunda temporada de The Promised Neverland es un tropiezo tremendo. Y sí, pero creemos que ese defecto no arruina ni anula el poder de la devastadora premisa de la serie. La trama sigue a un grupo de huérfanos que llevan una vida aparentemente perfecta en un orfanato al cuidado de su “Mamá”, Isabella. Sin embargo, todo cambia cuando uno de sus amigos, quien en teoría había sido “adoptado”, es encontrado muerto y así descubren la verdad: el orfanato sólo existe para criar a los niños como alimento para demonios.

Su dirección de arte, que combina un colorido infantil con monstruos grotescos, combina a la perfección con una narrativa sobre proteger la inocencia y el optimismo en un mundo de maldad fundamental y traición. No es el tipo de anime que te hará llorar, pues presenta un tipo de tristeza diferente: la confrontación con una realidad pesimista y abrumadora, como la película Nunca me abandones, pero todavía más desoladora.

6. Attack on Titan (2013-2023)

En una línea similar encontramos a Attack on Titan, basada en el manga homónimo de Hajime Isayama. El punto de partida de su narrativa la hace parecer un shōnen convencional (con elementos que la hacen casi como Neon Genesis Evangelion, pero con robots de carne), aunque brutalmente violento desde el principio: la historia se sitúa en un mundo donde la humanidad vive en una ciudad amurallada para protegerse de los titanes, seres gigantes y grotescos que devoran humanos. El soñador Eren Yaeger sueña con unirse a la Legión de Reconocimiento para explorar el mundo fuera de las murallas, pero su vida y la de su distrito, Shiganshina, cambia radicalmente cuando el Titán Colosal aparece y abre una brecha en el muro, desencadenando una masacre. Al ver a su madre ser devorada, Eren jura que matará a todos los titanes en existencia.

A lo largo de la narrativa, que va revelando verdades cada vez más complejas, Eren pasa de ser el típico protagonista motivado por su venganza e idealismo, a un antihéroe complejo y moralmente gris. El mundo de Attack on Titan es más que profundo de lo que sugieren sus elementos de fantasía, construyendo, poco a poco, una alegoría para las estructuras de poder históricas que permiten la prosperidad de un pueblo sobre la opresión de otro. La tristeza está no sólo en ese descubrimiento, sino en el elevado costo personal y humano que Eren y sus amigos deben pagar para intentar cambiar las cosas.

5. Anohana: The Flower We Saw That Day (2011)

Creada por Tatsuyuki Nagai, Mari Okada y Masayoshi Tanaka, Anohana: The Flower We Saw That Day ya es un clásico entre los animes más tristes de la historia. La trama comienza con un grupo de amigos de la primaria marcados por la repentina muerte de una chica del grupo, “Menma”. Cinco años más tarde, el grupo se ha separado y su líder, Jinta, se ha vuelto un recluso. Sin embargo, el fantasma de Menma se le aparece y le dice que no puede descansar hasta que se cumpla la promesa que le hicieron, aunque no recuerda cuál es. Decidido a resolver el misterio, Jinta reúne al grupo, ya adolescentes, lo que hace resurgir sentimientos y culpas no resueltas.

Anohana es una serie que, obviamente, tiene un giro sobrenatural, pero su drama y emociones son terrenales, profundamente humanas. Si te gustó la adaptación de Look Back por su manera de lidiar con la culpa, la confrontación con el pasado y la liberación de dejarlo ir, no dudamos que esta serie vaya a remover todas tus emociones.

4. Your Lie in April (2014-2015)

Otro romance que va a romper tu corazón es Your Lie in April, anime basado en el manga homónimo de Naoshi Arakawa. La trama comienza cuando Kōsei Arima, un pianista prodigio adolescente, pierde a su madre, quien le enseñó a tocar el piano estrictamente. Luego de un colapso mental, pierde su capacidad de escuchar las notas del piano. Dos años después, se ha retirado de la música y vive con apatía, pero todo cambia cuando conoce a Kaori Miyazono, una violinista de espíritu libre. Las emociones que siente por ella lo llevan a reconectar con la música, aunque la chica esconde un trágico secreto.

Your Lie in April es un drama romántico sobre lo breve que es la vida y el dolor de perder a alguien importante. Narrativamente, es un tanto predecible, pero la historia está representada de manera tan bella que podemos perdonarlo… incluso si nos tendrá berreando por días.

3. Tokyo Magnitude 8.0 (2009)

Japón es un país profundamente marcado por los terremotos, e incluso hay producciones de anime que lo resaltan. Se levanta el viento de Hayao Miyazaki alude al Gran terremoto de Kantō de 1923, y Suzume es producto de una imaginación post-Fukushima. La serie Tokyo Magnitude 8.0 también es ficción, claro, pero parte de este devastador fenómeno natural para construir su conmovedora narrativa centrada en tres personajes.

Luego de un terremoto que transforma la capital japonesa en un instante, la adolescente Mirai y su hermano menor Yūki quedan varados en la ciudad, de vacaciones solos sin sus padres. Serán ayudados por Mari, una madre soltera que intenta volver a casa con sus hijos. Se trata de una historia de supervivencia con elementos de acción, pero profundamente humana en su representación de la pérdida de vida tras la catástrofe.

2. Takopi’s Original Sin (2025)

Una de las series de anime más tristes en la historia reciente es Takopi’s Original Sin, adaptada del web manga original de Taizan 5. Aunque breve, es una historia devastadora por su impactante representación de la salud mental en jóvenes.

La trama sigue a un pequeño alienígena del Planeta de la Felicidad que, al llegar a la Tierra, conoce a Shizuka, una chica taciturna que sufre de acoso escolar, entre otras cosas. Bautizado Takopi por ella, el extraterrestre jura hacer su vida más feliz con sus gadgets de la felicidad, pero no tarda en aprender—por la mala—que la felicidad requiere de mucho más que remedios rápidos, poniendo en marcha una serie de eventos catastróficos… y dolorosos.

1. Wolf’s Rain (2003)

Escrita por Keiko Nobumoto—también responsable de la mucho más conocida Cowboy Bebop—, aquí tenemos a la que, para muchos, es la reina entre las series de anime más tristes. Wolf’s Rain es una historia post-apocalíptica sobre un grupo de lobos que se hacen pasar por humanos en un mundo devastado. Una leyenda dice que, con la llegada del fin del mundo, se abrirá una entrada a un lugar conocido como el Paraíso, sólo accesible para los lobos.

Hay melancolía en cada imagen de Wolf’s Rain, desde el opening lluvioso hasta las luchas constantes de los personajes por encontrar propósito y esperanza para su especie casi extinta. Es de esas historias que arrebatan cualquier pequeña luz a sus personajes—y al público—cada vez que comienza a brillar, tan deprimente como cautivadora con su maravilla animación clásica, más cercana a la sensibilidades del anime de los 80 y 90.

Durante mucho tiempo, las adaptaciones de grandes sagas de anime al live action fueron, en los mejores casos, de cuestionable calidad. Sin embargo, One Piece de Netflix, basada en el longevo manga y anime homónimo de Eiichirō Oda, ha demostrado lo que es posible para estas adaptaciones, llevando la compleja historia a un nuevo formato que ha refrescado la saga para una nueva generación.

Esto incluye dar vida a icónicos personajes como Luffy y Roronoa Zoro con un reparto de actores totalmente nuevo, como el mexicano Iñaki Godoy o el japonés Mackenyu Arata. La segunda temporada traerá incluso más rostros nuevos, así que a continuación te contamos en dónde más has visto antes al elenco principal de One Piece de Netflix.

Iñaki Godoy (Monkey D. Luffy)

La tarea de interpretar al icónico protagonista de One Piece, Monkey D. Luffy, recayó en el actor mexicano Iñaki Godoy, quien debutó como el personaje con solo 20 años de edad y menos de una decena de créditos a su nombre. La mitad de ellos en México y el resto en el extranjero.

Godoy ha aparecido en producciones como la serie canadiense Los imperfectos y la comedia de terror mexicana MexZombies. Sin embargo, recomendamos volver a sus más discretos—e interesantes—orígenes con la comedia juvenil ¡Ánimo juventud!, donde interpreta a uno de cuatro adolescentes de la Ciudad de México que lidian con los gajes de crecer en un mundo de incomprensión, desigualdad o, en el caso de su personaje, sobreprotección.

Emily Rudd (Nami)

La estadounidense Emily Rudd es quien interpreta a Nami, la cartógrafa de los Piratas Sombrero de Paja de Luffy. Una iteración del personaje, por cierto, modificada para sensibilidades actuales, con sus propias habilidades e incluso una personalidad más independiente.

Rudd comenzó su carrera con pequeños papeles en series como Los Romanov, pero tuvo su despegue en la trilogía original de slashers juveniles La calle del terror (que ha sido semillero para otros talentos de Netflix como Maya Hawke y Sadie Sink, ambas de Stranger Things), en el papel de Cindy Berman. También tuvo un rol recurrente en la serie La cacería, protagonizada por Al Pacino y Logan Lerman.

Mackenyu (Roronoa Zoro)

Si eres fan tanto del anime como de sus adaptaciones al live action, la pregunta con Mackenyu es, más bien, dónde NO lo has visto. El actor japonés-estadounidense interpreta a Roronoa Zoro, el fiero espadachín de los Sombreros de Paja, pero está lejos de ser el primer papel proveniente de un anime en su repertorio.

Mackenyu ha interpretado, por ejemplo, a Okuyasu Nijimura en la película JoJo's Bizarre Adventure: Diamond Is Unbreakable, adaptación live action del anime homónimo (dirigida por Takashi Miike, por cierto). También interpreta a Sōta en Tokyo Ghoul S e incluso a Seiya en la infame Caballeros del Zodiaco. Como esta última es horrible, mejor recomendamos verlo en Samurái X: El final, donde interpreta al villano, Yukishiro Enishi.

Jacob Gibson (Usopp)

El tirador de los Sombreros de Paja, Usopp, sueña con ser un gran pirata como su padre, Yasopp. En la serie de Netflix, es interpretado por Jacob Gibson, quien puede decir que este es el primer gran papel de su trayectoria.

Antes de One Piece, su breve filmografía tenía papeles menores en televisión. El más prominente fue en la serie Greenleaf, sobre los secretos e intrigas de una megaiglesia de Memphis, Tennessee. Interpretó a A.J. Delajae, hijo perdido de los personajes de Merle Dandridge y Benjamin Patterson, durante las temporadas cuatro y cinco.

Taz Skylar (Sanji)

Otro de los combatientes de los Sombreros de Paja es Sanji, mitad artista marcial y mitad chef, quien hace lo primero sólo con los pies y así preserva sus manos para lo segundo. En la serie live action, es interpretado por el actor español-británico Taz Skylar.

Él también tiene una carrera relativamente breve en el cine y la televisión, pero uno de sus roles más prominentes ha sido como el bartender Billy en la película El chef (Boiling Point), sobre el intenso trabajo durante una noche en un restaurante, filmada en plano secuencia. Skylar retomó el rol para la serie secuela de 2023.

Vincent Regan (Monkey D. Garp)

El distanciado abuelo de Luffy, Monkey D. Garp, es almirante de la Marina y, aunque comparte ideales con Luffy, cree que sólo ésta puede mantener el orden en los mares. En la serie live action es interpretado por el galés Vincent Regan, uno de los actores más veteranos del elenco tanto en cine como televisión.

Uno de los roles más famosos de Regan es en la serie Imperio, donde interpretó a Marco Antonio. Tiene una curiosa afinidad por roles relacionados de algún modo a la antigüedad en Grecia y Roma, participando también en 300 como el Capitán Artemisa o como Cefeo en Furia de Titanes. Más recientemente, interpretó al Rey Atlan en Aquaman y el reino perdido.

Jeff Ward (Buggy el payaso)

El villano principal de la primera temporada fue Buggy el payaso, capitán de los Piratas de Buggy, quien también estará de regreso en la temporada 2. En la serie, es interpretado por el actor estadounidense Jeff Ward.

Su carrera es menos extensa en el cine que en la televisión, aunque la mayoría de sus roles son por un par de episodios, como en la comedia Hacks, aunque tuvo el protagónico en la segunda temporada (“La casa sin fin”) de la serie antológica Channel Zero. En la serie Agentes de S.H.I.E.L.D. de Marvel, tuvo el rol de Deke Shaw, un carroñero nacido en una estación espacial en el futuro.

Mikaela Hoover (Tony Tony Chopper)

Una de las adiciones más esperadas para la segunda temporada de One Piece es la de Tony Tony Chopper, híbrido de reno y humano quien en el anime y manga original funge como el médico de los Piratas Sombrero de Paja. Desde su adición ha sido una suerte de mascota para la franquicia, y finalmente hará su debut en live action.

En la serie, el personaje tendrá la voz de Mikaela Hoover, actriz que tiene un largo repertorio de papeles pequeños o esporádicos en series y películas. Sin embargo, ha sido una colaboradora recurrente del director James Gunn desde sus días de Super, e incluso apareció en un papel menor en El escuadrón suicida, además de dar voz a la coneja Floor en Guardianes de la Galaxia, Vol. 3. Más recientemente, apareció como Cat Grant, reportera del Planeta, en Superman.

Callum Kerr (Smoker)

En el anime, uno de los rivales recurrentes más poderosos de Luffy es Smoker, un vicealmirante de la Marina. En One Piece de Netflix, debutará en la segunda temporada interpretado por Callum Kerr, un actor escocés.

La carrera de Kerr en la televisión antes de 2019 se limitó a papeles esporádicos en uno o dos episodios, pero comenzó a despegar cuando interpretó a George Kiss en 70 episodios de la telenovela británica Hollyoaks, que ha estado en curso desde 1995. Más recientemente, fue introducido en la tercera temporada de La rueda del tiempo como el príncipe Galad Damodred.

Julia Rehwald (Tashigi)

Una de las subordinadas más leales y diligentes de Smoker es Tashigi, lo que significa que, si la adaptación live action continúa por más tiempo, sin duda veremos mucho más de Julia Rehwald, la actriz que la interpretará en la serie.

Julia Rehwald tiene una carrera breve, aunque también es otra de las jóvenes actrices que lucieron en la trilogía de La calle del terror, en el papel de Kate Schmidt. También tiene un rol de voz como Celesta Kami en cinco episodios de la animación infantil Star Wars: Aventuras de jóvenes Jedi.

Rigo Sanchez (Monkey D. Dragon)

Nuevos miembros de la familia de Luffy serán introducidos a lo largo de las temporadas del live action. En la segunda temporada, será el turno de Monkey D. Dragon, hijo de Garp y padre de Luffy, además de Supremo Líder del Ejército Revolucionario, que busca liberar al mundo de la tiranía.

El rol recae en el actor estadounidense de ascendencia salvadoreña Rigo Sanchez, quien ha tenido una amplia gama de roles desde 2002, principalmente en televisión. Su rol más prominente en años recientes ha sido como el mercenario Lightner en la cuarta temporada de Outer Banks, una serie situada en California del Norte que, casualmente, trata sobre jóvenes en busca de un tesoro.

Joe Manganiello (Mr. 0)

La segunda temporada introducirá de lleno a la organización criminal conocida como Baroque Works, que si bien ya tenía presencia en la temporada 1, aquí los veremos como los rivales principales de la historia. Y su líder es conocido como Mr. 0.

El rol es interpretado por Joe Manganiello, un rostro ya bastante reconocido en adaptaciones con afinidad para los espectadores geek, desde Flash en El hombre araña hasta Slade/Deathstroke en La liga de la justicia. El papel que lo catapultó al estrellato, sin embargo, fue el licántropo Alcide Herveaux a partir de la tercera temporada de True Blood.

Lera Abova (Miss All Sunday / Nico Robin)

La otra cabeza de Baroque Works es conocida como Miss All Sunday. Los fans del anime y manga ya sabrán que su nombre real es Nico Robin y que, si la adaptación continúa, estará en la serie por un tiempo considerable.

Nico es interpretada por la actriz ruso-germana Lera Abova, quien tiene una carrera muy breve. De sus cuatro créditos totales al momento de la redacción, el más reciente antes de One Piece es en la comedia criminal Honey, no de Ethan Coen, donde actúa como Chère, el enlace para el turbio personaje de Chris Evans investigado por la protagonista Margaret Qualley.

Los agentes de Baroque Works

Como organización criminal, Baroque Works cuenta con varios operativos en varios niveles que serán introducidos en la temporada 2 de One Piece, lo que significa un vasto repertorio de actores nuevos en el elenco. Los enlistamos rápidamente aquí:

Mr. 3, o Galdino, es uno de los agentes oficiales más excéntricos de la organización, con el pelo en un nudo con la forma literal de un “3”. En el anime llega a ser uno de los antagonistas más prominentes durante un tiempo, por lo que no sorprende que sea interpretado por el legendario David Dastmalchian, y quien recientemente brilló en el protagónico de De noche con el diablo.

Miss Wednesday, también conocida como Nefertari, es la princesa del reino de Arabasta, que opta por una vida criminal. Es interpretada por Charithra Chandran, quien ya es famosa por otra serie de Netflix: Bridgerton, donde actúa como Edwina Sharma.

Miss Goldenweek, o Marianne, es una pintora y compañera de Mr. 3. En la serie es interpretada por la actriz estadounidense Sophia Anne Caruso, quien interpreta a Sophie, una de las protagonistas, en La escuela del bien y del mal.

Mr. 9 es otro agente de frontera introducido en la temporada 2 como compañero de Miss Wednesday, y excéntrico por su corona y maquillaje. Es interpretado por Daniel Lasker, cuyo rol más prominente hasta ahora ha sido Furfur en la serie Raised by Wolves.

Mr. 5, o Gem, es el de menor rango entre los agentes oficiales de Baroque Works, los de mayor nivel. Es interpretado por Camrus Johnson, quien es más conocido por su rol como Luke Fox en la serie Batwoman.

Miss Valentine, o Mikita, es la compañera de Mr. 5 entre los agentes de mayor rango de Baroque Works. La actriz en el papel es la sudafricana Jazzara Jaslyn, cuya breve carrera incluye créditos en la serie Lioness.

Un buen giro de tuerca, o plot twist, es uno de los elementos esenciales para construir una narrativa que atrape, pero también puede ser uno de los más difíciles de ejecutar bien—y de los más fáciles de abusar—. Sin embargo, bien realizados pueden generar intriga en una serie tan pronto como el primer episodio, o el piloto.

Un buen ejemplo reciente es el thriller Paradise, pero como ésta, hay muchas otras series que presentan giros impactantes al inicio. Aquí seleccionamos otros ejemplos que, si no has visto, prometemos que te van a enganchar muy rápido. Leves spoilers a continuación:

1. Paradise (2025-actualidad)

Esta serie inicia como un thriller político más convencional. Xavier Collins (Sterling K. Brown) es el agente que lidera la seguridad privada del presidente, pero se convierte en el principal sospechoso de su asesinato cuando el cadáver es descubierto junto a su cama.

Sin embargo, Paradise toma un giro radical conforme se van revelando algunos detalles extraños de este mundo, que la llevan al terreno de la ciencia ficción. Dado que es una serie relativamente nueva, no quisiéramos arruinar la sorpresa. Sólo digamos que, en un contexto un tanto parecido al de la serie Silo o incluso de Fallout, el asesinato detonante tiene ramificaciones mucho más profundas.

2. Game of Thrones (2011-2019)

Basada en la saga literaria Canción de hielo y fuego de George R.R. Martin, Game of Thrones no es para nada ajena a los giros impactantes, pues de hecho, las muertes devastadoras y repentinas son parte de su sello. Sin embargo, esta clase de momentos suceden incluso en el primer episodio.

Y vamos, la serie tiene ya 15 años, así que vamos a decirlo: el joven príncipe de la casa Stark, Brandon (Isaac Hempstead-Wright) tenía el inocente pasatiempo de trepar muros, pero le salió caro durante una visita del rey Robert Baratheon (Mark Addy), su reina Cersei Lannister (Lena Headey), el hermano de ésta y capitán de la guardia real, Jaime (Nikolaj Coster-Waldau), y toda una comitiva. Asomándose por una ventana, Bran presenció a Cersei y Jaime cometiendo incesto: giro impactante número uno. Y como una de las demostraciones iniciales de la brutalidad despiadada de esta franquicia, Jaime recita “las cosas que hago por amor”, antes de empujar a un niño por la ventana: giro impactante número dos.

3. Severance (2022-actualidad)

La patada de salida de la serie Severance hace honor a sus evidentes influencias de enrarecimiento lynchiano. Una mujer, Helly R. (Britt Lower), despierta en una sala de juntas sin ningún recuerdo o idea de quién es ella o dónde está. Tampoco se le permite salir mientras una voz en el intercomunicador le hace una prueba. El peor primer día en una oficina de la historia.

Más adelante, un video de “capacitación” le revela la verdad: ella se ha sometido a un proceso conocido como “separación” o “cercenadura”, en el que se coloca un implante en su cerebro que se activa al entrar a la oficina, separando su personalidad y memorias en las de su “yo externo” (“exus” o outie) y su “yo de oficina” (“intus” o innie). Como veremos, este “equilibrio” entre la vida personal y laboral tiene motivaciones más perversas y ramificaciones más grandes para todos los personajes.

Para mayor impacto, el episodio piloto de Severance tiene otro giro justo al final: el protagonista y jefe intus de Helly R., responde a las órdenes de Harmony Cobel (Patricia Arquette). Resulta que la vecina de Mark exus es una tal Sra. Selvig, que no es otra sino la misma Cobel.

4. This is Us (2016-2022)

Ya considerada un clásico de los dramas familiares televisivos, en el terreno de títulos como Parenthood y similares, This is Us presenta su gran giro inicial con elegancia por la magia de la edición. El primer episodio introduce a cuatro personajes que comparten la fecha de su cumpleaños 36 y enfrentan acontecimientos importantes: Jack (Milo Ventimiglia), cuya esposa Rebecca (Mandy Moore) entra en labor de parto por trillizos en el día; Kate (Chrissy Metz), quien se compromete a bajar de peso; el actor Kevin (Justin Hartley) que renuncia a un trabajo en plena transmisión; y Randall (Sterling K. Brown), quien confronta al padre biológico que lo abandonó.

Es hacia el final del episodio piloto que descubrimos la verdad: la historia de Jack y Rebecca sucede en 1980 y, durante el parto, pierden a uno de sus trillizos. Sin embargo, un bombero lleva un bebé rescatado al hospital, y lo adoptan. Se trata de Kate, Kevin y Randall, cuyas historias suceden en la actualidad. Jack y Rebecca son sus padres y, a lo largo de la serie, iremos conociendo las historias que moldearon a la familia en el pasado, en el presente e incluso en el futuro.

5. Perdidos (2004-2010)

Una serie famosa—y a veces también infame—por sus giros narrativos es Perdidos (Lost), que tomó inspiración de películas como Náufrago (Cast Away) y la serie surrealista y sobrenatural Twin Peaks para construir su trama sobre un grupo de sobrevivientes de un accidente aéreo varados en una isla desierta. Sin embargo, hay un misterio mucho más grande alrededor de lo que sucede en la isla.

El primer episodio se desarrolla como un drama de supervivencia de manual, con los sobrevivientes reagrupándose, ayudándose y buscando a otros. Sin embargo, el episodio concluye con un giro sorpresivo cuando, luego de encontrar al piloto, este es capturado y asesinado por una entidad invisible con la fuerza suficiente para sacudir los restos del avión. No están solos en la isla, y lo que sea que los acecha es sólo una parte de algo mayor en juego.

6. Cómo conocí a tu madre (2005-2014)

En parte una sitcom de adultos en sus treintas en la tradición de Friends, pero con saltos cronológicos no muy distintos a This is Us, la comedia Cómo conocí a tu madre (How I Met Your Mother) revela su dispositivo narrativo desde el título: en el futuro, Ted Mosby (voz de Bob Saget) cuenta a sus hijos (Lyndsy Fonseca y David Henrie) precisamente eso: cómo conoció a la mujer que se convertiría en su madre.

La mayor parte de la serie se desarrolla como un flashback situado en el presente, y comienza cuando Ted (Josh Radnor) y sus amigos conocen a la joven reportera Robin Scherbatsky (Cobie Smulders). El floreciente romance a lo largo del episodio podría dar a entender que Robin es la madre y que toda la serie será una larga historia de amor entre ambos. Pero la narración de Ted del futuro nos sorprende cuando dice: “y así, niños, fue que conocí… a su tía Robin”.

Esto añade una capa de intriga a la serie, pues nos sugiere que, a pesar de una fuerte atracción entre los dos, la historia de amor entre ambos no floreció en un matrimonio, pero sí se mantuvieron lo suficientemente cercanos como para que los hijos de Ted la llamaran “tía Robin”. Como sabemos, el asunto terminó dando pie a uno de los finales más divisivos y odiados de la TV. Pero en principio, prometía.

7. The Boys (2019-2026)

Cualquiera que llegue a The Boys esperando una serie convencional de superhéroes, sin conocimiento de los cómics de Garth Ennis y Darick Robertson en que se basa, se enfrentará al mismo sangriento despertar de Hughie (Jack Quaid): esto no es el Universo Cinematográfico de Marvel. Hay superhéroes y son celebridades, pero no son ni remotamente tan nobles como creemos.

En el preciso inicio del primer episodio, la novia de Hughie, Robin (Jess Salgueiro) es aniquilada por accidente al ser atropellada en la calle por A-Train (Jessie T. Usher), un “súper” con supervelocidad (piensa en el equivalente de Flash en este mundo). La compañía que supervisa a los súpers, Vought, ofrece una indemnización, pero este incidente es aprovechado por los justicieros titulares para exponer la corrupción y perversidad de “Los Siete”, la élite de los entes con superpoderes.