Sind wir ehrlich: Humor habe ich, mag Abenteuer und bin immer offen für Neues, aber solche Point-&-Click-Adventures sind so reeeeein theoretisch gar nicht meins.
Aber da wir ja gerne Neues ausprobieren und vor allem offen für Neues sind, habe ich ohne große Erwartungen das Spiel gestartet & gespielt

Kommen wir einmal zum Eigentlichen: Worum geht es eigentlich?

Wir spielen einen (chaotischen) Erfinder namens Hector. Als ob das chaotisch nicht schon genug wäre, ist er auch noch vom Pech verfolgt. Er hat einen ganz eigenen Kleidungsstil und von seinem Gangbild (was wir jetzt mal nicht weiter erläutern werden.. ) mal abgesehen.

Die Zeitreise startet in einem kleinen schwarz-weißen Raum, in dem nur ein kleines Geschenk farbig ist.
Es wird direkt unten links auf dem Bildschirm mitgeteilt, was und wie das Spiel funktioniert! Grandios! LIEBEN WIR

Wir forschen und klicken uns also durch den Raum, und das ein oder andere Schmunzeln kommt über meine Lippen. Die Vertonung gibt es nicht auf Deutsch (Englisch), aber den Text zum Lesen könnt ihr in mehreren Sprachen einstellen (Deutsch, Französisch, Englisch, Italienisch und Spanisch).

Lesen, Klicken, Zeitreisen – da wird einem ganz schwummrig. Aber nach ein paar Minuten hatte ich den Kniff raus und werde durch die nächste Zeitreise in die schönen handgezeichneten Grafiken geschoben / geworfen / katapultiert?

Durch die Zeitreise und den Strudel landen wir direkt in der nächsten Szene, und hier gibt es einen Fehler, der aber kaum bemerkbar ist. Die Geysire haben grafische Linienfehler, aber sie sind wirklich kaum zu sehen und man muss genau hinschauen, um sie zu erkennen.

Die Sprüche werden immer lustiger, mein Gesicht dazu immer mehr ????, und wir rätseln uns durch die Geschichte mit Hector.

Hierzu könnt ihr gerne mein Best-of-Video auf YouTube anschauen:

Na und jetzt? Was passiert, wenn ich im Zeitreisen-Karussell mal den Faden verliere? Daran hat der Entwickler gedacht: Auf Steam gibt es die Lösungswege, also keine Angst, wenn ihr einmal festhängt!

(Ja, ein paar Mal brauchte ich Hilfe, ich wäre teilweise von selbst NIE auf die Lösung gekommen.)

Wer denkt, dass das Spiel fix durchgespielt ist, wird sich in den Finger schneiden.

Das Zeitreisen-Karussell geht laut Entwicklerangaben ca. 8 bis 10 Stunden. Durchschnittliche Tester und Spieler (mit Hilfestellungen) benötigen ca. 14 bis 15 Zeitreisen-Stunden und Hardcore-Spieler, die es ohne Lösung schaffen möchten, ca. 40 Zeitreisen-Stunden plus. (laut Entwickler / Einschätzungen).

Ihr seid euch erstmal nicht sicher, ob diese ganze „Zeitreisen-Point-and-Click-Adventure“-Sache etwas für euch ist? Dann gibt es eine Demo auf Steam oder itch.io. Das Spiel selbst gibt es nur auf Steam (Windows), Kosten: 19,99 Euro.

Auch mit Maus/Tastatur oder Controller spielbar. Also keine Sorge, beide Spieltypen sind vertreten

Wisst ihr, was auch total toll an diesem Zeitreisen-Karussell ist? Es gibt EASTER EGGS im Sinne von Squid Game, Popeye und Pokémon sind vertreten! Richtig toll! 

Leider sind die Personen in den Videosequenzen wiederum sehr unscharf, da müsste definitiv noch nachjustiert werden!

ACHTUNG! Für Errungenschaftsjäger: Es gibt sage und schreibe 50 Stück davon, also hopp hopp! Ich will eure Zeitreisetagebücher sehen.

Fazit: Von den humorvollen Sprüchen, komischen Gesichtszügen bis hin zu kniffligem Rätselspaß ist hier alles dabei. Eigentlich mag ich solche Spiele gar nicht, aber das Spiel ist wirklich super unterhaltsam und macht LAUNE! (Das Fazit basiert auf 2,5 bis 3 Stunden Gameplay)

Danke an imaginarylab für das Sponsoren des Spiels! Diese haben btw. noch ein anderes Point-&-Click-Adventure!

Von mir eine glatte 8,5 von 10 Punkten!

Hier geht’s direkt zum Spiel

Keine Lust alles zu Lesen? Hier die kleine Zusammenfassung in Stichpunkten:

Positiv:

Demo Verfügbar
humorvolles Point-&-Click-Adventure
kreative Zeitreise-Story mit Charme
Lustige Dialoge & schräge Figuren
Hilfesystem bei Rätseln vorhanden
Easter Eggs
50 Steam-Erfolge

Negativ:

Teilweise unscharfe Videosequenzen
kleine Grafik-/Linienfehler
kleinere Bugs

Die Legende ist zurück!

Die R-Type-Serie gibt es schon seit 1987 für die Arcade, welche sehr erfolgreich war. Die Konsolen-Ports haben nicht lange auf sich warten lassen. Schon recht früh wurde die Serie zu einem Kult-Hit und wurde bekannt für ihren hohen Schwierigkeitsgrad. Es gehört zwar nicht zu dem Bullet-Hell-Subgenre, aber trotzdem muss man die Level quasi auswendig lernen, um Erfolg zu haben. R-Type 3 war das erste Spiel aus der Reihe, welches nicht für die Spielhalle erschienen ist, sondern direkt für das Super Nintendo.

Neue Dimensionen

Im Jahr 2009 gab es schon einmal ein Remake vom ersten  und zweiten Spiel für Xbox 360, dann später für die Playstation 3 (2014) und zum Schluss nochmal 2018 für die Nintendo Switch, Playstation 4 und PC unter dem Namen R-Type Dimensions EX. An dem Remake zum dritten Teil arbeitet ein neuer Entwickler und auch der Publisher ist neu, und auf den ersten Blick sieht auch alles gut und schön aus. Vor allem die neue Grafik für Dimensions III ist sehr gelungen und zeigt eine moderne Version des Klassikers. Neue 3D-Grafik ist nicht euer Ding? Kein Problem, per Knopfdruck kann man zu der Original-Pixelfgrafik wechseln, wie es auf dem Super Nintendo aussah.

Doch wo bleibt das Aber? Leider hat der Entwickler das Gameplay-Feeling nicht ganz getroffen. Es ist schwer zu beschreiben, aber sobald man es spielt, merkt man es. R-Type ist zwar kein Bullet-Hell-Shooter mit Unmengen von Geschossen und Gegnern auf dem Bildschirm, aber das macht die Spielserie nicht zu einem einfachen Spiel. Eher das Gegenteil: Ein kleiner Fehler kostet einen schon das Schiff und alle Upgrades, die man bis dahin gesammelt hat. Auswendiglernen ist schon notwendig, um die perfekte Route durch die Levels zu finden.

Außen hui, innen pfui?

Und genau hier kommt der negative Teil dieses Remakes. Die Hitboxen von Gegnern und vor allem Geschossen stimmen einfach nicht. Die verschiedenen Forces, die ihr vor dem Start wählen könnt, blocken manche Geschosse, andere wieder nicht. Die Force kann man nach vorne katapultieren und selbst hier ist das Verhalten nicht immer konsistent. Sehr viele kleine Unstimmigkeiten, die das Spielgefühl einfach kaputtmachen. Egal, ob man das Original gespielt hat oder nicht, man sieht und spürt auch beim Spielen, dass einfach etwas nicht stimmt.

Na dann spiele ich halt mit der Pixelgrafik! Das wäre eine gute Lösung, wenn nicht auch hier genau dieselben Probleme bestehen. Das Verhalten von Geschossen, Gegnern und Force ist leider auch in der Pixelversion nicht richtig. Hinzu kommt noch das Problem, dass das Originalspiel im 4:3-Bildformat angezeigt wurde und, sobald man von 3D auf Pixel wechselt, das 4:3-Bild auf 16:9 gestreckt wird, was nicht mehr so schön aussieht.

Fazit zu R-Type Dimensions III

R-Type Dimensions III ist leider eine Schande, was aus diesem Remake geworden ist. Es sieht toll aus und die Möglichkeit, zwischen dem Original und der neuen Version auf Knopfdruck zu wechseln, ist ein tolles Feature für Remakes. Doch das Spielgefühl ist einfach nicht richtig, für ein Spiel, das so einen hohen Schwierigkeitsgrad hat. Ich hoffe, dass der Entwickler noch versucht, mit Updates das Gameplay in die richtige Richtung zu schwenken. Zu guter Letzt ist der Preis von 34,99€ viel zu hoch für ein Remake von einem SNES-Spiel. In dem Zustand kann ich das Spiel einfach nicht empfehlen. Wartet auf ein potenzielles Update und einen Rabatt.

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Vergleichbare Spiele

Wenn euch diese Spiele gefallen haben, könnte R-Type Dimensions III genau das Richtige für euch sein:

• Gradius
• Darius
• Thunder Force
• Ikaruga
• Sine Mora

R-Type Dimensions III Trailer

Fazit Kasten

Kategorie	Wertung	Kommentar
Presentation	9/10	Tolle neue 3D-Grafik mit Wechsel zur Original-Pixlgrafik
Gameplay	4/10	Verhalten von Geschossen und Gegnern stimmt nicht.
Story	-/10
Wiederspielwert	5/10	Schwierigkeitsgrad so hoch, dass man jedes Level mehrfach spielen muss

 Gesamtwertung: 5/10

R-Type Dimensions III ist seit dem 18. Mai 2026 für Xbox Series X|S, Playstation 5, Nintendo Switch und PC erhältlich.

Der Test basiert auf einem Review Code für R-Type Dimensions III auf der Xbox Series X, der uns freundlicherweise zur Verfügung gestellt wurde.

Das Game ist zurzeit noch nicht veröffentlicht, wir durften es vorzeitig spielen, DANKE dafür

Die Kreativität kommt nicht aus Deutschland, deswegen ist das Spiel auch erstmal nur auf Englisch und Dänisch verfügbar! Aber nicht schlimm, man hat eh nicht sonderlich viel zu lesen (für meinen Geschmack)!

Hilfestellung gibt’s im ESCAPE-Menü, wenn ihr welche haben wollt. Im Spiel selbst ist es nicht ganz offensichtlich vorhanden. Lasst euch nicht beirren, dass die Gegenstände wackeln, diese sind KEINE Hilfestellung

Mit der lieben Julie (der Entwicklerin) durfte ich noch ein kleines Interview führen, aber dazu gleich mehr!

Es gibt verschiedene Rätsel, mal etwas leichter, mal etwas schwieriger, also für jeden etwas dabei. ⛯

Aber Moment, welches kreative Spielerlebnis möchte Julie denn übermitteln

Sie beschreibt es als entspanntes Spiel von Escape Room inspirierten Erlebnissen. Durchquert ihr ein handgezeichnetes Spiel, visuell detailreiche Szenen. WORTWÖRTLICH . Jedes dieser Rätsel beschäftigt sich mit dem Dasein der Elternteile, also z. B. Schlafmangel, Stress oder sogar innere Unruhe (fühlt ihr euch angesprochen?)

Es geht darum, die Spieler anzuregen, nachzudenken , zu beobachten und einfach mal zu entspannen! (hat sie eindeutig geschafft)

Das kreative Artwork ist wirklich sehr beeindruckend und da es handgezeichnet ist, ist es noch einmal ein Stück besser!

Jedes Rätsel ist wirklich, also ich meine WIRKLICH, sehr kreativ dargestellt. Das Side-Scrolling ist richtig faszinierend und gefällt mir richtig gut!

Das Spiel läuft auf kreativen, flüssigen 60 FPS und hatte bis auf einen kleinen Bug auch sonst keine Probleme!

Aber Julie, welche Spielmechanik betrachtest DU als das kreative HERZSTÜCK des Spiels?

Logische Rätsel, kreativ und teils auf unterschiedlichen Emotionen basiert. Das Spiel ist so konzipiert, dass man beim Lösen der Rätsel Gefühle hervorrufen soll. Du musst selbst herausfinden, WIE du das Rätsel löst.

Sonnencreme gehört nicht auf die Zahnbürste, Kühlschrank oder einfach Schokolade. Verschiedene detailgetreue Rätsel aus dem Leben eines Erwachsenen. Bezaubernd, oder? (ACHTUNG nicht die schöne Schokolade)

Insgesamt ist Julie btw. schon etwas über einem Jahr an dem Spiel beschäftigt und hat sogar vier preisgekrönte Spiele für die Playdate-Konsole veröffentlicht! Heftig, oder?

„Eigentlich war es nur eine kleine, gemütliche kreative Idee. Ich hatte Glück, eine Förderung zu erhalten, und dann ging es Schlag auf Schlag! Durch die Förderung konnte ich meine Vision erweitern und mehr Leute ins Boot holen. Also mehr kreative Leute im Boot , mehr Spielmechanik und ein vertieftes Spielgefühl.“

 

„At the beginning, I had a lot more challenging, logic-heavy puzzles, but they turned out to be too difficult, so I had to rethink and redesign them.“

Liebe Julie, es ist traumhaft sowas zu lesen! Jeder soll seinen Traum erfüllen können!

Hier geht es zum kleinen, kreativen und süßen knapp 3-Minuten-Best-of-Video von mir:

Zurück zum Spiel: Farbenblind solltet ihr nicht sein. Es ist zwar sehr knallig und bunt, aber einige Farben sehen sich sehr ähnlich und könnten Probleme bereiten.

Julie, sag mal, gab es technische Hürden, die besonders schwer zu überwinden waren?

„Wenn man zuvor mit etwas anderem gearbeitet hat, war das Erlernen von „Godot“ völlig neu. Es gab mir ein tolles Gefühl, einen ordentlichen Arbeitsablauf auf die Beine zu stellen (Foxy, nimm dir gefälligst ein Beispiel!), jedoch gab es natürlich eine Menge zu lernen!

Ein kreatives und großartiges Team hat mir dabei perfekt geholfen und das Projekt fantastisch unterstützt!“

ABER auch Steam! Sie hat ewig lange gebraucht, um herauszufinden, wie man das Spiel dort hochlädt (wirklich so komplex o.O WOW). Aber auch die Benutzeroberfläche musste erstmal kritisch geprüft werden. Schlussendlich hat sie es aber geschafft, alles einzurichten und zum Laufen zu bringen!

Wenn ich mir das Interview nochmals so durchlese, fühle ich mich ehrlich direkt verbunden mit ihr. Ich kenne sie nicht, aber sehe mich in ihr wieder. Warum? Weil sie einen Traum hat und ihn leben darf, etwas, das jeder von uns (mich eingeschlossen) erleben sollte!

Zum Abschluss gebe ich euch 1:1 wieder, was Julie auf meine letzte Frage geantwortet hat:

Wenn wir nur eine einzige Sache aus diesem Spiel mitnehmen dürfen, was wäre das?

„Ich hoffe, dass ihr die Reise und die Geschichte genießt, neugierig auf den Weg zum Elternsein werdet und ihn als etwas Positives seht. Dass wir als Menschen eine Art zusätzliche ‚Superkraft‘ gewinnen, wenn wir Eltern werden.

Wir lernen, als Eltern ein wenig nachsichtiger mit uns selbst und miteinander umzugehen und uns gegenseitig dabei zu unterstützen, eine ganze Generation neuer, starker Individuen großzuziehen, was eine Menge Arbeit bedeutet.

Ich hoffe, dass ihr Spaß daran habt, die Rätsel zu lösen und euch überraschen zu lassen, wenn die Dinge manchmal eine andere Wendung nehmen als erwartet, und dass ihr es so lange versucht, bis ihr hoffentlich das ganze Spiel durchspielt habt. Und ich hoffe wirklich, dass ihr Spaß daran habt – haha – und dass ihr das Chaos des Elternseins mit ein bisschen Humor betrachten könnt, denn sonst würden wir uns wahrscheinlich alle einfach in der Speisekammer verstecken und schweigend Snacks essen.

Wenn es euch dabei zum Lachen bringt und ihr stolz auf euch selbst seid, dann habe ich das Gefühl, dass meine Mission erfüllt ist.“

DANKE dir dafür, dass ich/wir es testen durfte und für deine mehr als ausführlichen Antworten! Wir warten gespannt auf Neues!

Fazit: Bin zwar kein Elternteil, habe aber jahrelang welche betreut und fand mich zum Teil auch wieder. Jeder Mensch braucht Ruhe und Entspannung, um die eigene kreative Ader wieder zum Leben zu erwecken!

Das Spiel hat zurzeit eine Gesamtspielzeit von knapp 1 bis 1,5 Stunden. Aber zum Entspannen reicht das völlig!

Von mir eine glatte 8 von 10 Punkten!

Hier geht’s direkt zum –> Steam-Spiel

Keine Lust alles zu Lesen? Hier die kleine Zusammenfassung in Stichpunkten:

Positiv:

kreativer handgezeichneter Stil!
Cozy Atmospähre
Originelle Rätsel
Abwechslungsreich
Flüssig und liebevoll umgesetzt

Negativ:

teilweise unklare Hilfe
Farbprobleme
kleinere Bugs

Kaum ein Paar hat die Geschichte des Marvel-Universums so geprägt wie Vision und Scarlet Witch. Während Wanda Maximoff als mächtige Mutantin mit einer bewegten Vergangenheit ihren Platz unter den größten Helden und Tragödien des Verlags gefunden hat, blieb Vision stets eine faszinierende Ausnahmeerscheinung. Der synthetische Avenger ringt seit seiner Erschaffung mit der Frage, was Menschlichkeit eigentlich bedeutet. Gerade dieser Gegensatz zwischen einer Frau voller Emotionen und einem Androiden auf der Suche nach ihnen machte ihre Beziehung über Jahrzehnte hinweg zu einer der ungewöhnlichsten und zugleich beliebtesten Liebesgeschichten der Comicwelt.

Auch außerhalb der Comics haben die beiden längst Kultstatus erreicht. Spätestens durch ihre gemeinsame Geschichte im Marvel Cinematic Universe lernten Millionen Zuschauer die besondere Verbindung zwischen Wanda und Vision kennen. Ihre Beziehung entwickelte sich dort zu einem emotionalen Kern mehrerer Filme und Serien und machte die Figuren auch einem Publikum bekannt, das zuvor kaum Berührungspunkte mit den Comics hatte. Dass ihre gemeinsame Vergangenheit bis heute viele Fans bewegt, zeigt, welchen Stellenwert dieses Duo inzwischen innerhalb des Marvel-Kosmos besitzt.

Umso bemerkenswerter ist der Blick auf den aktuellen Status quo der Comics. Denn dort sind Vision und Scarlet Witch längst nicht mehr das Paar, als das viele Leser sie in Erinnerung haben. Zu viele Schicksalsschläge, Konflikte und persönliche Entwicklungen haben ihre Wege über die Jahre getrennt. Dennoch übt die Vorstellung einer erneuten Annäherung oder zumindest eines gemeinsamen Abenteuers weiterhin eine besondere Faszination aus. Genau hier setzt Vision & Scarlet Witch an und weckt bereits auf den ersten Seiten die Neugier darauf, ob und wie die einstige Magie zwischen diesen beiden außergewöhnlichen Figuren noch immer funktionieren kann. Bevor wir uns genauer ansehen, was die Serie zu bieten hat, lohnt es sich also, einen Blick darauf zu werfen, warum dieses Duo bis heute einen so besonderen Platz im Herzen vieler Marvel-Fans einnimmt.

Danke an Panini für das Bereitstellen des Rezensionsexemplars!

Inhalt:

Plötzlich tauchen auf der ganzen Welt geheimnisvolle Türen auf, die ihren Besuchern scheinbar das Unmögliche ermöglichen. Sie erfüllen tiefste Wünsche und schenken sogar die Chance auf ein Wiedersehen mit längst verlorenen geliebten Menschen. Während die Menschheit von diesem Wunder fasziniert ist, wächst in Vision der Verdacht, dass sich hinter dem Phänomen eine dunkle Wahrheit verbirgt. Seine Nachforschungen enden jedoch in einer Katastrophe, als er lebensgefährlich verletzt wird. Für Wanda beginnt daraufhin ein Wettlauf gegen die Zeit. Um das Leben ihres Ex-Mannes zu retten, greift sie auf all ihre Kräfte zurück und stellt sich einer Bedrohung aus der Vergangenheit. Doch die Ereignisse nehmen eine unerwartete Wendung, die nicht nur ihr Schicksal, sondern auch ihre Beziehung für immer verändern könnte.

Vision & Scarlet Witch ist eine gelungene Rückbesinnung auf eines der ikonischsten Paare des Marvel-Universums. Vision und Wanda wieder Seite an Seite zu erleben, sorgt für eine spürbare Euphorie, die sich durch den gesamten Band zieht. Die eigentliche Handlung ist dabei nicht besonders komplex und verzichtet weitgehend auf große Überraschungen oder spektakuläre Wendungen. Ihre größte Stärke liegt stattdessen in der emotionalen Ebene und der Dynamik zwischen den beiden Hauptfiguren. Besonders beeindruckt hat mich, wie viel Herz in dieser Geschichte steckt. Jede Begegnung zwischen Wanda und Vision fühlt sich bedeutungsvoll an und erinnert daran, weshalb ihre Beziehung über Jahrzehnte hinweg so viele Leser begeistert hat. Ich hätte ehrlich gesagt nicht damit gerechnet, die beiden noch einmal auf diese Weise erleben zu dürfen. Gerade deshalb entfalten viele Szenen eine besonders starke Wirkung.

Allerdings ist die Geschichte auch sehr stark auf die gemeinsame Vergangenheit der Figuren aufgebaut. Wer mit Vision und Scarlet Witch vertraut ist, wird zahlreiche emotionale Momente und Anspielungen zu schätzen wissen. Neueinsteiger hingegen könnten die Handlung als eher gewöhnliche Superheldengeschichte wahrnehmen, die zwar unterhaltsam ist, ihre volle Wirkung aber erst durch die Bindung zu den Figuren entfaltet. Das Ende hinterließ bei mir zudem einen leicht melancholischen Eindruck, was jedoch keineswegs negativ gemeint ist. Vielmehr unterstreicht es die emotionale Reise, die Wanda und Vision in diesem Band durchlaufen. Für Fans des Duos ist Vision & Scarlet Witch daher eine sehr empfehlenswerte Lektüre, auch wenn die eigentliche Handlung für sich genommen nicht zu den stärksten Marvel-Geschichten der letzten Jahre zählt.

Zeichnungen:

Die Zeichnungen von Lorenzo Tammetta und Jacopo Camagni sind eine der größten Stärken des Bandes. Ihr Stil erinnert stellenweise an eine Mischung aus klassischem Cartoon und modernen Manga-Einflüssen. Dadurch wirken die Figuren besonders ausdrucksstark und die zahlreichen emotionalen Momente erhalten zusätzliches Gewicht. Gleichzeitig gelingt es den Künstlern, die ruhigeren Charaktermomente und die actionreicheren Sequenzen gleichermaßen überzeugend umzusetzen. Vor allem im letzten Heft erwarten den Leser einige eindrucksvoll inszenierte Szenen, die nicht nur durch ihre Dynamik, sondern auch durch ihre visuelle Kreativität überzeugen.

Besonders gefallen haben mir die abwechslungsreichen Seitenlayouts und die Art, wie wichtige Momente durch Bildkomposition und Perspektive hervorgehoben werden. Einige der Panels gegen Ende der Geschichte gehören für mich zu den stärksten Bildern des gesamten Bandes und bleiben noch lange im Gedächtnis. Wie bereits bei der Handlung entfaltet sich die volle Wirkung der Zeichnungen vor allem dann, wenn man eine emotionale Verbindung zu den Figuren besitzt. Wer Vision und Wanda seit Jahren begleitet, wird viele Szenen vermutlich deutlich intensiver erleben. Unabhängig davon liefern Tammetta und Camagni jedoch eine visuell beeindruckende Arbeit ab, die den emotionalen Kern der Geschichte perfekt unterstützt.

Fazit zu Vision & Scarlet Witch:

Vision & Scarlet Witch ist vor allem eines: ein Liebesbrief an zwei Figuren, deren gemeinsame Geschichte zu den emotionalsten und tragischsten Beziehungen im Marvel-Universum gehört. Die Serie versucht gar nicht erst, das Rad neu zu erfinden oder mit spektakulären Wendungen zu überraschen. Stattdessen konzentriert sie sich auf das, was Wanda und Vision seit Jahrzehnten ausmacht: ihre tiefe Verbundenheit, ihre Verluste und die Frage, ob manche Beziehungen wirklich jemals enden können.

Die eigentliche Handlung rund um die mysteriösen Türen und die dahinterstehende Bedrohung erfüllt dabei ihren Zweck, bleibt aber letztlich Mittel zum Zweck. Im Mittelpunkt stehen eindeutig die beiden Hauptfiguren und ihre gemeinsame Vergangenheit. Gerade Leser, die Wanda und Vision über viele Jahre begleitet haben, werden aus dieser Geschichte deutlich mehr mitnehmen als Neueinsteiger. Viele der stärksten Momente leben von Erinnerungen an frühere Ereignisse und von der emotionalen Bindung, die Fans bereits zu den Charakteren aufgebaut haben.

Besonders gelungen sind dabei die stimmungsvollen Zeichnungen von Lorenzo Tammetta und Jacopo Camagni, die den emotionalen Kern der Geschichte perfekt unterstützen. Egal ob ruhige Dialoge oder actionreiche Sequenzen, die Künstler schaffen es, den Figuren eine große Ausdrucksstärke zu verleihen und viele Szenen lange im Gedächtnis zu halten.

Am Ende bleibt Vision & Scarlet Witch ein Comic, der vor allem das Herz seiner Leser ansprechen möchte. Wer nach einer großen, bahnbrechenden Marvel-Geschichte sucht, wird hier vielleicht nicht vollständig fündig. Wer jedoch eine emotionale, nostalgische und wunderschön gezeichnete Rückkehr zu einem der beliebtesten Paare des Marvel-Universums erleben möchte, erhält einen Band, der genau das liefert und noch lange nachhallt.

Von Meeresrauschen über Pixel-Art-Style bis hin zur Retro-Musik

Gameboy Color Nostalgie! Die gute, alte Zeit!

Wenn ihr gerne im Vollbild spielt, seid ihr hier allerdings fehl am Platz. Es gibt zwar einen „Vollbildmodus“, dieser läuft aber lediglich im Fensterformat (4:3), was aber nicht weiter stört.
Es lässt sich sowohl mit Maus / Tastatur spielen, als auch mit Controller. Wobei ich mit beidem nicht wirklich warm geworden bin. Aber dazu gleich mehr…

Das Spiel läuft flüssig, Bugs sind mir keine begegnet (und das gibts bei mir selten ). Nur manchmal wird man durch gefühlt einen einzigen Pixel getroffen = Tod , was etwas ärgerlich sein kann. Dafür gibt es mehr als genügend Speichermöglichkeiten in Form der blauen Druckplatten im Spiel.

Wir haben apropos Dungeons mit echt gutem Rätselspaß zum Nachdenken!

Mit dem Controller könnt ihr sowohl den Joystick als auch das Steuerkreuz spielen, wobei beides von der Justierung her echt nicht einfach ist, aber dazu später mehr.

Probleme mit euren Lebenspunkten? Kein Problem! Herzen bekommt ihr mehr als genug. Also keine Sorge, falls ihr Angst vor dem virtuellen Tod habt.

Eine kleine, süße Geschichte mit einem netten überraschenden Plot Twist am Ende gibt’s obendrauf.

Nun zum eigentlichen Problem, das das Spielerlebnis etwas drückt:
Die Zielgenauigkeit ist etwas speziell. Man merkt, dass man sich an einem Spiel orientiert hat welches wir alle kennen, aber meiner Meinung nach ist die Steuerung etwas holprig. Zumindest bei den Monstern, wenn ihr einfach so herumlauft (Joystick), müsst ihr etwas aufpassen, nicht herunterzufallen. Da ist die Justierung dann SEHR fein!

Nach knapp zwei Stunden habe ich das Spiel schließlich abgebrochen, da mir der Endboss doch etwas zu schwierig / holprig wurde.

SORRY! Shame on Me!

Im Vergleich zum restlichen Spiel zieht der Schwierigkeitsgrad hier deutlich an. Das liegt allerdings weniger am Boss selbst, sondern eher am Kampfsystem. Man kommt oft kaum an den Gegner heran und viele Mechaniken wirken etwas „unfertig / unausgereift „, wobei „unfertig / unausgereift“ das falsche Wort ist. Eher zu viel auf einmal. Schwer zu beschreiben!

Wir bekommen auch ein paar Items, die wir hin und her wechseln müssen, ach, ihr wisst schon, so wie beim großen Zelda . Das freut mich natürlich sehr und macht das Leben einfacher

Man merkt, dass die Inspiration des Entwicklers durch Zelda deutlich beeinflusst / erkennbar ist.
Die Ähnlichkeiten zum bekannten Vorbild sind teilweise so groß, dass die Eigenständigkeit etwas leidet, wobei die Rätsel wirklich gut sind!

Die Geschichte an sich, wie auch das Gameplay (bis auf die genannten Schwächen) sind gar nicht so schlecht, wirkt aber leider einfach zu sehr nach dem großen Zelda was dann die Identität und die Stimmung etwas trübt.

Das Spiel hat eine Gesamtspielzeit lt. Entwicklern von etwa 1 bis 1,5 Stunden.

Steam-Errungenschaften gibt es leider keine. Dafür läuft das Spiel nativ unter Windows, Linux und natürlich auch auf dem Steam Deck.

Keine Lust alles zu Lesen? Hier eine Zusammenfassung:

Positiv:

Nostalgie
Pixel-Art
Dungeons & Rätsel
Flüssige Performance
Geschichte mit Plot Twist
Super für einen entspannten Abend!

Negativ:

Steuerung
Zielgenauigkeit
Endboss
Eigenständigkeit leidet durch die vielen Zelda-Parallelen
Keine Steam-Errungenschaften

Fazit: Wenn ihr Pixel-Art-Style mögt und Spaß an guten, teilweise kniffligen Rätseln und Dungeons habt, seid ihr hier bestens und richtig Aufgehoben.

Ihr solltet allerdings damit leben können, dass die Steuerung stellenweise etwas hakelig und die Zielgenauigkeit nicht immer optimal ist.

Das Spiel hat definitiv Potenzial und eignet sich hervorragend für einen entspannten Abend. Die Musik passt wunderbar zur Atmosphäre und sorgt für den passenden Retro-Charme.

Von mir eine glatte 6,5 von 10 Punkten!

Hier geht’s direkt zum Spiel bei Steam (der Preis liegt bei 5,19 € ):
https://store.steampowered.com/app/4290470/Echo_Isle/

Das Marvel-Universum ist bekannt für außergewöhnliche Helden und ungewöhnliche Konzepte, doch nur wenige Figuren sind so einzigartig wie Gwenpool. Hinter dem auffälligen weiß-pinken Kostüm steckt die junge Gwendolyn Poole, die ursprünglich aus einer Welt stammt, in der Marvel-Comics lediglich fiktive Geschichten sind. Durch mysteriöse Umstände findet sie sich jedoch plötzlich selbst im Marvel-Universum wieder und verfügt dadurch über ein Wissen, das keinem anderen Helden oder Schurken zugänglich ist. Sie kennt die Figuren, ihre Hintergründe und viele Ereignisse, die für andere noch verborgen sind.

Diese besondere Ausgangslage macht Gwenpool zu weit mehr als einer gewöhnlichen Heldin. Ihre Fähigkeiten beruhen nicht auf übermenschlicher Stärke oder kosmischen Kräften, sondern auf ihrem einzigartigen Verständnis dafür, dass sie sich innerhalb einer Comicwelt befindet. Dadurch kann sie die Regeln der Erzählung auf eine Weise wahrnehmen und teilweise sogar beeinflussen, die für andere Charaktere unmöglich erscheint. Das sorgt für zahlreiche kreative, humorvolle und oft überraschende Momente, die sie schnell zu einer der ungewöhnlichsten Figuren der modernen Marvel-Ära gemacht haben.

Was zunächst wie eine verrückte Idee klingt, entwickelte sich innerhalb kurzer Zeit zu einem echten Publikumsliebling. Gwenpool verbindet Meta-Humor, Action und eine gehörige Portion Selbstironie zu einem Konzept, das sich deutlich von klassischen Superheldengeschichten abhebt. Ob dieser besondere Ansatz auch im vorliegenden Band überzeugen kann, zeigt die folgende Rezension.

Danke an Panini für das Bereitstellen des Rezensionsexemplars!

Inhalt:

Eigentlich schien Gwendolyne Poole ihr Leben als Comic-Heldin in vollen Zügen zu genießen. Die quirlige Außenseiterin aus der realen Welt, die einst im Marvel-Universum landete, meisterte ihre Abenteuer stets mit Humor und einer gehörigen Portion Chaos. Doch plötzlich ist nichts mehr wie zuvor. Gwen wirkt verändert: finsterer, unberechenbarer und gefährlicher als je zuvor. Während ihr Verhalten immer beunruhigendere Ausmaße annimmt, tauchen Fragen auf, die tief in die Vergangenheit des Marvel-Kosmos führen. Welche Verbindung besteht zu Gwen Stacy, Spider-Mans tragisch verstorbener großer Liebe? Und wer zieht als geheimnisvoller Architekt im Hintergrund die Fäden? Die Antworten auf diese Fragen führen zu einer Enthüllung, die alles auf den Kopf stellt.

Gwenpool ist kein Comic, der das Medium mit bahnbrechenden Ideen neu erfindet. Viele seiner Konzepte hat man in ähnlicher Form bereits gesehen, und selbst die auf den ersten Blick kreative Grundidee rund um eine weitere Variante von Gwen Stacy ist längst nicht mehr neu. Genau daraus zieht der Band jedoch einen großen Teil seiner Stärke. Das Brechen der vierten Wand wird hier auf intelligente Weise eingesetzt und mit einer eher klassischen Comic-Erzählung verbunden. Das Ergebnis ist von der ersten bis zur letzten Seite unterhaltsam und sorgt für ein rundum gelungenes Leseerlebnis. Zwar erfindet der Comic das Rad nicht neu, liefert dafür aber einen kurzweiligen und charmanten Leckerbissen für zwischendurch, der besonders Comicfans gefallen dürfte. Ein gelungenes Debüt, das Lust auf mehr macht, denn in der Figur Gwenpool steckt ohne Zweifel noch jede Menge ungenutztes Potenzial.

Zeichnungen:

Die Zeichnungen von Stefano Nesi machen in Gwenpool richtig viel Spaß. Es fällt sogar etwas schwer zu erklären, warum das so ist. Der Stil wirkt auf den ersten Blick recht standardisiert, gleichzeitig aber so bewusst gewählt, dass er beinahe wie ein Kommentar auf klassische Superheldencomics erscheint. Genau dadurch passt er hervorragend zum Konzept der Geschichte. Die überzeichneten Emotionen unterstützen das Brechen der vierten Wand zusätzlich und verleihen den oft absurden Handlungsmomenten die nötige Übertreibung. Das Ergebnis ist energiegeladen, lebendig und durchweg unterhaltsam anzusehen. Obwohl die Zeichnungen nicht vor Kreativität übersprudeln, fällt es schwer, ihnen das übelzunehmen, weil der Stil so clever mit den erzählerischen Ideen des Comics harmoniert.

Fazit zu Gwenpool:

Gwenpool ist ein unterhaltsamer Comic, der seine größte Stärke nicht aus innovativen Ideen, sondern aus deren cleverer Umsetzung zieht. Die Geschichte kombiniert klassische Superheldenelemente mit dem für die Figur typischen Meta-Humor und dem ständigen Spiel mit den Regeln des Mediums. Dadurch entsteht ein Abenteuer, das sich zwar vertraut anfühlt, aber dennoch genügend eigene Akzente setzt, um bis zum Schluss zu fesseln.

Besonders gelungen ist dabei die Art und Weise, wie Gwenpools Fähigkeit, die vierte Wand zu durchbrechen, in die Handlung eingebunden wird. Statt sich ausschließlich auf Gags und Selbstreferenzen zu verlassen, nutzt der Comic dieses Konzept, um eine spannende Geschichte zu erzählen, die immer wieder mit den Erwartungen der Leser spielt. Das sorgt für viele unterhaltsame Momente und verleiht dem Band einen ganz eigenen Charme.

Auch visuell weiß der Comic zu überzeugen. Die energiegeladenen Zeichnungen von Stefano Nesi unterstützen den humorvollen und leicht überdrehten Ton der Geschichte perfekt. Obwohl der Stil nicht durch außergewöhnliche Experimente auffällt, harmoniert er hervorragend mit dem erzählerischen Ansatz und trägt wesentlich zum Lesespaß bei.

Wer auf kreative Superheldengeschichten mit einer guten Portion Meta-Humor steht, wird hier definitiv auf seine Kosten kommen. Gwenpool erfindet das Rad nicht neu, beweist aber eindrucksvoll, wie viel Unterhaltung in bekannten Ideen stecken kann, wenn sie mit genügend Herz, Witz und Verständnis für das Medium umgesetzt werden. Ein kurzweiliger Band, der Lust auf weitere Abenteuer der ungewöhnlichen Heldin macht.

„Ich mag, wenn sich Dinge leicht anfühlen – und genau das ist INFINITY WATER für mich. Einfach, aber genial. Frisch gepresster Zitronensaft mit Sprudel. Keine Zusätze, ohne Zucker – erfrischend und zeitgemäß“, sagt der Musiker. Und anders als bei vielen Celebrity-Produkten war der Künstler hier tatsächlich intensiv involviert. Geschmack und Look & Feel der Edition wurden gemeinsam entwickelt – mit dem Ziel, ein Produkt zu schaffen, das sich authentisch nach CRO anfühlt.

Auch für INFINITY WATER steht genau dieses Lebensgefühl im Mittelpunkt. „Musik ist für viele Menschen pure Emotion – Wasser wiederum begleitet uns durch den gesamten Alltag. Mit der Zusammenarbeit wollten wir beides verbinden und ein Produkt schaffen, das Leichtigkeit und bewussten Lifestyle transportiert“, erklärt Walter Scherb, CEO und Gründer von INFINITY WATER. Die neue Zitrone-Edition soll dabei mehr sein als nur ein Getränk. „Never not Flowing“ steht für einen Lifestyle zwischen Bewegung, Kreativität und Balance – egal ob unterwegs in der Stadt, im Gym, im Studio oder auf Festivals.

Neben der neuen CRO-Zitrone-Edition gibt es INFINITY WATER außerdem auch in den Sorten Orange sowie Himbeer Zitrone. Alle Varianten sind ab sofort deutschlandweit bei Edeka und Kaufland erhältlich. Und als wäre das noch nicht genug, wartet unter jeder Dosenlasche ein Gewinncode mit Konzerttickets, Festivalpässen und exklusiven Musik-Erlebnissen.

Über INFINITY WATER
INFINITY WATER ist eine Subbrand der Marke Gasteiner. Das Mineralwasser aus Österreich steht mit seiner Produktrange INFINITY WATER für natürlichen Geschmack ohne Zuckerzusatz oder künstliche Aromen. Mit innovativen Konzepten an der Schnittstelle von Lifestyle, Musik und Getränkekultur richtet sich die Marke an eine breite Zielgruppe und schafft neue Erlebniswelten rund um das Thema Hydration.

Über CRO
CRO ist einer der prägendsten Künstler im deutschsprachigen Raum – und zugleich eine der konsequentesten Künstler-Marken der letzten Dekade. Als Rapper, Sänger, Produzent und Designer verschmolz er Rap und Pop zu einem Sound, der dem deutschen Hip-Hop neue Leichtigkeit und enorme Reichweite verlieh. Mit „Easy“ und dem Debütalbum Raop gelang ihm der Durchbruch – ein Meilenstein, der das Genre nachhaltig veränderte.

Seine Bilanz: sechs Nummer-1-Alben sowie 29 Gold- und 25 Platin-Auszeichnungen in Deutschland, Österreich und der Schweiz. Doch CRO steht längst für mehr als Chart-Erfolge. Mit seiner ikonischen Masken-Ästhetik, klarer visueller Handschrift und einem ausgeprägten Gespür für Inszenierung, Design und strategische Partnerschaften hat er sich als 360-Grad-Artist etabliert – an der Schnittstelle von Musik, Mode, Kunst und Marke.

Ich weiß noch genau, wie ich früher im Bus mit einem Game Boy saß. Dann kam irgendwann die PSP, später die Switch. Und jetzt? Jetzt sitzen wir plötzlich mit einem Gerät auf der Couch, das einfach ein kompletter Gaming-PC ist.

Genau dieses Gefühl hatte ich, als ich die ROG Xbox Ally X das erste Mal in der Hand hatte.

Das Ding wirkt nicht wie eine Spielkonsole.
Es wirkt wie ein kleines High-Tech-Monster.

Und genau das macht sie auch so interessant.
Sie will nicht einfach nur „ein bisschen unterwegs zocken“.
Sie will ernst genommen werden.

Ich habe sie mehrere Wochen genutzt – auf Reisen, zuhause, im Bett, auf der Terrasse und sogar einmal im Wartezimmer beim Arzt.

Und ich kann schon vorweg sagen:
Sie hat mich beeindruckt.
Aber sie hat mich auch manchmal genervt.

Design & Verarbeitung – erwachsen, massiv, ziemlich cool

Der erste Eindruck zählt ja bekanntlich. Und hier punktet die Ally X sofort.

Das Gerät wirkt:

• stabil
• hochwertig
• modern
• irgendwie futuristisch

Die Griffe sind groß genug, dass auch größere Hände bequem spielen können.
Das war beim Vorgänger nicht für jeden perfekt.

Was mir besonders gefallen hat:

Die Sticks fühlen sich richtig gut an.
Nicht billig, nicht schwammig.
Eher wie bei einem guten Xbox-Controller.

Auch die Tasten haben einen klaren Druckpunkt.
Man merkt, dass Asus hier nicht einfach irgendein Plastik verbaut hat.

Aber ehrlich gesagt:
Sie ist groß.
Und sie ist auch nicht gerade leicht.

Nach einer Stunde merkt man das noch nicht.
Nach drei Stunden schon.

Das ist kein Gerät, das man mal eben in die Jackentasche steckt.
Das ist eher ein „Ich nehme meinen Gaming-Rucksack mit“.

Display – eines der Highlights

Das Display ist für mich ein echtes Argument für die Ally X.

7 Zoll klingen erstmal normal.
Aber die Kombination macht es aus:

• Full HD
• 120 Hz
• hohe Helligkeit
• gute Farben

Gerade schnelle Spiele profitieren enorm von den 120 Hz.
Alles fühlt sich direkter und flüssiger an.

Ich habe z. B. Rennspiele gespielt und sofort gemerkt:
Das sieht einfach richtig gut aus.

Auch Windows wirkt dadurch irgendwie moderner und schneller.
Das ist schwer zu beschreiben, aber man merkt es.

Draußen spielen funktioniert übrigens besser als gedacht.
Natürlich nicht in der prallen Mittagssonne.
Aber auf der Terrasse oder im Zug absolut okay.

OLED wäre noch schöner gewesen –
aber das Display ist trotzdem stark.

Leistung – ja, das Ding kann wirklich zocken

Viele fragen sich wahrscheinlich:
„Kann so ein kleines Gerät wirklich große Spiele schaffen?“

Die Antwort ist: Ja.
Aber mit kleinen Einschränkungen.

Ich habe unter anderem getestet:

• Forza Horizon
• Cyberpunk
• Diablo
• einige Indie-Games

Und ich war ehrlich überrascht.

Die meisten Titel liefen:

• in mittleren Einstellungen
• teilweise sogar hoch
• mit stabilen FPS

Natürlich nicht immer perfekt.
Aber absolut spielbar.

Was wichtig ist:
Man muss manchmal ein bisschen rumprobieren.

Auflösung runter.
Upscaling aktivieren.
Leistungsmodus anpassen.

Wer sich ein bisschen mit Gaming-PCs auskennt, wird damit sogar Spaß haben.
Wer einfach nur „Konsole einschalten und spielen“ will, muss sich erstmal umgewöhnen.

Windows auf einem Handheld – Freiheit oder Frust?

Hier wird es interessant.

Die Ally X läuft mit Windows.
Das ist gleichzeitig genial und anstrengend.

Genial, weil:

• du Steam nutzen kannst
• Game Pass nutzen kannst
• Emulatoren installieren kannst
• Mods nutzen kannst
• wirklich alles möglich ist

Anstrengend, weil:

• Windows manchmal nervt
• kleine Buttons
• Updates
• Einstellungen

Es fühlt sich manchmal wie ein Mini-Laptop an.
Nicht wie eine klassische Konsole.

Asus hat zwar eine eigene Oberfläche integriert,
aber komplett „konsolenartig“ wird es nie.

Ich persönlich fand das okay.
Aber ich kann verstehen, wenn manche sagen:
„Ich will einfach nur spielen.“

Lautstärke & Hitze – erstaunlich gut im Griff

Die Lüfter sind da.
Und man hört sie auch.

Aber nur wenn man wirklich Leistung abruft.

Im leiseren Modus ist die Ally angenehm ruhig.
Im Turbo-Modus merkt man dann:
Jetzt arbeitet hier ein kleiner Gaming-PC.

Trotzdem:
Ich hatte nie das Gefühl, dass das Gerät zu heiß wird.

Die Wärme verteilt sich gut.
Auch längere Sessions waren problemlos möglich.

Akku – endlich ein echter Fortschritt

Der größere Akku ist wahrscheinlich das wichtigste Upgrade.

Meine echten Erfahrungen:

• große Spiele → etwa 2 bis 3 Stunden
• kleinere Spiele → 4 bis 5 Stunden
• Streaming → sogar noch länger

Das ist nicht perfekt.
Aber für diese Leistung wirklich respektabel.

Früher musste man fast immer eine Steckdose suchen.
Jetzt kann man tatsächlich mal entspannt unterwegs spielen.

Trotzdem:
Powerbank bleibt dein Freund

Speicher & Zukunftssicherheit

1 TB Speicher klingt erstmal viel.
Und ja – das ist es auch.

Gerade wenn moderne Spiele locker 100 GB brauchen.
Ich musste mir während des Tests keine Gedanken machen, ständig etwas zu löschen.

Auch die 24 GB RAM sind ein starkes Argument.
Das sorgt dafür, dass das System einfach länger „modern“ bleibt.

Datenblatt (Herstellerangaben ASUS)

Modell: ROG Xbox Ally X

• Prozessor: AMD Ryzen Z1 Extreme
• Grafik: AMD RDNA 3
• Display: 7 Zoll IPS
• Auflösung: 1920 × 1080
• Bildrate: 120 Hz
• Arbeitsspeicher: 24 GB LPDDR5X
• Speicher: 1 TB SSD
• Akku: 80 Wh
• Gewicht: ca. 678 g
• Betriebssystem: Windows 11
• WLAN: Wi-Fi 6E
• Bluetooth: 5.2
• Anschlüsse: USB-C, microSD

Bewertungsübersicht

Kategorie	Wertung	Kommentar
Design	9/10	Modernes Design mit guter Verarbeitung und angenehmer Haptik
Ergonomie	8.5/10	Liegt gut in der Hand, bei langen Sessions etwas schwer
Display	9/10	Scharfes Full-HD-Display mit flüssigen 120 Hz
Leistung	9.5/10	Aktuelle Spiele laufen überraschend stark für einen Handheld
Akkulaufzeit	8.5/10	Deutlich besser als beim Vorgänger, aber kein Dauerläufer
Lautstärke & Kühlung	8/10	Gute Kühlung, Lüfter unter Last hörbar
Software	8/10	Viel Freiheit durch Windows, gelegentlich etwas umständlich
Ausstattung	9.5/10	24 GB RAM und 1 TB SSD bieten viel Zukunftssicherheit
Preis-Leistung	8/10	Teuer, aber die gebotene Hardware rechtfertigt vieles
Gesamtwertung	8.9/10	Einer der derzeit stärksten Gaming-Handhelds für unterwegs

Häufig gestellte Fragen (FAQ)

Thor zählt seit Jahrzehnten zu den bekanntesten und beliebtesten Figuren des Marvel-Universums. Als Gott des Donners, Beschützer Asgards und Mitglied der Avengers hat er unzählige Abenteuer erlebt. Doch so mächtig Thor auch sein mag, seine Geschichten drehten sich immer wieder um die Frage, was ihn wirklich ausmacht: seine göttliche Herkunft oder die Persönlichkeit hinter dem Hammer.

Dabei ist es nicht das erste Mal, dass Thor als Sterblicher durchs Leben gehen muss. Im Laufe seiner langen Comicgeschichte wurde ihm bereits mehrfach seine Macht genommen oder er war gezwungen, die Welt aus menschlicher Perspektive zu erleben. Gerade diese Geschichten gehören oft zu den interessantesten Kapiteln seiner Laufbahn, weil sie den Fokus weniger auf spektakuläre Kämpfe und mehr auf die Figur selbst legen.

Mit Der Sterbliche Thor greift Marvel diesen Ansatz erneut auf. Nach den Ereignissen der vorherigen Reihe lebt Thor als gewöhnlicher Mensch und kann sich nicht mehr an sein Leben als Gott erinnern. Seine Vergangenheit scheint ausgelöscht, während sein früheres Dasein nur noch ein fernes Echo ist. Damit eröffnet die Serie ein spannendes neues Kapitel, das neugierig darauf macht, welche Herausforderungen auf den einstigen Donnergott warten.

Danke an Panini für das Bereitstellen des Rezensionsexemplars!

Inhalt:

Seit Jahrhunderten berichten die Legenden der Nordmänner von mächtigen Göttern, die einst unter den Menschen wandelten und das Schicksal der Welt beeinflussten. Von Asgard, den Asen und ihren heldenhaften Taten wurde in zahllosen Geschichten erzählt. Doch die Wahrheit sieht anders aus: Asgard existierte nie. Es gab keine Götter, die an der Seite der Menschheit kämpften, keine göttlichen Beschützer, die für Gerechtigkeit eintraten. Alles waren nur Mythen, geschaffen, um Hoffnung zu schenken. Niemand wird erscheinen, um uns zu retten. Und doch geschieht in den Straßen von New York etwas Unerklärliches: Ein Mann erwacht mit einem gewaltigen Hammer in der Hand. Mit ihm beginnt eine Geschichte, die schon bald die Grenze zwischen Legende und Wirklichkeit verschwimmen lässt.

Der Sterbliche Thor 1 ist weit mehr als nur die Geschichte eines Gottes, der lernen muss, wie es ist, als gewöhnlicher Mensch zu leben. Vielmehr ist es eine Lektion darüber, wer Thor in seinem Innersten wirklich ist: ein brutaler, aber zugleich gutherziger Beschützer, der nicht immer einschätzen kann, wann er zu weit geht, obwohl sein Herz am rechten Fleck sitzt.

Ich mochte diese Einführung in Thors neuestes Kapitel sehr. Sie fühlt sich beinahe wie ein kleiner Neustart an, der sofort Lust auf mehr macht und Thor von einer ungewohnt menschlichen Seite zeigt, auch wenn seine Darstellung stellenweise etwas zu brutal für die eigentliche Idee der Geschichte wirkt. Nichtsdestotrotz habe ich es sehr genossen, Thor auf diese Weise zu erleben. Besonders begeistert hat mich das Mysterium rund um Loki und die Frage, was er diesmal wieder im Schilde führt. Ebenso spannend ist die Frage, ob und wie Thor zu seiner göttlichen Stärke zurückfinden wird. All das erzeugt eine enorme Spannung, sodass ich es kaum erwarten kann, das nächste Kapitel dieser Reihe zu lesen.

Zeichnungen:

Die Zeichnungen von Pasqual Ferry in Der Sterbliche Thor 1 wirken auf den ersten Blick chaotisch und roh. Sie erinnern stellenweise an die Skizzen eines jungen Künstlers, und genau das macht ihren Reiz aus. Damit meine ich keineswegs, dass sie unfertig oder gar hässlich wirken. Vielmehr fangen sie die Essenz dieser Geschichte hervorragend ein.

Der Stil bildet einen spannenden Gegenpol zu den sonst oft sehr mythisch und episch inszenierten Thor-Geschichten. Dadurch entsteht das Bild eines Thor, der weit entfernt vom Göttlichen und stattdessen ganz nah am menschlichen Chaos ist. Auch die Brutalität der Handlung wird durch die kantigen und schroffen Zeichnungen wirkungsvoll transportiert, wobei die Darstellung von Gewalt und Verletzungen teilweise sehr explizit ausfällt.

Alles in allem handelt es sich nicht um einen bombastischen oder nostalgischen Zeichenstil, sondern um einen, der die Erzählung hervorragend unterstützt und perfekt zu den Themen passt, die die Geschichte behandeln möchte.

Fazit zu Der Sterbliche Thor 1:

Am Ende hinterlässt Der Sterbliche Thor 1 einen insgesamt sehr starken ersten Eindruck und erfüllt genau das, was ein Auftaktband leisten sollte: Er macht neugierig auf das, was noch kommt, und setzt gleichzeitig eine klare neue Richtung für die Figur. Die Idee, Thor seiner göttlichen Identität zu berauben und ihn als Mensch ohne Erinnerung neu zu verorten, funktioniert dabei erstaunlich gut, weil sie den Fokus konsequent auf seine Persönlichkeit lenkt.

Besonders überzeugend ist, wie die Geschichte den inneren Kern der Figur herausarbeitet. Auch ohne sein Wissen über Asgard und seine Vergangenheit bleibt Thor jemand, der instinktiv handelt, beschützt und dabei oft zwischen Mitgefühl und zerstörerischer Wucht schwankt. Genau dieser Konflikt macht den Band interessant, weil er weniger eine klassische Heldenreise erzählt, sondern eher eine Suche nach Identität unter völlig veränderten Bedingungen.

Auch die Atmosphäre des Comics trägt viel zum Gesamteindruck bei. Die Mischung aus Mysterium, Unsicherheit und unterschwelliger Bedrohung sorgt dafür, dass die Handlung ständig in Bewegung bleibt. Figuren wie Loki verstärken dieses Gefühl zusätzlich und setzen genau die richtigen Reize, um die Spannung für die kommenden Ausgaben hochzuhalten, ohne zu viel vorwegzunehmen.

Visuell wird dieser Ansatz durch den Zeichenstil konsequent unterstützt. Die rohe, teilweise chaotische Darstellung passt sehr gut zu einem Thor, der selbst aus seinem eigenen inneren Gleichgewicht gefallen ist. Dadurch entsteht ein stimmiges Gesamtbild, das sich bewusst von klassisch heroischen oder glatten Inszenierungen entfernt und stattdessen stärker auf Emotionalität und Instabilität setzt.

Insgesamt ist Der Sterbliche Thor 1 ein gelungener Einstieg in eine neue Phase der Figur, der sowohl erzählerisch als auch visuell überzeugt. Kleine Unebenheiten in der Brutalität oder Tonalität fallen zwar auf, stören den positiven Gesamteindruck jedoch kaum. Vielmehr bleibt ein Auftakt, der Lust auf die nächsten Entwicklungen macht und Thor in einem ungewohnt menschlichen, aber gerade deshalb spannenden Licht zeigt.

Die Erde wieder in Gefahr

Psyvariar 3 spielt einige Jahre nach dem zweiten Teil. Nachdem die Erde von ETA befreit wurde, haben die Psyvariarern dafür gesorgt, dass der Planet neu kolonisiert werden kann. Jahrzehnte später kommt ein fremdes Signal an. Der Himmel verdunkelt sich, die Bedrohung ist zurück. Nach all der Zeit muss sich die neue Generation von Psyvariarnern zeigen, dass sie die Menschheit beschützen kann.

Klassiker zurück in der Modernen Era

Das Spiel ist im Grunde wie alle anderen Bullet-Hell-Shooter. Der Bildschirm wird gefüllt mit Geschossen, ihr versucht, diesen auszuweichen und währenddessen mit euren eigenen Geschossen die Gegner auszuschalten. Dabei haben die meisten Spiele in dem speziellen Genre eine Mechanik, um mehr Punkte zu sammeln. In Psyvariar 3 bekommt man extra Punkte, wenn man ganz nah an gegnerischen Geschossen fliegt. Zusätzlich hat jeder Pilot noch eine eigene Methode, mehr Punkte zu bekommen. Zum Beispiel: Gegner, die nah am eigenen Schiff besiegt werden, geben extra Punkte.

Mit genug Punkten bekommt man ein Level-up. Bei dem Aufstieg ist man kurzzeitig unverwundbar, was man gut benutzen kann, um einem potenziellen Treffer auszuweichen. Je höher das Level, desto größer wird die Anzahl der eigenen Geschosse. Am Ende einer Stage kann man den Schwierigkeitsgrad der nächsten Stage ändern, sofern man ein bestimmtes Level erreicht hat. Ja, dadurch wird es schwerer, aber man kann auch mehr Punkte erreichen und es gibt auch extra Bosse zu entdecken.

Mehr Modis zur auswahl

Man kann von sieben verschiedenen Piloten wählen, darunter auch Cotton, die aus dem gleichnamigen Spiel stammt. Jeder Pilot hat seine eigenen Bomben, mit denen man zum Beispiel alle Gegner auf dem Bildschirm zerstören kann. Neben dem Arcade-Modus gibt es noch:

• Arrange
• Mission
• Caravan
• Endless
• Practice

Arragne ist eine einfachere Version vom Arcade-Modus, da man immer voll ausgelevelt ist und den Schwierigkeitsgrad nicht ändern kann. Mission Mode sind kurze Stages, in denen man bestimmte Ziele erreichen muss. Im Caravan-Mode spielt man 2 Minuten, in denen man versucht, so viele Punkte wie möglich zu erreichen. Endless Mode gibt euch eine zufällig generierte Stage, in der ihr nur ein Leben habt. Und zu guter Letzt gibt es den Practice-Mode, in dem ihr euch eine Stage aussuchen könnt, um diese zu üben.

Fazit 

Psyvariar 3 hat mich sehr positiv überrascht. Ich kannte die Vorgänger nicht und bin froh, dass es eine moderne Fortsetzung von dem Klassiker gibt. Das Level-up-System ist eine gute Mechanik für Bullet-Hell-Shooter, und auch, dass dadurch der Schwierigkeitsgrad geändert werden kann, macht die Jagd nach dem Highscore sehr erfrischend. Die Präsentation könnte etwas besser sein, auch die Musik hat mich nicht ganz abgeholt. Bei Arcade-Shootern ist klar, dass es ein recht kurzes Spiel ist, und bei einem Preis von 19,50€ kann ich es nur Fans von Bullet-Hell-Shootern empfehlen.

1 of 10

Vergleichbare Spiele

Wenn euch diese Spiele gefallen haben, könnte auch Psyvariar 3 genau das Richtige für euch sein:

• Akai Katana Shin
• Under Defeat
• Cotton
• Deathsmiles
• Ikaruga

Psyvariar 3 Trailer

Fazit Kasten

Kategorie	Wertung	Kommentar
Presentation	6/10	Bunt und hektisch, manchmal etwas unübersichtlich
Gameplay	8/10	Bullet Hell mit interessanten Scoring System
Story	-/10	Keine richtige Story vorhanden
Wiederspielwert	8/10	Highscore jagd

 Gesamtwertung: 7/10

Psyvariar 3 ist seit dem 26. März 2026 für Xbox Series X|S, Playstation 5, Nintendo Switch und PC erhältlich.

Der Test basiert auf einem Review Code für Psyvariar 3 auf der Xbox Series X, der uns freundlicherweise zur Verfügung gestellt wurde.